Am 8. Februar 2026 wäre sie 150 Jahre alt geworden. Paula Modersohn-Becker lebte 31 Jahre, schaffte rund 750 Gemälde und verkaufte zu Lebzeiten nur wenige davon. In diesem Jahr widmen ihr drei deutsche Städte parallele große Ausstellungen. Und wer ein Poster für die eigenen vier Wände aussucht, sollte ihren Namen kennen – sie ist die Frau, der zwanzig Jahre nach ihrem Tod das weltweit erste Museum gewidmet wurde, das einer einzelnen Künstlerin gewidmet ist.
Das Ausmaß des Jubiläumsjahrs ist keine bloße Höflichkeitsgeste. Modersohn-Becker malte das erste bekannte weibliche Selbstporträt als Akt, nahm den Expressionismus vorweg, noch bevor es den Begriff gab, und starb drei Wochen nach der Geburt ihrer Tochter. Dass ihre Werke erst jetzt, eineinhalb Jahrhunderte nach ihrer Geburt, den Platz in der Kunstgeschichte erhalten, den andere Modernisten sofort bekamen, sagt einiges darüber aus, wie die Auswahl getroffen wurde.
Kurzinfo: „Becoming Paula“ ist vom 8. Februar bis zum 13. September 2026 im Paula Modersohn-Becker Museum in Bremen zu sehen und umfasst rund 70 Gemälde und Arbeiten auf Papier. Parallel dazu findet vom 7. Februar bis zum 1. November 2026 an vier Orten in der Künstlerkolonie Worpswede „Impuls Paula“ statt. Das Albertinum in Dresden zeigte vom 8. Februar bis zum 31. Mai 2026 „Paula Modersohn-Becker und Edvard Munch. Die großen Fragen des Lebens“.
Drei Städte, ein Jubiläum – was 2026 tatsächlich gezeigt wird
Die Ausstellung in Bremen ist die umfassendste. Das Museum an der Böttcherstraße verwaltet die weltweit größte öffentliche Sammlung ihrer Werke und hat „Becoming Paula“ thematisch entlang ihrer Entwicklung aufgebaut: die Studienjahre in London und Berlin, die Zeit in Worpswede und die vier entscheidenden Parisreisen. Zahlreiche Werke sind selten gezeigte Leihgaben aus Privatsammlungen.
In Worpswede, dem Moordorf nördlich von Bremen, in dem sie den größten Teil ihres Erwachsenenlebens verbrachte, erstreckt sich „Impuls Paula“ über vier Gebäude: den Barkenhoff, die Große Kunstschau, die Worpsweder Kunsthalle und das Haus im Schluh. Der Ansatz dort ist breiter gefasst und beschäftigt sich ebenso mit ihrem Einfluss auf heute tätige Künstlerinnen und Künstler wie mit ihrer eigenen Malerei.
Dresden wählte einen anderen Weg. Das Albertinum stellte ihre Werke während der Frühjahrsausstellung über die großen Fragen des Lebens – Geburt, Krankheit, Tod – in einen direkten Dialog mit denen von Edvard Munch. Die Parallele liegt nahe. Beide arbeiteten mit existenziellen Motiven in einer Zeit, in der die Malerei abbilden statt Fragen stellen sollte. Mehr über Munchs Bildwelt haben wir in unserem Artikel über den Freia-Fries, den Schrei und die Kunst, mit starken Motiven zu leben geschrieben.
Sieben Jahre, 750 Gemälde und vier Reisen nach Paris
Paula Becker wurde 1876 in Dresden als drittes von sieben Kindern geboren. 1888 zog die Familie nach Bremen. Auf den Rat ihres Vaters hin ließ sie sich zur Lehrerin ausbilden, malte aber weiter, und 1896 schrieb sie sich an der Berliner Kunstschule für Frauen ein – die Akademien waren ihr damals aufgrund ihres Geschlechts verschlossen.
1898 kam sie nach Worpswede, der Künstlerkolonie, die sieben Jahre zuvor von Malern gegründet worden war, die dem Atelierlicht der Akademien entkommen wollten. Dort begegnete sie der Bildhauerin Clara Westhoff, die ihre engste Freundin wurde und später Rainer Maria Rilke heiratete, sowie dem Maler Otto Modersohn, den sie 1901 heiratete.
Die entscheidende Wendung geschah in Paris. Sie reiste viermal dorthin, 1900, 1903, 1905 und 1906, und sah dort Cézanne, Gauguin und die ägyptische Mumienporträtkunst im Louvre. Die Wirkung auf ihre Malerei war dramatisch. Die Figuren werden schwerer und einfacher, die Konturen härter, die Farbe wird in dicken Schichten mit spachtelartiger Festigkeit aufgetragen. In den sieben Jahren, die ihr reifes Schaffen andauerte, schuf sie rund 750 Gemälde, tausend Zeichnungen und dreizehn Radierungen.
Ihre Briefe und Tagebücher, erstmals 1917 veröffentlicht, vermitteln ein ungewöhnlich klares Bild davon, was sie wollte. Immer wieder schrieb sie davon, zum Einfachen und Großen vorzudringen, davon, dass ein Bild dieselbe selbstverständliche Präsenz haben sollte wie ein Gegenstand. Genau das lernte sie von den Mumienporträts aus Fayum in Ägypten, die sie im Louvre studierte: frontale Gesichter, große Augen, kein Hintergrund, der etwas erklärt. Eine solche Bildgestaltung war in der deutschen Malerei um die Jahrhundertwende nahezu unbekannt.
„Sie malte sich nackt und schwanger, ein Jahr bevor sie tatsächlich schwanger wurde – das erste bekannte weibliche Akt-Selbstporträt in der Kunstgeschichte, gemalt von jemandem, der keine einzige Vorgängerin hatte, an der sie sich orientieren konnte.“
Das erste Museum der Welt – und Rilkes Requiem
Paula Modersohn-Becker starb am 20. November 1907 in Worpswede, zwanzig Tage nach der Geburt ihrer Tochter Mathilde. Die Todesursache war eine Embolie, die ausgelöst wurde, als sie zum ersten Mal wieder aufstehen durfte. Sie war 31 Jahre alt. Den Anwesenden zufolge sollen ihre letzten Worte „Schade“ gewesen sein.
Im Jahr zuvor hatte sie Otto Modersohn verlassen und war allein nach Paris gezogen, um sich ganz der Arbeit zu widmen. Die Briefe aus dieser Zeit gehören zu den selbstbewusstesten, die sie schrieb. Erst im Frühjahr 1907 kehrte sie nach Worpswede zurück, schwanger, und in dieser kurzen letzten Phase entstanden einige ihrer stärksten Porträts. Dass ihr Lebenswerk mitten in einer Aufschwungphase endet, ist einer der Gründe, warum die Jubiläumsausstellungen durchweg Titel über Werden und Impuls tragen, statt Retrospektiven zu heißen: Es gibt keinen Abschluss, den man zusammenfassen könnte.
Rilke schrieb im Jahr darauf „Requiem für eine Freundin“, eines der meistgelesenen deutschen Gedichte des 20. Jahrhunderts, und widmete es ihr. Die nachhaltigste Würdigung erfolgte jedoch 1927, als der Kaufmann und Sammler Ludwig Roselius in der Böttcherstraße in Bremen ein ganz ihrer Kunst gewidmetes Museum eröffnete. Es war das erste Museum der Welt, das einer Künstlerin gewidmet war. Das von Bernhard Hoetger in expressionistischer Backsteinarchitektur entworfene Gebäude ist selbst eine Sehenswürdigkeit und wird 2027 100 Jahre alt – deshalb vermarktet das Museum die Jubiläen gemeinsam unter dem Motto „150 / 100“.
Ironischerweise ließ ihr eigener Ruhm lange auf sich warten, obwohl das Museum schon früher eröffnet hatte. Während der NS-Zeit wurde ihre Kunst als entartet abgestempelt, und ihre Werke wurden aus öffentlichen Sammlungen entfernt. Erst in der Nachkriegszeit erhielt sie wieder einen festen Platz in der Geschichte der deutschen Moderne, und erst in den letzten zwei Jahrzehnten hat sie große Einzelausstellungen außerhalb Deutschlands bekommen. Dieselbe verspätete Anerkennung erfuhren mehrere moderne Künstlerinnen. Darauf gehen wir in unserem Artikel über Sigrid Hjertén, die Modernistin der Farbe, die Schweden zu spät verstand näher ein.
Was ihre Bildsprache einem Zuhause gibt: Gewicht, Erdtöne und Ruhe
Modersohn-Becker malte mit einer Palette, die dem ähnelt, was die schwedische Inneneinrichtung in den vergangenen Jahren geprägt hat: Torf, Ocker, gedecktes Grün, Ziegelrot und gebrochenes Weiß. Das ist kein Zufall – die Farben stammen aus den Moorlandschaften rund um Worpswede, und die erdige Tonskala gehört zu derselben Farbfamilie, auf der der Ockertrend im vergangenen Sommer beruhte.
In ihren Motiven kehren drei Dinge immer wieder: Porträts mit großen, ruhigen Augen, Mutter und Kind sowie Stillleben mit einfachen Früchten und Töpfen. Alle drei machen sich ungewöhnlich gut an einer heimischen Wand, weil ihre Kompositionen zwar undramatisch, ihre Farben aber dicht sind. Sie schreien nicht, aber man kann auch nicht einfach an ihnen vorbeigehen.
Es gibt auch einen technischen Aspekt, den man erwähnen sollte. Modersohn-Becker malte oft mit dicker, matter Farbe und einer deutlich strukturierten Oberfläche. Sie experimentierte damit, Sand und Gips beizumischen, um eine beinahe wandartige Oberfläche zu erzielen. In gedruckter Form spielt die Papierwahl daher eine größere Rolle als bei vielen anderen Künstlerinnen und Künstlern. Ein mattes Kunstdruckpapier mit etwas Struktur gibt diese Rauheit viel besser wieder als glänzendes Papier, auf dem die Farbflächen flach und beinahe digital wirken. In unserem Überblick über den Unterschied zwischen Poster und Leinwand erklären wir, wie sich der Untergrund gerade auf diese Art der Malerei auswirkt.
Raum für Raum
Porträts passen an Orte, an denen man eine Weile sitzt: in die Leseecke, an den Essplatz oder ins Schlafzimmer. Ihr Blick verlangt nach einem Gegenblick, in einem Durchgang wirkt er dagegen nur aufdringlich. Stillleben mit Früchten und Keramik passen ganz natürlich an den Essplatz und in die Küche. Mutter-Kind-Motive machen sich überraschend gut im Kinderzimmer. Wähle dann aber ein größeres Format, damit die Figuren nicht klein und undeutlich wirken.
Format und Rahmen
Ihre Kompositionen sind meist eng um die Figur beschnitten. Deshalb eignen sie sich besser für kleinere Formate als Landschaftsmotive. Ein Format von 30x40 reicht für ein Porträt über einer Kommode völlig aus. Der Rahmen sollte warm und schlicht sein: Eiche, Esche oder ein dunkel gebeiztes Holzprofil. Schwarzes Metall lässt die erdigen Farben kälter wirken, als sie vertragen. Wenn du die Gestaltung mit verwandten Motiven ergänzen möchtest, findest du sie unter unseren Kunstwerken bekannter Künstler, bei den Postern mit Blumenmotiven und in der Kollektion zum Internationalen Frauentag, in der Künstlerinnen im Mittelpunkt stehen.
Tipp: Erdtonmotive verlieren unter kaltem LED-Licht viel von ihrer Wirkung. Verwende im Raum, in dem das Bild hängt, Leuchtmittel mit etwa 2700 Kelvin, damit Ocker- und Ziegeltöne die Wärme zurückerhalten, für die die dicken Farbschichten geschaffen wurden. Der Unterschied ist größer als der, den ein neuer Rahmen je bewirken kann.
So gestaltest du eine Wand rund um ein einziges ausdrucksstarkes Bild
Ein Porträt dieser Art macht sich in einer dichten Bildergruppe selten gut. Die Augen konkurrieren mit allem anderen, und das Ergebnis wirkt unruhig. Drei Alternativen funktionieren besser.
Das Erste ist, das Bild allein an einer kurzen Wand mit genügend Abstand auf beiden Seiten aufzuhängen, am besten über einem niedrigen Möbelstück, sodass die Unterkante zwanzig bis dreißig Zentimeter über der Oberkante des Möbelstücks liegt. Das Zweite ist, das Porträt mit einem Stillleben in derselben Farbpalette und exakt demselben Rahmen zu kombinieren, mit sieben bis acht Zentimetern Abstand. Das Dritte ist, das Motiv in eine asymmetrische Gruppierung einzubinden, in der es das einzige figürliche Bild ist und der Rest aus abstrakten oder grafischen Flächen besteht. Wie du eine solche Komposition Schritt für Schritt aufbaust, erklären wir in unserem kompletten Ratgeber zur Bilderwand.
Häufige Fragen zu Paula Modersohn-Becker und zum Jubiläumsjahr
Ein halbes Jahrhundert, nachdem ihr Name erstmals im selben Atemzug wie der von Cézanne und Gauguin genannt wurde, erhält sie 2026 endlich das Jubiläum, das andere Modernisten zu ihren Lebzeiten feiern durften. Wenn du dir etwas von der erdigen, stillen Schwere nach Hause holen möchtest, die ihre Malerei prägt, findest du Werke unter Kunstwerke berühmter Künstler und Blumenmotiven. Mehr über die Ausstellungen erfährst du bei den Museen Böttcherstraße in Bremen und einen Überblick über ihr Werk findest du bei Google Arts and Culture.