Am 31. Dezember 2026 endet eine der längsten Sammlungspräsentationen des Moderna Museet der letzten Jahre. Bis dahin ist Monogram in Stockholm zu sehen: eine ausgestopfte Angoraziege mit einem Autoreifen um den Bauch, platziert auf einem Gemälde, das wie ein Feld unter dem Tier flach auf dem Boden liegt. Das Werk ist der meistdiskutierte Kunstankauf Schwedens aller Zeiten und zugleich ein überraschend guter Einstieg dazu, warum Collagen, Ebenen und gefundene Bilder heute selbst auf einem Poster ganz selbstverständlich wirken. Robert Rauschenberg machte die Bildfläche zu einem Ort, an dem die Wirklichkeit festgeklebt werden durfte – und dieses Erbe zeigt sich noch immer in der Wandkunst, die wir auswählen.
Kurzinfo: Die Ausstellung „Monogram – Robert Rauschenberg und die Sammlung des Moderna Museet“ ist vom 23. November 2024 bis zum 31. Dezember 2026 im Moderna Museet in Stockholm zu sehen. Das Werk Monogram entstand 1955–1959 und gehört seit 1964 zur Sammlung des Museums, nachdem der damalige Direktor Pontus Hultén den Ankauf mit Unterstützung der Spendensammlung Museet av vår önskan durchgesetzt hatte. Rauschenberg wurde am 22. Oktober 1925 in Port Arthur, Texas, geboren und starb am 12. Mai 2008.
Die Ziege, die in einem Geschäft für gebrauchte Büromöbel gefunden wurde
Der Ursprung von Monogram ist auf eine Weise prosaisch, die alles über Rauschenbergs Methode aussagt. Er fand die ausgestopfte Angoraziege in einem Geschäft für gebrauchte Büromöbel in Manhattan, kaufte sie günstig und trug sie ins Atelier. Dort stand das Tier mehrere Jahre, während das Werk immer wieder überarbeitet wurde: Zunächst platzierte Rauschenberg die Ziege vor einem vertikalen Gemälde, dann auf einem Regal, bevor er schließlich die Leinwand flach auf den Boden legte und die Ziege mitten darauf stellte, mit dem Reifen um den Körper.
Der Name ergab sich aus der Form. Hörner und Reifen umschlingen einander ungefähr wie zwei Initialen, die zu einem Monogramm verflochten sind – zwei völlig unterschiedliche Dinge, die dennoch ein Zeichen bilden. Die Arbeit entstand zwischen 1955 und 1959 und gehört zu der als Combines bezeichneten Serie. Diese Werke schuf Rauschenberg ungefähr von 1954 bis 1962; in ihnen wird der Unterschied zwischen Malerei und Skulptur bewusst aufgehoben.
Diese Idee macht ihn weit über den Museumsraum hinaus relevant. Ein Combine ist im Grunde eine Collage, die sich weigert, flach zu bleiben: Zeitungsausschnitte, Stoff, Fotografien, Farbe und Straßenmüll im selben Bild. Wenn wir heute ein grafisches Werk aufhängen, in dem Typografie, Foto und Farbflächen auf derselben Oberfläche zusammentreffen, stehen wir in einer Tradition, die Rauschenberg durchsetzte, als sie noch als Provokation galt.
Warum die Ziege in Stockholm und nicht in New York landete
Das Werk wurde 1959 erstmals in der New Yorker Galerie Leo Castelli gezeigt. Der Sammler Robert Scull bot damals an, es zu kaufen und dem Museum of Modern Art zu schenken — und erhielt eine Absage. Der damalige Direktor des MoMA, Alfred H. Barr Jr., lehnte das Geschenk ab. Fünf Jahre später, 1964, ging das Werk stattdessen an das Moderna Museet in Stockholm.
Hinter dem Ankauf stand Pontus Hultén, der 1960, zwei Jahre nach der Eröffnung des Museums auf Skeppsholmen, dessen Leitung übernommen hatte. Hultén hatte Rauschenbergs Kunst in Paris kennengelernt und gehörte zu den frühesten und engagiertesten Fürsprechern der neuen amerikanischen Kunst in Europa. Der Ankauf wurde durch die unter dem Namen Museet av vår önskan bekannte Spendenaktion finanziert, zu der Privatpersonen und Freunde des Museums beitrugen, um die Lücken in einer jungen Sammlung zu schließen.
„Ein Museum lehnte die Ziege ab, ein anderes machte sie zu seiner berühmtesten Bewohnerin — und der Unterschied zwischen diesen Entscheidungen ist der ganze Abstand zwischen Kunstgeschichte zu bewahren und den Mut zu haben, sie zu schreiben.“
Die Geschichte wurde zu einer der meistzitierten in der schwedischen Museumswelt, und im selben Jahr bekam sie einen besonderen Beigeschmack: 1964 erhielt Rauschenberg den Großen Preis der Biennale von Venedig, als erster Amerikaner, der den höchsten Preis der Biennale für Malerei gewann. Schweden hatte also ein Werk eines Künstlers gekauft, der gerade vom umstrittenen zum international tonangebenden Künstler wurde. Wenn du sehen möchtest, wie dieser Umbruch der Nachkriegszeit aus schwedischer Sicht aussah, findest du den Hintergrund in unserem Überblick über die Präsentation schwedischer Kunst von 1945 bis 1979 im Moderna Museet.
Fünf New-York-Abende 1964 – als Stockholm zur Bühne wurde
Der Ankauf war kein isoliertes Geschäft. Im selben Jahr veranstaltete das Moderna Museet gemeinsam mit dem Musikverein Fylkingen fünf sogenannte New-York-Abende mit Ballett, Konzerten und Happenings. Nach Stockholm kam die Merce Cunningham Dance Company mit John Cage, David Tudor, Yvonne Rainer, Robert Morris — und Rauschenberg selbst, der in jenen Jahren als Bühnenbildner und Lichtdesigner für Cunninghams Ensemble arbeitete.
Das sagt etwas Wichtiges darüber aus, wer er war. Rauschenberg war kein Atelierkünstler, der fertige Leinwände ablieferte; er war ein kollaborativer Mensch, der sich zwischen Tanz, Musik, Technik und Druck bewegte. Einige Jahre später gründete er gemeinsam mit dem Ingenieur Billy Klüver die Initiative Experiments in Art and Technology, die Künstler mit Ingenieuren der Bell Labs zusammenbrachte. Klüver war Schwede, und dadurch war die Verbindung zwischen Stockholm und der amerikanischen Avantgardeszene für ein kleines Land außergewöhnlich stark.
Für Besucherinnen und Besucher im Jahr 2026 bedeutet das, dass Monogram nicht bloß ein Kuriosum mit einer Ziege ist. Es ist ein Überbleibsel aus einer Zeit, in der Skeppsholmen einige Jahre lang mitten in der internationalen Kunstdiskussion stand. Nutze die Gelegenheit: Nach dem Jahreswechsel kehrt das Werk in den regulären Ausstellungswechsel des Museums zurück.
Von der ausradierten Zeichnung zum Siebdruck: drei Ansätze, die die Bildsprache prägen
Drei Arbeiten reichen aus, um Rauschenbergs ganzes Repertoire zu verstehen. Die erste ist Erased de Kooning Drawing aus dem Jahr 1953, heute in der Sammlung des SFMOMA. Rauschenberg bat den etablierten Maler Willem de Kooning um eine Zeichnung, ausdrücklich mit der Absicht, sie auszuradieren, erhielt sie und arbeitete dann wochenlang an ihrer Auslöschung. Übrig blieb ein fast leeres Blatt Papier — und die Idee, dass das Wegnehmen ebenso sehr ein schöpferischer Akt sein kann wie das Hinzufügen.
Das Zweite sind die Combines, bei denen Gegenstände in das Bild aufgenommen werden, statt abgebildet zu werden. Ein Autoreifen ist ein Autoreifen, nicht die gemalte Illusion eines Reifens. Das Dritte ist die Siebdruckmalerei, mit der er 1962 nach einem Besuch im Atelier von Andy Warhol begann. Mit dem Siebdruck ließen sich Pressebilder, Sportfotos, Weltraumbilder und Details aus älteren Gemälden auf derselben Leinwand übereinanderschichten, oft in versetzten Rastern und halbtransparenten Farbfeldern.
Darin liegt auch die direkte Verbindung zur Wandkunst von heute. Die Logik des Siebdrucks — Wiederholung, Verschiebung, Transparenz, Bild über Bild — ist zu einer grundlegenden Bildsprache dessen geworden, was heute als grafische Poster verkauft wird. Der Vergleich mit Warhols strengerer Bildgestaltung ist einen eigenen Blick wert; mehr dazu findest du in unserem Text über Warhol und die Linie hinter dem Bild.
So holst du dir das Rauschenberg-Gefühl nach Hause, ganz ohne ausgestopfte Ziege
Einrichten im Geiste Rauschenbergs bedeutet nicht, eine Reproduktion eines Combines zu kaufen — sie funktionieren in zweidimensionaler Form schlecht und verlieren ohne ihr Volumen ihren ganzen Sinn. Es geht um drei Prinzipien, die sich direkt umsetzen lassen.
Das Erste ist die Bildebene. Halte Ausschau nach Motiven, in denen zwei Bildsysteme übereinanderliegen: eine Fotografie unter einem Farbfeld, ein gedrucktes Raster über einer gemalten Fläche, Text, der eine Form durchschneidet. Solche Motive eignen sich gut für einen Platz in der Nähe einer Sitzgelegenheit, denn sie belohnen alle, die lange hinschauen. Im Sortiment findest du sie vor allem unter den abstrakten Postern und in der Auswahl mit Pop-Art.
Das zweite Element ist der Zusammenprall. Rauschenberg kombinierte nie Dinge, die ohnehin schon zusammenpassten. An der Wand lässt sich das umsetzen, indem du einen streng geometrischen Druck neben ein weiches Foto hängst oder ein klassisches Museumsmotiv mit etwas Zeitgenössischem und Grafischem kombinierst. Eine Wand mit ausschließlich harmonierenden Motiven wirkt ruhig, aber leblos; eine Wand mit einem einzigen bewussten Kontrast kommt in Bewegung.
Das dritte Element ist der Maßstab. Monogram ist etwas mehr als einen Meter breit und steht auf dem Boden, nicht an der Wand. Zu Hause erzielst du denselben Effekt mit einem wirklich großen Format statt mit mehreren kleinen: Ein Werk im Format 70x100 macht mehr für einen Raum als vier im Format 30x40, besonders über einem Sofa oder in einem Treppenhaus. Wenn du unsicher bist, wie viele Zentimeter es sein sollten, findest du die Erklärung in unserem Leitfaden zur Bilderwand.
Tipp: Wenn du das Collageprinzip günstig ausprobieren möchtest: Häng drei Motive in denselben Rahmen, aber mit unterschiedlicher Bildlogik – ein Foto, einen textbasierten Druck und ein reines Farbfeld. Behalte dieselbe Rahmenbreite und dasselbe Passepartout bei, dann bleibt die Komposition trotz der Gegensätze stimmig. Genau dieses Gleichgewicht zwischen Ordnung und Unordnung macht die Combines verständlich.
Rauschenbergs Platz unter den bekannten Namen
In einer Sammlung, in der Impressionisten und Modernisten oft dominieren, fällt Rauschenberg etwas aus dem Rahmen, und genau das macht ihn aus. Er gehört nicht zu einem Stil, sondern zu einer Haltung: Alltagsmaterialien taugen als Kunstmaterial, ein Bild darf jederzeit zu einem anderen Bild werden, und der Künstler kann genauso gut mit einer Tanzgruppe oder einem Ingenieur wie mit einem Pinsel arbeiten.
Für alle, die eine Wand mit Kunstwerken bekannter Künstler gestalten, eignet er sich deshalb am besten als Kontrapunkt. Häng ein vielschichtiges, grafisches Motiv neben eine klassische Landschaft oder ein streng gehaltenes Porträt, und das klassische Bild bekommt plötzlich eine Spannung, die es für sich allein nicht hatte. Dasselbe gilt umgekehrt: Ein streng gehaltenes Motiv beruhigt eine Wand, auf der sonst zu viel los ist.
Und wenn du es vor Neujahr nach Skeppsholmen schaffst – geh nah heran und achte darauf, wie viel Farbe tatsächlich in der Leinwand unter der Ziege steckt. Das übersehen Besucher meistens als Erstes.
Häufige Fragen zu Rauschenberg und Monogram
Wenn du Kunst suchst, die denselben Drang mitbringt, das Erwartete zu durchbrechen, findest du die ganze Auswahl unter unseren grafischen, abstrakten und von Pop-Art inspirierten Motiven — fang dort an, wo der Raum einen Kontrast braucht, nicht dort, wo es ohnehin schon ruhig ist.
Quellen und Vertiefung: Das Moderna Museet über Monogram und das SFMOMA über Erased de Kooning Drawing.