Am 26. Juli 2026 schließt eine der meistbesprochenen Kunstausstellungen des Jahres – und das Hauptwerk kam nie an. Im Jewish Museum in New York ist „Paul Klee: Other Possible Worlds“ seit dem 20. März zu sehen. In dem Saal, der für das Aquarell Angelus Novus eingerichtet wurde, hängt eine autorisierte Kopie in einer vertieften roten Wandfläche. Das Original bleibt in Jerusalem. Die Geschichte sagt etwas Wichtiges darüber aus, warum ein Poster von Paul Klee deutlich mehr in sich trägt, als die sanften Farbflächen zunächst vermuten lassen.
Klee ist einer jener Künstler, deren Werke sich als Poster gut verkaufen, gerade weil die Bilder leicht wirken. Pfeile, Fische, Monde, kleine Häuser in Reihen, Farbfelder, die ineinanderfließen. Doch der Klee, der diesen Sommer in New York zu sehen ist, ist ein anderer: die Werke der letzten zehn Jahre, geschaffen von einem Mann, der seine Arbeit, sein Land und schließlich die Kontrolle über seine eigenen Hände verloren hatte. Dieser Teil seines Schaffens erklärt, warum seine Linie so aussieht, wie sie aussieht.
Kurzinfo: „Paul Klee: Other Possible Worlds“ ist vom 20. März bis zum 26. Juli 2026 im Jewish Museum in New York zu sehen und umfasst rund 100 Gemälde und Zeichnungen. Die Ausstellung entstand in Zusammenarbeit mit dem Zentrum Paul Klee und dem Kunstmuseum Bern. Es ist die erste amerikanische Museumsausstellung, die sich ganz Klees letztem Jahrzehnt bis zu seinem Tod 1940 widmet.
Angelus Novus, das nie ankam – die Leere, die zum stärksten Saal der Ausstellung wurde
Angelus Novus ist ein kleines Werk. Öl und Aquarell auf Papier, 1920 gemalt, kaum größer als ein A4-Blatt. Der Philosoph Walter Benjamin kaufte es im Jahr darauf und trug es während seines gesamten unsteten Lebens mit sich. In seiner neunten These in „Über den Begriff der Geschichte“, die kurz vor seinem Tod 1940 verfasst wurde, beschrieb Benjamin die Figur als Engel der Geschichte: das Gesicht der Vergangenheit zugewandt, den Blick auf eine einzige fortdauernde Katastrophe gerichtet, während ihn ein Sturm aus dem Paradies rückwärts in die Zukunft treibt. Diese Deutung machte ein bescheidenes Aquarell zu einem der meistzitierten Kunstwerke des 20. Jahrhunderts.
Seit 1987 gehört das Werk dem Israel Museum in Jerusalem, wo es unter strengen Klimabedingungen aufbewahrt wird. Wegen der Lichtempfindlichkeit des Papiers darf es jeweils nur vier Wochen lang ausgestellt werden. Geplant war, während der Ausstellungsdauer das Faksimile mit dem Original abzuwechseln. Doch der Krieg im Nahen Osten und die gestörten Flugverbindungen machten den Transport unmöglich, und die Besucher in New York begegnen stattdessen einer Kopie in einem ansonsten leeren Saal.
Eine Ausstellung über einen Künstler, den die Geschichte in die Flucht trieb, sieht ihr zentrales Werk von der Geschichte der Gegenwart ausgebremst – die Leere an der Wand sagt beinahe mehr, als es das Gemälde getan hätte.
Von Bauhaus-Lehrtafeln bis zum Exil: Zehn Jahre, die Klees Bildsprache prägten
Paul Klee wurde am 18. Dezember 1879 in Münchenbuchsee bei Bern als Sohn eines Musiklehrers und einer Sängerin geboren. Er war ein hervorragender Geiger und erwog lange, Musiker zu werden. Dass er sich für die Malerei entschied, bedeutet nicht, dass die Musik verschwand; seine Kompositionen sind oft wie Partituren aufgebaut, mit Rhythmen, Wiederholungen und Pausen.
Von 1921 bis 1931 unterrichtete er am Bauhaus, zunächst in Weimar und dann in Dessau. Seine Unterrichtsnotizen umfassen mehrere tausend Seiten und zählen zu den wichtigsten theoretischen Texten über bildende Kunst des 20. Jahrhunderts, vergleichbar mit Leonardos Skizzenbüchern. Wer sehen möchte, wie die Formensprache der Schule heute weiterlebt, findet ihr Erbe in unserer Kollektion mit Bauhaus-Postern, und die ganze Geschichte des Stils gibt es in unserem Leitfaden zum Bauhaus als Einrichtungsstil.
1931 verließ Klee das Bauhaus und übernahm eine Professur an der Kunstakademie in Düsseldorf. Bereits 1933, als die Nationalsozialisten an die Macht kamen, wurde er entlassen. Die NS-Presse bezeichnete ihn fälschlicherweise als „galizischen Juden“. Er kehrte nach Bern zurück, in das Land, in dem er geboren worden war, dessen Staatsbürgerschaft er aber nie erhalten hatte. Sein Antrag auf die Schweizer Staatsbürgerschaft wurde erst nach seinem Tod bewilligt. 1937 wurden siebzehn seiner Werke in der Propagandaausstellung „Entartete Kunst“ in München gezeigt, und über hundert Arbeiten wurden aus deutschen Museumssammlungen beschlagnahmt.
Die Krankheit, die den Pinselstrich veränderte - warum die späten Bilder kräftiger wirken
1935 erkrankte Klee an Sklerodermie, einer Autoimmunerkrankung, die die Haut allmählich verhärtet und schließlich Hände und Gesicht versteift. Die Auswirkungen sind in den Bildern unmittelbar sichtbar. Die feine, zitternde Linie, die die Zwanzigerjahre geprägt hatte, wird durch breite, fast kalligrafische schwarze Striche über gedämpften Farbflächen ersetzt. Viele sehen darin einen bewussten Stilwandel. Genauso sehr geht es darum, was eine versteifende Hand tatsächlich noch leisten kann.
Dennoch ist dies seine produktivste Schaffensperiode. Allein 1939 schuf er über zwölfhundert Werke - mehr als in jedem anderen Jahr seiner Karriere und mehr, als manche Künstler in einem ganzen Leben schaffen. Sein Gesamtwerk umfasst rund neuntausend Arbeiten. Er starb am 29. Juni 1940 im Alter von 60 Jahren in Muralto bei Locarno.
Die Ausstellung in New York ist nicht der einzige Grund, warum Klee gerade aktuell ist. Im Winter zeigte das Museo Thyssen-Bornemisza in Madrid rund fünfzig Meisterwerke von Picasso und Klee aus der Sammlung Heinz Berggruen Seite an Seite, gegliedert in vier Themenbereiche: Porträts und Masken, Orte, Dinge sowie Harlekine und Akte. Berggruen, der 1936 Berlin verließ und eine der bedeutendsten Privatsammlungen des 20. Jahrhunderts aufbaute, besaß zahlreiche Werke Klees. Dass gerade er beide Künstler sammelte, sagt etwas darüber aus, wie nahe sie sich in der Frage standen, wie viel ein Bild eigentlich zeigen muss, um zu wirken.
Die Motive seiner späten Bilder kehren immer wieder: Engel, Masken, kryptische Zeichen, die wie Schrift aussehen, ohne es zu sein. Manche scheinen entschlüsselbar, andere widersetzen sich. Genau dieser Widerstand ist ein Grund dafür, dass die Bilder Jahr für Jahr an der Wand bestehen. Die Forschung dazu, warum das Gehirn von bestimmten Motiven angezogen wird, beschreibt dieselbe Balance zwischen Wiedererkennung und Rätselhaftigkeit. Das behandeln wir in unserem Artikel über Verarbeitungsflüssigkeit und die Frage, warum manche Kunst schön wirkt.
Farbe und Quadrat: Klees Bausteine und die Reise nach Tunesien
Der Wendepunkt in Klees Umgang mit Farbe wird meist auf April 1914 datiert, als er zusammen mit August Macke und Louis Moilliet nach Tunesien reiste. In sein Tagebuch schrieb er den Satz, der später unzählige Male zitiert wurde: Die Farbe und er seien eins geworden, er sei Maler. Das Licht, das er in Kairouan und Hammamet erlebte, brachte ihn dazu, das Lineare hinter sich zu lassen und seine Bilder stattdessen aus farbigen Quadraten aufzubauen.
Das Quadrat wurde zu seiner Grundeinheit. In den sogenannten magischen Quadraten werden Farbfelder in einem Raster nebeneinander angeordnet, wobei jedes Quadrat sein Nachbarfeld beeinflusst. Im Grunde ist das eine visuelle Untersuchung derselben Frage, die sein Bauhaus-Kollege Josef Albers später systematisierte: wie sich der Charakter einer Farbe je nachdem verändert, was neben ihr liegt. Klee arbeitete viel mit Aquarell und der von ihm entwickelten Ölpause, die der Oberfläche ihre durchscheinende, vielschichtige Wirkung verleiht, die mit keiner anderen zu verwechseln ist.
Die Verbindung zu Wassily Kandinsky ist nicht nur stilistischer Natur. Die beiden waren Kollegen am Bauhaus und wohnten eine Zeit lang im selben Doppelhaus in Dessau. Kandinsky wäre 2026 160 Jahre alt geworden, und wir haben einen eigenen Artikel über Kandinsky und die Geburt der abstrakten Kunst geschrieben.
Tipps: Klees Farbraster benötigen Abstand, um zu wirken. Hängt ein 30x40-Format in einem engen Durchgang, sieht der Betrachter nur einzelne Quadrate. Halte mindestens zwei Meter Betrachtungsabstand ein oder wähle das Format 50x70, damit der Rhythmus des Rasters als Ganzes erfasst werden kann.
Klee an schwedischen Wänden - Formate, Räume und Farben im harmonischen Zusammenspiel
Klee lässt sich aus drei Gründen besonders gut in die Einrichtung integrieren. Erstens ist seine Farbpalette selbst dann gedeckt, wenn sie farbenfroh ist: Ocker, Ziegelrot, gedämpftes Türkis und gebrochenes Grau liegen nahe an den erdigen Tönen, die schwedische Wohnräume in den letzten Jahren geprägt haben. Zweitens haben die Bilder selten ein klares Zentrum, sodass sie neben anderen Werken hängen können, ohne um Aufmerksamkeit zu konkurrieren. Drittens wirken sie zu zweit oder zu dritt besonders gut, weil die Rasterstruktur zwischen den Bildflächen einen natürlichen Rhythmus schafft.
Wo die Motive am besten zur Geltung kommen
In einem Arbeitszimmer kommen die späten, zeichenreichen Bilder besonders gut zur Geltung. Sie bieten genug Details, an denen der Blick zwischen den Aufgaben verweilen kann, ohne so erzählerisch zu sein, dass sie die Aufmerksamkeit ablenken. Im Schlafzimmer überzeugen die früheren Aquarelle mit ihren durchscheinenden Schichten. In einem Wohnzimmer mit viel Holz und Textilien sorgt eine einzelne größere, von Klee inspirierte Komposition für den grafischen Kontrast, der dem Raum oft fehlt.
Ein Raum, der dabei oft übersehen wird, ist der Flur. Dort fehlt fast immer Tageslicht, und viele farbenfrohe Motive wirken dort flach, weil sie für natürliches Licht gedacht sind. Klees gedämpfte Schichten kommen unter warmweißer Beleuchtung deutlich besser zur Geltung als reine Primärfarben, gerade weil die Farbflächen bereits mit Grau und Ocker gebrochen sind. Dasselbe gilt für Treppenhäuser und andere Durchgangsbereiche, in denen man eher vorbeigeht, als stehen zu bleiben. Dort wirken die einfacheren Rasterkompositionen stärker als die zeichenreichen späten Werke, weil das Auge eine Struktur wahrnimmt, aber keine Geschichte erfassen kann.
Rahmen und Passepartout
Halten Sie den Rahmen schmal und neutral. Schwarzes Metall oder helle Eiche passen beide, aber vermeiden Sie Gold und breite Profile - sie verleihen dem Bild einen musealen Charakter, der mit den klaren Geometrien konkurriert. Ein großzügiges Passepartout von drei bis fünf Zentimetern hebt die Wirkung dagegen deutlich hervor, besonders bei kleineren Formaten, weil es den Farbflächen Raum zum Atmen gibt. Wenn Sie die Gestaltung mit verwandten Ausdrucksformen ergänzen möchten, passen abstrakte Poster und grafische Poster gut zur geometrischen Linie, und unter Kunstwerken berühmter Künstler finden Sie weitere Namen der Moderne.
Häufig gestellte Fragen zu Paul Klee und seiner Kunst
Klee hinterließ eine Bildsprache, die nur wenige Künstler nachahmen konnten, ohne dass es auffiel. Was spielerisch wirkt, ist das Ergebnis von zehn Jahren an den Lehrstühlen des Bauhauses, Tausenden Seiten Theorie und schließlich einer Hand, die nicht mehr gehorchte. Wenn du dir etwas von dieser Kombination aus Ernst und Leichtigkeit nach Hause holen möchtest, findest du erste Anregungen unter unseren abstrakten Postern und in der Bauhaus-Kollektion. Mehr über den Künstler erfährst du beim Zentrum Paul Klee in Bern oder bei Google Arts and Culture.