Am 14. Oktober 2026 eröffnete die Tate Modern in London „Light & Magic: The Birth of Art Photography“, eine Ausstellung, die zeigt, dass die Fotografie einst versuchte, wie Malerei, Radierung und Zeichnung auszusehen. Zweihundert seltene Originalabzüge von über achtzig Fotografen aus Europa, Nord- und Südamerika, Asien und Australien sind bis zum 21. Februar 2027 zu sehen. Wer überlegt, zu Hause ein Fotoposter aufzuhängen, erhält durch die Ausstellung einen einfachen Zugang zu einer Bildwelt, in der Dunst, weiches Licht und Komposition wichtiger sind als scharfe Details. In diesem Leitfaden gehen wir durch, was gezeigt wird, welche Namen man kennen sollte und wie du Fotomotive im gleichen Stil für deine Wand findest.
Kurzinfo: „Light & Magic“ läuft vom 14. Oktober 2026 bis zum 21. Februar 2027 in den Eyal Ofer Galleries der Tate Modern. Die Ausstellung wird als erste große Ausstellung beschrieben, die den Piktorialismus als globale fotografische Bewegung von den 1880er- bis in die 1960er-Jahre beleuchtet. Sie zeigt 200 Originalabzüge von über 80 Fotografen in vier Abteilungen und wurde von Charmaine Toh und Genevieve Barton kuratiert. Die Pressemitteilung wurde am 27. Juli 2026 veröffentlicht.
Vier Abteilungen, ein Argument: Fotografie war Kunst, lange bevor Museen das sagten
Der Piktorialismus war eine Bewegung unter Fotografen, die ab den 1880er-Jahren dafür eintrat, dass ein Bild ebenso persönlich und ausdrucksstark sein könne wie ein Gemälde. Durch die Wahl des Papiers, die Bearbeitung des Negativs und den Handabzug schufen sie Licht, Weichheit und Stimmung. Tate Modern gliedert die Ausstellung in vier Teile, und schon diese Anordnung verrät etwas darüber, wie sich die Bewegung verbreitete.
Die erste Abteilung, Emergence, handelt von den Anfängen am Ende des 19. Jahrhunderts. Dazu gehören Adolph de Meyer, Clarence H. White, Long Chin-san, Luo Bonian und Shapoor N. Bhedwar. Zwei Werke werden besonders hervorgehoben: Emma Bartons The Awakening von 1903 und Long Chin-sans Pavilion Fairyland aus den 1940er-Jahren. Schon hier wird deutlich, dass die Bewegung nicht rein westlich geprägt war. Die zweite Abteilung über fotografische Druckverfahren umfasst Peter Henry Emersons A Norfolk Boat-Yard von 1886, eine funktionsfähige Dunkelkammer, Porträts von Bertram Park, Yvonne Gregory und Cavendish Morton sowie Yevondes Farbdrucke aus der Serie Goddesses.
Die dritte Abteilung handelt von Gesellschaften, Kameraclubs und Salons: der Royal Photographic Society in London, Guangshe in Shanghai, The New Line Group in Südkorea und der Photographic Society of Singapore. Gezeigt werden auch Publikationen wie Camera Work, die japanische Zeitschrift Shashinkai aus den 1920er-Jahren und die sowjetische USSR in Construction aus den 1930er-Jahren. Die vierte Abteilung über Piktorialismus und Modernismus umfasst Lionel Wendts solarisierte Porträts aus den 1930er-Jahren, Shigeru Onishis Kompositionen aus den 1950er-Jahren und Werke von Edward Steichen, Paul Strand und Edward Weston, darunter Steichens Primo Carnera von etwa 1922 und Strands Miss Thomson, New Mexico aus ungefähr derselben Zeit.
Emerson 1886 und Steichen 1922: vom Werkzeug des Malers zur scharfen Linie der Moderne
Zwischen Emersons A Norfolk Boat-Yard und Steichens Primo Carnera liegen etwa vierzig Jahre, und dieser Bogen ist die eigentliche Geschichte der Ausstellung. In den 1880er-Jahren wollten Fotografen wie Emerson zeigen, dass die Kamera wie ein Auge sehen konnte und nicht wie eine Maschine. Sie fotografierten Landschaften, Flüsse und Bootswerften in Dunst und Nebel und druckten auf weichem Papier, sodass die Tonwerte ineinanderflossen. In den 1920er-Jahren hatte sich dieselbe Bewegung geteilt: Einige Fotografen wandten sich weiterhin dem Weichen und Malerischen zu, andere, wie Strand und Weston, dem Reinen, Scharfen und Modernistischen.
Tate Modern vereint beide in derselben Ausstellung, und das ist eine kluge Entscheidung. Sie zeigt, dass scharfe und weiche Fotografie keine Gegensätze sind, sondern zwei Äste desselben Baumes. Wer über die eigene Wand nachdenkt, gewinnt daraus eine praktische Erkenntnis. Du musst dich nicht zwischen einem scharfen Schwarz-Weiß-Porträt und einem nebligen Waldbild entscheiden; oft wirken sie zusammen am besten, solange sie dieselbe Tonwertskala und denselben Rahmentyp haben.
"Das weiche Foto ist kein misslungenes scharfes Foto – es ist eine Entscheidung, das Licht lauter sprechen zu lassen als die Details."
Yevondes Göttinnen, Long Chin-sans Pavillon und Wendts Solarisation: Kunstfotografie jenseits von Schwarz-Weiß
Was in Tates Ausstellung am meisten überrascht, ist, wie viel von der Bewegung außerhalb dessen liegt, was wir gewöhnlich Fotografiegeschichte nennen. Yevondes Serie Goddesses, im Vivex-Farbverfahren gedruckt, zeigt, dass Farbfotografie bereits in den 1930er-Jahren theatralisch und farbintensiv sein konnte. Long Chin-sans Riverside Spring von 1942, das Tate als Pressebild verwendet, ist eine Landschaft, die wie ein chinesisches Tuschegemälde komponiert ist; das Bild baut auf dem Gleichgewicht zwischen Bergen, Wasser und Dunst auf. Lionel Wendt verwendete Solarisation, eine Technik, bei der das Bild während der Entwicklung teilweise erneut belichtet wird, um den Porträts einen metallischen, beinahe unwirklichen Glanz zu verleihen.
Es liefert eine wertvolle Erkenntnis zur Wahl fotografischer Motive: Fotografie ist nicht nur Schwarz-Weiß und dokumentarisch. Wenn du etwas mit mehr Wärme als ein klassisches Stadtfoto möchtest, kannst du nach Motiven mit Sepiaton, Nebel oder einer Farbsättigung suchen, die ruhig etwas übertrieben sein darf. In unserer Kollektion Fotokunst findest du alles von scharfen Landschaften bis hin zu stimmungsvolleren Bildern, und in Retro- und Vintage-Postern findest du Bilder mit der historischen Patina, nach der die Piktorialisten selbst strebten.
Sanftes Licht an der Wand: So wählst du fotografische Motive mit malerischer Stimmung aus
Wenn du Fotografie in diesem Stil aufhängen möchtest, gibt es ein paar Dinge, auf die du achten solltest. Zuerst die Tonwertskala: Bilder mit vielen Zwischentönen wie Grau, Sepia, warmem Beige oder gedämpftem Grün wirken im Raum länger ansprechend als Motive mit harten Kontrasten, die man schnell über hat. Dann die Komposition: Die Piktorialisten komponierten wie Maler, mit klar erkennbarem Vorder-, Mittel- und Hintergrund und einem Horizont, der selten genau in der Bildmitte liegt. Das ist auch heute noch eine gute Faustregel.
Naturmotive und Dunst
Landschaften mit Nebel, Wasser oder Abendlicht kommen der Welt von Emerson und Long Chin-san am nächsten. Solche Motive beruhigen häufig genutzte Räume wie das Wohnzimmer und das Arbeitszimmer und eignen sich gut als einzelnes großes Poster im Format 50×70 Zentimeter. Unter Naturmotiven findest du viele Bilder, die auf denselben Prinzipien beruhen: Horizont im unteren Drittel, sanftes Licht und wenige Details, die die Aufmerksamkeit auf sich ziehen.
Porträts und Figuren
Die Studioporträts von Bertram Parks und Yvonne Gregory zeigen, wie viel Stimmung ein einzelnes Gesicht in sanftem Licht vermitteln kann. Solche Motive passen am besten in den Flur oder ins Schlafzimmer, wo eine einzelne Figur im Halbprofil dem Raum eine stille Präsenz verleihen kann. Wähle am besten ein Hochformat wie 40×50 oder 50×70 Zentimeter und lass die Person auf dem Bild aus dem Bild heraus statt direkt den Betrachter anzusehen; das wirkt ruhiger als direkter Blickkontakt. Weitere Ideen für Schwarz-Weiß-Fotokunst findest du unter unseren Schwarz-Weiß-Postern.
Tipp: Wähle für fotografische Motive mit sanften Tönen ein breites Passepartout von mindestens fünf Zentimetern. Die weiße Fläche gibt dem Bild Raum zum Atmen und erinnert daran, wie die Originalabzüge der Piktorialisten in Salons ausgestellt wurden. Zu Sepia und Grau passt ein naturweißes Passepartout besser als ein eisiges Weiß.
Camera Work, Shashinkai und USSR in Construction: die Zeitschriften, die einen Bildstil global machten
Einer der interessantesten Bereiche der Ausstellung zeigt, wie die Bilder verbreitet wurden. Der Piktorialismus war eine Bewegung, die lange vor dem Aufkommen sozialer Medien in gedruckten Zeitschriften, Fotoclubs und Ausstellungssalons lebte. Tate zeigt Camera Work, die amerikanische Zeitschrift, die zum Schaufenster für die besten Bilder der Bewegung wurde, aber auch das japanische Shashinkai aus den 1920er-Jahren und das sowjetische USSR in Construction aus den 1930er-Jahren. Letzteres Beispiel ist bezeichnend: Derselbe Blick für Komposition, Licht und Rhythmus, den die Piktorialisten pflegten, ließ sich auch für ganz andere Zwecke einsetzen, sogar für staatliche Propaganda.
Die Salons waren der Motor der Bewegung. In London trafen sich Fotografen in der Royal Photographic Society, in Shanghai in der Guangshe, in Südkorea in der The New Line Group und in Singapur in der Photographic Society of Singapore. Es ist interessant zu sehen, wie dieselben ästhetischen Ideale lokale Varianten hervorbrachten: mit chinesischen Landschaftsmotiven, britischen Flusslandschaften und amerikanischen Stadtansichten. Für uns in Schweden liegt darin eine Erkenntnis: Ein Stil kann reisen, doch am lebendigsten wird er, wenn er eine eigene Landschaft findet, in der er sich spiegeln kann. Deshalb passen schwedische Wald- und Seemotive mit Dunst und Abendlicht besonders gut in diese Tradition.
Drei Räume, drei Motive: So übertragen Sie den Piktorialismus auf ein gewöhnliches schwedisches Zuhause
Im Wohnzimmer passt eine große Landschaft im Nebel, vorzugsweise im Querformat und in 70×100 Zentimeter oder 50×70 Zentimeter, über das Sofa oder eine lange Kommode. Wählen Sie ein Bild, auf dem der Himmel etwa die Hälfte der Fläche einnimmt; das sorgt für Ruhe und lässt den Raum höher wirken. Fürs Schlafzimmer eignet sich ein zurückhaltendes Porträt oder ein Naturdetail aus der Nähe, zum Beispiel ein Zweig oder ein Moor in der Morgendämmerung, in kleinerem Format. Hier sind sanfte Tonwerte besonders wertvoll, weil sie beim Einschlafen keine Gedanken anregen.
Im Flur oder im Treppenhaus wirkt eine Serie aus drei kleinen Bildern in derselben Tonalität. Eine kleine Suite im Format 21×30 Zentimeter mit breitem Passepartout vermittelt den Eindruck einer Privatsammlung, etwa so, als würde ein Fotograf seine besten Abzüge in einer Mappe zeigen. Verwenden Sie denselben Rahmentyp und denselben Abstand, etwa vier bis sechs Zentimeter, damit das Auge die Serie als Einheit wahrnimmt. Wenn Sie mit nur einem Bild beginnen, können Sie später jederzeit weitere ergänzen, solange Sie bei derselben Papieroberfläche und Rahmenfarbe bleiben. So lässt sich günstig über die Zeit eine Wand gestalten: Kaufen Sie jetzt ein Bild, im Frühjahr ein weiteres, und lassen Sie die Tonwerte statt der Motive den Ausschlag geben. Dann wirkt das Ergebnis stimmig, auch wenn die Bilder von verschiedenen Fotografen und aus unterschiedlichen Jahren stammen.
Papier, Rahmen und Licht für fotografische Motive
Fotografien in Druckform reagieren empfindlicher auf die Papieroberfläche als Gemälde. Mattes, strukturiertes Papier verleiht den weichen Tonwerten den Charakter eines Platinabzugs, während glänzendes Papier Dunst und Schatten härter wirken lässt, als der Fotograf beabsichtigt hat. Wählen Sie mattes Papier. Der Rahmen sollte dünn und schlicht sein: eine schmale Leiste aus Eiche oder Esche für Sepia- und warme Töne, schwarzes Metall für Grautöne und kühles Schwarz-Weiß. Halten Sie Lampen auf Abstand, damit sich das Licht nicht auf der Oberfläche spiegelt.
Wenn Sie mehr über die Hintergründe der Fotografie als Kunstform erfahren möchten, finden Sie in unserem Blog zwei hilfreiche Vertiefungen: 200 Jahre Fotografie handelt von Niépces erstem Bild und dem Jubiläumsjahr, und Elliott Erwitt – Schwarz-Weiß-Fotokunst zeigt, was geschah, als die Fotografie später dokumentarisch und humorvoll wurde. Wenn Sie die eigene Präsentation der Ausstellung lesen möchten, finden Sie sie in der Pressemitteilung der Tate und auf der Ausstellungsseite der Tate Modern.
Häufige Fragen zu Light & Magic und zum Piktorialismus
Sind Sie neugierig, wie weiche Fotomotive in Ihrem Raum wirken? Entdecken Sie unser Sortiment an Fotokunst und wählen Sie Format, Rahmen und Passepartout passend für Ihre Wand.