Im Nasjonalmuseet in Oslo ist das Wort "Woman" im Ausstellungstitel durchgestrichen. Übrig bleibt Painter, und genau darum geht es: Vom 8. Oktober 2026 bis zum 7. Februar 2027 werden 51 Gemälde von 19 Künstlerinnen und Künstlern gezeigt, die zwischen 1550 und 1650 in Nordeuropa und Italien tätig waren. Sie werden als professionelle Malerinnen und Maler präsentiert, nicht als Ausnahmen. Wer ein Poster mit Tiefgang, Licht und einer Geschichte dahinter sucht, findet in der Ausstellung einen direkten Zugang zu einem Kapitel der Kunstgeschichte, das lange im Schatten stand. Hier erfahren Sie, was gezeigt wird, warum es wichtig ist und wie die Motive dieser Malerinnen und Maler in ein Zuhause passen können.
Kurzinfo: Woman Painter ist vom 8. Oktober 2026 bis zum 7. Februar 2027 im Nasjonalmuseet in Oslo zu sehen und umfasst 51 Gemälde von 19 Künstlerinnen und Künstlern, entstanden zwischen 1550 und 1650. Die Ausstellung wurde gemeinsam mit der Galleria Borghese in Rom entwickelt, wohin sie vom 15. März bis zum 30. Mai 2027 weiterreist. Leihgaben kommen unter anderem aus dem Rijksmuseum, den Uffizien und dem Nationalmuseum in Stockholm. Ein Stillleben aus der eigenen Sammlung des Nasjonalmuseet wird erstmals als Werk von Clara Peeters gezeigt.
Ein durchgestrichenes "Woman": die Ausstellung, die Schluss mit dem Reden über Ausnahmen machen will
Der Titel sagt schon fast alles. Indem das Nasjonalmuseet das Wort "Woman" durchstreicht, will es zeigen, dass diese Künstlerinnen keine Kuriositäten waren, sondern voll am europäischen Kunstleben teilhatten. In der Ausstellung begegnen wir unter anderem Sofonisba Anguissola (circa 1530–1625), Lavinia Fontana (1552–1614), Artemisia Gentileschi (1593 bis circa 1654), Clara Peeters (circa 1585 bis circa 1655), Michaelina Wautier (1604–1689) und Judith Leyster (1600 oder 1610–1660). Es sind sechs Namen mit ganz unterschiedlichen Hintergründen, doch sie haben eines gemeinsam: Sie wurden bezahlt, bauten sich einen Ruf auf und erhielten Aufträge.
Die Ausstellung hat eine besondere nordische Dimension. Gleichzeitig würdigt das Museum die norwegische Porträtmalerin des 19. Jahrhunderts Asta Nørregaard, und zu den internationalen Leihgaben gehören Werke aus dem Nationalmuseum in Stockholm. Das bedeutet, dass Reisende nach Oslo schwedische Sammlungen in einem neuen Zusammenhang sehen können. Wer nicht reist, kann dennoch einen Gedanken mit nach Hause nehmen: Ein Gemälde muss nicht von einem berühmten Mann signiert sein, um es wert zu sein, aufgehängt zu werden.
Die Ausstellung enthält außerdem eine Detektivgeschichte. Ein Stillleben aus der eigenen Sammlung des Museums, Still Life with Small Game and Grapes on a Gilded Tazza aus der Zeit um 1620, wird nun erstmals als Werk von Clara Peeters gezeigt. Die Neuzuschreibung beruht auf der Forschung der Kuratorin Cynthia Osiecki. Ein einziger Pinselstrich, der einen Namen durch einen anderen ersetzt, kann verändern, wie ein Kunstwerk gelesen wird und wie viel wir über die Person verstehen, die es gemalt hat.
Clara Peeters und das Messer mit ihrem Namen: Das Stillleben als Signatur
Wenn eine Künstlerin der Ausstellung sich für Kunstdrucke fürs Zuhause eignet, dann Clara Peeters. Sie war 1611 in Amsterdam und 1617 in Den Haag vertreten und gilt als eine der frühesten Malerinnen von Stillleben mit Speisen. Ihr erstes bekanntes signiertes und datiertes Gemälde stammt aus dem Jahr 1607. Sie hat 31 Werke signiert, weitere 76 werden ihr mit unterschiedlicher Sicherheit zugeschrieben. Im Prado befindet sich eine Serie aus vier großen Stillleben, drei davon datiert auf 1611, die der spanischen Königsfamilie gehörten. Darunter ist möglicherweise das älteste bekannte Stillleben mit erlegtem Wild.
Am seltensten ist jedoch die Art, wie sie sich selbst im Bild verbirgt. Auf mehreren ihrer Gemälde ist ihr Name in den Griff eines verzierten Hochzeitsmessers der Art eingraviert, die Antwerpener Silberschmiede um 1595–1600 herstellten. Auf den glänzenden Oberflächen von Bechern und vergoldeten Schalen ist außerdem ein kleines, im Metall gespiegeltes Porträt der Malerin selbst zu sehen. Diese Tradition geht auf niederländische Meister zurück, doch Peeters machte sie zu ihrem Markenzeichen. Sie sagte damit praktisch: Ich stehe hier, mitten im Bild, zwischen Käse und Johannisbeeren.
„Clara Peeters signierte ihre Stillleben mit einem Messer und ihrem eigenen Gesicht in einem Silberbecher – eine der leisesten Arten der Kunstgeschichte zu sagen: Ich war hier.“
Der Markt hat es verstanden. Peeters’ Auktionsrekord ist ein Blumenbild von 1612, Rosen, Lilien, eine Iris und andere Blumen in einer Steingutvase, das am 10. Juni 2022 bei Christie’s in New York für 1,2 Millionen Dollar Zuschlagspreis oder 1,5 Millionen inklusive Gebühren verkauft wurde. Laut Artprice hatte sie 49 öffentliche Auktionen, die erste 1987 und die jüngste 2025. Diese Zahlen zeigen, dass ein Name, der einst beinahe in Vergessenheit geriet, heute als einer der wichtigsten des Barock gilt. Mehr über ihr Leben und Werk erfahren Sie auf der Wikipedia-Seite über Clara Peeters.
Dass das Nationalmuseum in Stockholm Leihgeber ist, sagt auch etwas über schwedische Sammlungen aus. Die Barockmalerinnen waren die ganze Zeit in unseren Museen vertreten, oft jedoch unter anderen Namen oder ganz ohne Namen. Die Neuattribution von Peeters’ Stillleben in Oslo ist ein Beispiel dafür, wie die Forschung ein Werk aus der Anonymität holen und einer eindeutig identifizierten Urheberin zuordnen kann. Diese Arbeit findet derzeit an vielen Orten in Europa statt.
Wer Kunst sammelt oder einfach etwas aufhängen möchte, das viele Jahre Bestand hat, sollte darauf achten, was passiert, wenn sich die Geschichte verändert. Bilder, die früher Künstlern zweiter Klasse zugeschrieben wurden, rücken ins Rampenlicht, werden ausgestellt und sind wieder begehrt. Das Interesse daran zeigt sich sowohl bei Museen als auch bei Menschen, die ihre Räume gestalten. Das ist ein guter Grund, Motive sorgfältig auszuwählen, statt nur vorübergehenden Trends zu folgen.
Artemisia, Sofonisba und Judith: drei Wege, sich im 17. Jahrhundert Gehör zu verschaffen
Artemisia Gentileschi malte Susanna und die Alten 1610 im Alter von 17 Jahren; es ist ihr frühestes erhaltenes Werk. Ihr Judith enthauptet Holofernes gibt es in mehreren Fassungen: die erste entstand 1612–1613 und befindet sich im Capodimonte in Neapel, die zweite wurde zwischen 1614 und 1620 gemalt und hängt in den Uffizien in Florenz. Sie war die erste Frau, die Mitglied der Kunstakademie Accademia delle Arti del Disegno in Florenz wurde. Ihre Motive sind dramatisch, körperlich und direkt. Sie haben in der modernen Frauenbewegung neues Leben erhalten, sind aber auch meisterhafte Lektionen in der Lichtführung.
Sofonisba Anguissola, die Älteste der Runde, erreichte eine Stellung, die sie für ihre Zeit einzigartig machte. Ihre Porträts von Familie und Hof zeigen Menschen mitten im Alltag: ein Lachen, spielende Geschwister, ein Blick, der dem Betrachter begegnet. Judith Leyster, die in Haarlem tätig war, ist für ihre heiteren Gesellschaftsbilder bekannt, in denen Musiker und Zechkumpane wirken, als hätten sie mitten im Satz innegehalten. In unserem Guide zu Hals und Rembrandt in Haarlem kannst du die niederländische Schule weiterverfolgen, deren Zeitgenossen Leysters dort im Mittelpunkt stehen.
Allen gemeinsam ist, dass sie in einer Welt arbeiteten, die nicht für sie gemacht war, und dass ihre Werke dennoch überlebt haben. Das ist eine starke Grundlage für ein Poster: Das Bild erzählt davon, wie es entstanden ist, und diese Geschichte zieht mit ins Zimmer ein.
Von Peeters’ Banketttisch zu deinem Essbereich: Stillleben als Poster
Stillleben gehört zu den wenigen Genres, die fast überall im Zuhause funktionieren. Das liegt daran, dass die Motive alltäglich sind: Obst, Fisch, Käse, Brot, Blumen, Gläser. In einer Küche oder am Esstisch ist ein Bild mit gedecktem Tisch eine natürliche Fortsetzung dessen, was im Raum geschieht. Peeters besondere Bildsprache mit dunklem Hintergrund und starkem Licht auf Metall und Obst sorgt dafür, dass die Bilder auch in Räumen funktionieren, die sonst kein Tageslicht haben.
Wir haben darüber geschrieben, wie Stillleben mit Farbe und Licht arbeiten, in unserem Ratgeber zu Zurbaráns Zitronen im Louvre, und vieles davon gilt auch hier. Ein dunkler Hintergrund mit einem hell erleuchteten Motiv kommt mit einem schmalen Holzrahmen oder einem schwarzen Rahmen am besten zur Geltung, gern auch mit einem dezenten Passepartout, das die hellen Bildbereiche hervorhebt. Zeitgenössische Blumenstillleben mit Rosen und Lilien in einer Vase findest du in unserer Auswahl an Postern mit Blumenmotiven.
Tipp: Möchtest du ein Stillleben im Essbereich aufhängen? Platziere das Bild so, dass seine Mitte etwa 145 Zentimeter über dem Boden liegt. Hänge es etwas tiefer, wenn ihr beim Abendessen meistens sitzt. Das Licht einer Lampe über dem Tisch lässt die dunklen Bereiche des Barockgemäldes leuchten.
Konkrete Entscheidungen: Motive, Formate und Räume für Frauen des Barock
Wer etwas von der Ausstellung mit nach Hause nehmen möchte, kann zunächst überlegen, welchem Raum eine Geschichte fehlt. Küche und Essbereich sind die naheliegenden Orte für Stillleben. Weitere Ideen findest du hier in unserer Auswahl an Küchenbildern und unter den Zitrus- und Fruchtpostern. Früchte in hellem Licht vor dunklem Hintergrund sind genau die Art von Motiv, die Peeters, Zurbarán und ihre Nachfolger zu einer eigenen Gattung machten.
Porträts erfordern etwas mehr Überlegung. Ein Porträt einer Frau aus dem 16. oder 17. Jahrhundert wirkt anders als ein Stillleben, denn ihr Blick begegnet dem der Betrachtenden. Im Wohnzimmer oder im Flur wirkt es am besten, wenn das Porträt auf Augenhöhe an einer eigenen Wand hängt oder Teil einer Bilderwand ist, auf der die Bilder miteinander ins Gespräch kommen. Wenn du ältere Motive mit neueren kombinieren möchtest, kannst du in unserer Auswahl an Kunstwerken berühmter Künstler stöbern und Bilder mit einer gemeinsamen Farbpalette finden, etwa mit warmen Erdtönen und tiefem Grün.
Was das Format betrifft, ist 50x70 Zentimeter eine sichere Wahl für Stillleben und Porträts, während 30x40 für eine Bilderwand passt, auf der mehrere Motive Platz finden sollen. Ein großes Format von 70x100 kann ein Stillleben beinahe körperlich wirken lassen: Die Früchte erscheinen in Originalgröße und der Raum verwandelt sich in eine Banketttafel. Denk daran, dass die dunklen Hintergründe des Barock viel von ihrer Wirkung verlieren, wenn der Raum starkem Gegenlicht ausgesetzt ist. Hänge das Bild so auf, dass das Tageslicht schräg darauf fällt und die Oberfläche nicht reflektiert.
Eine weitere Inspirationsquelle ist unser Leitfaden zu Eva Gonzalès im Petit Palais, wo eine weitere vergessene Malerin wiederentdeckt wird. Beide Ausstellungen teilen die Überzeugung, dass die vergessenen Frauen der Kunstgeschichte einen Platz an den Wänden verdienen, nicht nur in Fußnoten. Wenn Sie mehr über Peeters’ Preise und Auktionsgeschichte erfahren möchten, lesen Sie den vollständigen Artikel von Artprice über die Ausstellung.
Häufig gestellte Fragen zu Woman Painter und den Malerinnen des Barock
Die Ausstellung in Oslo erinnert daran, dass es in der Kunstgeschichte schon immer mehr Malerinnen gab, als in den Lehrbüchern erwähnt werden. Entdecken Sie Kunstwerke berühmter Künstlerinnen und Künstler, Poster fürs Esszimmer und Fruchtmotive, um ein Bild mit einer echten Geschichte zu finden, und geben Sie ihm einen Platz dort, wo Sie sich jeden Tag versammeln.