Eine Gruppe von Versuchspersonen lag in einem Magnetresonanztomografen an der Columbia University in New York und betrachtete Gemälde. Bei gegenständlichen Bildern, etwa einem Gesicht, einer Landschaft oder einer Obstschale, reagierten die Gehirne der Teilnehmenden ungefähr gleich. Als die Bilder abstrakt wurden, geschah etwas anderes: Die Aktivität spaltete sich auf und wurde individuell. Die Ergebnisse wurden 2025 in der wissenschaftlichen Zeitschrift PNAS veröffentlicht und verraten etwas Unerwartetes darüber, warum ein abstraktes Poster für zwei Menschen, die dasselbe Wohnzimmer teilen, ganz Unterschiedliches bedeuten kann.
Das Phänomen hat einen über hundert Jahre alten Namen. Kunsthistoriker nennen es den Anteil des Betrachters, und die Idee ist einfach zu formulieren, aber schwer zu beweisen: Ein Kunstwerk ist nicht fertig, wenn der Künstler den Pinsel aus der Hand legt. Es wird fertig, wenn jemand es betrachtet und den Rest mit den eigenen Erinnerungen, Assoziationen und dem eigenen Alltag ergänzt. Nun gibt es bildgebende Untersuchungen des Gehirns, die diese Behauptung stützen, und das verändert, wie man vernünftigerweise über die Auswahl von Kunst für das eigene Zuhause nachdenken sollte.
Kurzinfo: Die Studie „The Beholder's Share: Bridging art and neuroscience to study individual differences in subjective experience“ wurde am 14. August 2024 von PNAS entgegengenommen und am 11. Februar 2025 angenommen. Sie wurde vom Nobelpreisträger Eric Kandel vorgelegt, der im Jahr 2000 den Nobelpreis für Physiologie oder Medizin erhielt. Die Arbeit wurde am Zuckerman Institute der Columbia University durchgeführt.
Riegls Entdeckung: Das Kunstwerk ist erst fertig, wenn jemand es betrachtet
Der österreichische Kunsthistoriker Alois Riegl, der um die Jahrhundertwende um 1900 wirkte und 1905 starb, untersuchte holländische Gruppenporträts aus dem 17. Jahrhundert und bemerkte etwas, das niemand so recht in Worte gefasst hatte. Die Figuren in den Bildern blickten aus der Leinwand heraus. Sie wandten sich der betrachtenden Person zu. Riegl nannte das die Mitwirkung des Betrachters und meinte, die holländische Malerei lasse bewusst eine Lücke, in die das Publikum treten müsse, damit die Komposition aufgehe.
Die Idee wurde vom Psychoanalytiker Ernst Kris weiterentwickelt und später vom Kunsthistoriker Ernst Gombrich aufgegriffen, der ihr in seinem Buch „Art and Illusion“ von 1960 ihre bekannteste Formulierung gab. Gombrich verknüpfte sie mit einem Problem, das Optikforscher das inverse optische Problem nennen: Die Netzhaut empfängt ein flaches, unvollständiges und mehrdeutiges Signal, und das Gehirn muss erraten, was es bedeutet. Sehen heißt also nicht, ein Bild zu empfangen. Es heißt, eines zu konstruieren. Ein Gemälde nutzt diesen Prozess bewusst.
Eric Kandel brachte dieselbe Argumentation mit den Büchern „The Age of Insight“ und „Reductionism in Art and Brain Science“ in die Neurowissenschaften ein, und er war es, der die neue PNAS-Studie vorlegte. Sie schlägt eine Brücke zwischen Riegls Beobachtung von 1902 und einem Magnetresonanztomografen in New York gut hundertzwanzig Jahre später.
Was die Columbia-Forschenden tatsächlich beobachteten, als die Teilnehmenden abstrakter Kunst begegneten
Das Versuchsdesign prüfte eine Vorhersage, die bis dahin reine Theorie gewesen war. Wenn abstrakte Kunst tatsächlich mehr der betrachtenden Person überlässt, sollten zwei Personen, die dasselbe abstrakte Gemälde betrachten, weniger ähnliche Gehirnreaktionen zeigen als zwei Personen, die dasselbe gegenständliche Gemälde betrachten. Und falls das stimmt: Wo im Gehirn entsteht der Unterschied? In der Sehrinde, wo das Bild zunächst verarbeitet wird, oder weiter innen, wo Erinnerungen und Bedeutungen verarbeitet werden?
Die Antwort war eindeutig. Der Unterschied lag nicht in den frühen Sehbereichen. Die Teilnehmenden sahen optisch dasselbe. Der Unterschied entstand in den höheren Assoziationsbereichen, also in jenen Netzwerken, die Gedächtnis, Selbstreflexion und Erzählungen verarbeiten. Dort waren die Antworten personenspezifisch, anders als bei den gegenständlichen Werken. Mit anderen Worten: Was zwischen den Menschen variierte, war nicht der Seheindruck, sondern die Interpretation.
„Zwei Personen sehen vor einem gegenständlichen Gemälde dasselbe. Zwei Personen sehen vor einem abstrakten Gemälde dieselbe Fläche, aber unterschiedliche Bedeutungen, und jetzt lässt sich dieser Unterschied messen.“
Wer Kunst für den eigenen Haushalt kauft, für den ist das mehr als eine Kuriosität. Es erklärt, warum Empfehlungen für abstrakte Kunst so oft ins Leere laufen. Ein Freund kann von einem Werk schwärmen, ohne das Erlebnis vermitteln zu können, denn ein beträchtlicher Teil davon war nie im Werk selbst, sondern im Freund.
Das Default-Mode-Netzwerk: der Tagträumermodus des Gehirns und seine Rolle für Schönheit
Die Bereiche, die in der Studie hervorstachen, gehören größtenteils zum sogenannten Default-Mode-Netzwerk. Es ist die Gruppe von Hirnregionen, die am aktivsten ist, wenn wir nichts Bestimmtes tun: wenn die Gedanken schweifen, wenn wir uns erinnern, wenn wir uns die Zukunft vorstellen oder versuchen zu verstehen, worum es in einer Geschichte eigentlich geht. Das Netzwerk hat also nicht in erster Linie mit dem Sehen zu tun, sondern mit dem Innenleben.
Dass es in der Kunstforschung auftaucht, ist nichts Neues. Bereits 2019 veröffentlichte eine Forschungsgruppe in PNAS die Studie „The default-mode network represents aesthetic appeal that generalizes across visual domains“, die zeigte, dass dasselbe Netzwerk der ästhetischen Bewertung folgt, unabhängig davon, ob das Motiv ein Gebäude, eine Landschaft oder ein Kunstwerk ist. Das Netzwerk scheint etwas in der Art von „Das berührt mich“ zu kodieren und nicht „Das sieht auf eine bestimmte Weise aus“.
Interessant ist die Kombination der beiden Befunde. Ein mehrdeutiges Werk aktiviert das innere System stärker. Dieses innere System erzeugt persönliche Relevanz. Mehrdeutige Werke werden also persönlicher. Das ist eine schlüssige Erklärungskette, die für ein gedrucktes Poster an der Wand einer Mietwohnung genauso gilt wie für ein Ölgemälde in einem Museum. Bemerkenswert ist, dass das Netzwerk Qualität nicht in einem objektiven Sinn misst. Es registriert, ob etwas berührt. Zwei Personen können daher auf zwei Werke, die die Kunstgeschichte ganz unterschiedlich bewertet, gleich stark reagieren, und beide haben mit ihrer eigenen Erfahrung recht.
Psychologische Distanz: Warum Abstraktes größer wirkt als sein Motiv
Eine verwandte Studie in PNAS aus dem Jahr 2020 verwendete eine Theorie, die Psychologen Konstrualniveau-Theorie nennen. Kurz gesagt: Je weiter entfernt sich etwas in zeitlicher, räumlicher oder wahrscheinlicher Hinsicht anfühlt, desto abstrakter denken wir darüber. Und umgekehrt: Je abstrakter etwas dargestellt wird, desto ferner und allgemeiner nehmen wir es wahr. Die Forschenden konnten zeigen, dass Betrachtende abstrakte Werke mit übergeordneten, prinzipiellen Begriffen beschrieben als figurative Werke, die stattdessen konkrete und detailnahe Beschreibungen hervorriefen.
Das erklärt eine Erfahrung, die viele gemacht haben, ohne sie in Worte fassen zu können. Ein detailliertes Naturbild eines Kiefernwalds wird als „ein Wald im Gegenlicht“ beschrieben. Ein großes Farbfeldgemälde wird als „Ruhe“ oder „Trauer“ oder „ein Atemzug“ beschrieben. Das Motiv tritt zurück und die Bedeutung wächst. Wer ein abstraktes Bild auswählt, entscheidet sich in der Praxis eher für eine Gefühlsrichtung als für einen Gegenstand.
Tipp: Teste ein Werk vor dem Kauf mit der Stille-Methode. Betrachte es dreißig Sekunden lang, ohne den Titel zu lesen, und schreibe dann das erste Wort auf, das dir in den Sinn kommt. Wiederhole das nach einem Tag. Wenn es dasselbe Wort ist, hat das Werk eine stabile Bedeutung für dich und kann dort hängen, wo du täglich daran vorbeikommst. Wenn sich das Wort stark verändert, ist das Werk vermutlich anspruchsvoller, als du denkst.
Was der Anteil der Betrachtenden bedeutet, wenn du Kunst für deine eigene Wand auswählst
Die erste praktische Schlussfolgerung betrifft die Frage, wer auswählen sollte. Wenn abstrakte Werke persönliche Assoziationen stärker aktivieren als figurative, ist abstrakte Kunst eine weniger sichere Wahl als Geschenk für jemanden, den du nicht gut kennst. Für dich selbst oder für jemanden, dessen Innenwelt du wirklich kennst, ist sie dagegen eine ausgezeichnete Wahl. Figurative Motive, beispielsweise Fotokunst oder botanische Studien, sprechen mehr Menschen auf ungefähr dieselbe Weise an und sind deshalb die sicherere gemeinsame Entscheidung.
Die zweite Schlussfolgerung betrifft die Platzierung. Werke, die das innere Netzwerk aktivieren, belohnen wiederholtes, ungestörtes Betrachten. Eine abstrakte Komposition entfaltet daher im Schlafzimmer, in der Leseecke oder an der Wand gegenüber dem Sessel mehr Wirkung als in einem Durchgangsbereich, in dem niemand stehen bleibt. Ein figuratives Bild, das sich klar erschließt, eignet sich besser für den Flur und das Treppenhaus, wo man im Vorbeigehen hinsieht. Unsere Abteilung mit abstrakten Postern gehört also in Räume, in denen man zur Ruhe kommt.
Die dritte Schlussfolgerung betrifft das richtige Maß an Mehrdeutigkeit. Völlig zufällige Farbflächen bieten dem Gehirn zu wenig Anknüpfungspunkte, während übermäßig detaillierte Motive keinerlei Freiraum lassen. Was in der Praxis funktioniert, liegt dazwischen: Kompositionen mit klarer Struktur, aber offener Bedeutung. Genau dieses Gleichgewicht macht minimalistische Poster und klare grafische Poster so langlebig. Mehr über diesen Mechanismus erfährst du in unserem Überblick über den Verarbeitungsfluss und warum manche Kunst schön wirkt.
Schließlich verändert sich der Anteil der Betrachtenden mit der Zeit. Ein Werk, das du beim Einzug nicht verstanden hast, kann drei Jahre später das sein, zu dem du die größte Verbindung hast, weil dein Anteil daran inzwischen durch neue Erinnerungen gewachsen ist. Dieser Effekt wird näher in unserem Text über den Mere-Exposure-Effekt und die Kunst, die du lieben lernst beschrieben. Das ist auch ein Argument dafür, ein Bild nicht schon nach drei Wochen auszutauschen, nur weil es dir schwierig erscheint.
Häufige Fragen zu abstrakter Kunst und dem Anteil der Betrachtenden
Riegl hatte kein MRT. Er hatte holländische Gruppenporträts, einen scharfen Blick und die Vermutung, dass Bild und Betrachter gemeinsam die Arbeit leisten. Gut hundertzwanzig Jahre später lässt sich diese Vermutung messen. Die entscheidende Erkenntnis für dich lautet: Die wichtigste Eigenschaft der Kunst an deiner Wand ist nicht, wie aufwendig sie ist, sondern wie viel von dir selbst sie dich einbringen lässt. Entdecke unsere abstrakten Motive und die Werke bekannter Künstler, und lies gern unseren Leitfaden zu abstrakten Postern, bevor du dich entscheidest. Die Studien sind vollständig bei PNAS und in einer Zusammenfassung beim Zuckerman Institute der Columbia University nachzulesen.