Abstrakter Expressionismus – die Geschichte der Kunstbewegung, Pollock, Rothko und der Durchbruch der amerikanischen Malerei
Der abstrakte Expressionismus ist die Kunstrichtung, die nach dem Zweiten Weltkrieg den Schwerpunkt der modernen Kunst von Paris nach New York verlagerte und die amerikanische Malerei erstmals weltweit führend machte. In den 1940er- und 1950er-Jahren versammelte sich in New York eine Gruppe von Malern um eine neue Idee: Ein Gemälde musste überhaupt nichts abbilden, um von Gefühl, Dramatik und Spiritualität erfüllt zu sein. Stattdessen sollten das Malen selbst – die Geste, die Farbe, die körperliche Handlung – die gesamte Bedeutung des Werks tragen. Namen wie Jackson Pollock, Mark Rothko und Willem de Kooning wurden zu Sinnbildern einer Kunst, die zugleich großartig und zutiefst persönlich war.
Die Bewegung wird gewöhnlich in zwei Hauptströmungen unterteilt. Die eine ist die gestische, oft als Action Painting bezeichnete Malerei, bei der die Farbe in einer sichtbaren Aufzeichnung der Körperbewegung über die Leinwand geschleudert, getropft und gezogen wird. Die andere ist die Farbfeldmalerei, bei der große, meditative Farbfelder dem Betrachter entgegenschweben und nach dem Erhabenen und Unendlichen suchen. Trotz der Unterschiede teilten die Künstler ein Ziel: eine moderne, beinahe mythische Kunst für eine Zeit zu schaffen, die vom Schatten des Krieges und der Ungewissheit des Atomzeitalters geprägt war. Diese Seite behandelt die Geschichte der Bewegung, ihre wichtigsten Werke und Künstler, die dahinterstehende Technik, ihr Vermächtnis und die Frage, wie du heute abstrakte Kunst in deinem Zuhause einsetzen kannst.
Inhalt
↓ Was ist abstrakter Expressionismus?
↓ Entstehung der Bewegung und historischer Hintergrund
↓ Wichtigste Werke und Künstler
↓ Technik, Stil und künstlerische Signatur
↓ Kultureller Einfluss und Vermächtnis
↓ Abstrakter Expressionismus im Zuhause
↓ Zeitleiste
↓ Verwandte Kunstrichtungen
↓ Häufig gestellte Fragen
Was ist abstrakter Expressionismus?
Abstrakter Expressionismus ist ein Sammelbegriff für die abstrakte Malerei, die sich Ende der 1940er- und in den 1950er-Jahren durch eine Gruppe amerikanischer Künstler in New York entwickelte. Der Ausdruck wurde erstmals 1946 vom Kritiker Robert Coates in der Zeitschrift The New Yorker für amerikanische Kunst verwendet. Die mit der Bewegung verbundenen Künstler werden häufig als New Yorker Schule bezeichnet; zu ihnen zählen unter anderem Jackson Pollock, Mark Rothko, Willem de Kooning, Barnett Newman, Clyfford Still, Franz Kline, Arshile Gorky, Robert Motherwell und Lee Krasner.
Das Kernprinzip der Bewegung besteht darin, dass der abstrakte Ausdruck der Abbildung vorangestellt wird. Die Künstler ließen sich von der surrealistischen Vorstellung inspirieren, Kunst müsse dem Unbewussten entspringen, ließen die Traumbilder jedoch zugunsten reiner Form, Farbe und Geste hinter sich. Der Kritiker Harold Rosenberg prägte den Begriff Action Painting in seinem Essay „The American Action Painters“ in der Zeitschrift ARTnews im Jahr 1952 und beschrieb die Leinwand als eine Arena, in der der Künstler handelt, statt abzubilden. Parallel dazu formulierte Clement Greenberg die Verteidigung des rein Abstrakten und hob die Farbfeldmalerei als den logischen nächsten Schritt der Malerei hervor. Das Museum of Modern Art in New York wurde unter der Leitung von Alfred Barr und der Kuratorin Dorothy Miller zu der Institution, die die Bewegung definierte und international verbreitete.
Schnellfakten: Entstehung: New York, etwa 1943-1965. Der Begriff wurde erstmals 1946 von Robert Coates in The New Yorker für amerikanische Kunst verwendet. Zwei Hauptrichtungen: Action Painting und Farbfeldmalerei. Der Begriff Action Painting wurde 1952 vom Kritiker Harold Rosenberg geprägt. Zentrale Künstler: Pollock, Rothko, de Kooning, Newman, Still, Kline, Krasner. Pollocks Dripping-Technik setzte sich 1947 durch. Willem de Koonings „Interchange“ (1955) wurde 2015 privat für etwa 300 Millionen Dollar verkauft - eines der teuersten Kunstwerke der Welt. Das Moderna Museet in Stockholm zeigte vom 2. Juni bis 9. September 2012 die Ausstellung „Explosion! Malerei als Handlung“.
Die Entstehung der Bewegung und ihr historischer Hintergrund
Der Abstrakte Expressionismus entstand aus einer besonderen historischen Situation. In den 1930er-Jahren hatten sich viele amerikanische Künstler durch das staatliche Förderprogramm im Rahmen des New Deal ihren Lebensunterhalt verdient, das einer ganzen Generation trotz der wirtschaftlichen Krise während der Depression die Möglichkeit gab, zu arbeiten. Als der Zweite Weltkrieg ausbrach, flohen zudem zahlreiche europäische Modernisten nach New York, darunter Surrealisten wie André Breton und Max Ernst. Das Zusammentreffen der amerikanischen Erfahrung mit der europäischen Avantgardetradition wurde entscheidend. New York übernahm allmählich die Rolle als Hauptstadt der Kunst, die zuvor Paris innegehabt hatte.
Vom Surrealismus zur Abstraktion
Die jungen New Yorker Maler waren von der Automatik der Surrealisten fasziniert - von der Idee, die Hand ohne bewusste Kontrolle frei bewegen zu lassen, um das Unterbewusste zu erreichen. Arshile Gorky wurde mit seinen fließenden, biomorphen Formen zu einer Brücke zwischen dem europäischen Surrealismus und der neuen amerikanischen Abstraktion. Pollock, Rothko und die anderen führten die Methode weiter, ließen die erkennbaren Motive jedoch vollständig hinter sich. Übrig blieb eine Kunst, in der der Schaffensprozess selbst zum Motiv wurde und der persönliche Ausdruck schwerer wog als jede Regel von Komposition und Perspektive.
Viele der Künstler schöpften auch aus Mythen, uralten Symbolen und dem kollektiven Unbewussten, inspiriert von den Ideen des Psychologen Carl Jung. Rothko und Gottlieb malten Anfang der 1940er-Jahre Werke mit Titeln, die auf die griechische Mythologie anspielten, bevor sie nach und nach alles Gegenständliche abstrahierten. Ihr Ziel war eine universelle, zeitlose Bildwelt, die unmittelbar zum Innersten des Betrachters sprach, jenseits von Nation, Epoche und Sprache. Dieses Streben nach dem Allgemeinmenschlichen unterscheidet den Abstrakten Expressionismus von einer rein formalistischen Abstraktion und erklärt, warum die Werke oft als von Ernst und Spiritualität erfüllt wahrgenommen werden.
Der Kalte Krieg und das amerikanische Prestige
Der Durchbruch der Bewegung fiel mit dem Kalten Krieg zusammen, und die Kunst erhielt eine unerwartete politische Bedeutung. Die freie, individualistische amerikanische Malerei wurde als Gegenpol zum staatlich gelenkten sozialistischen Realismus in der Sowjetunion dargestellt. Das Museum of Modern Art trug dazu bei, die Bewegung durch internationale Wanderausstellungen in den 1950er-Jahren zu verbreiten, und der Abstrakte Expressionismus wurde zu einer kulturellen Visitenkarte der USA der Nachkriegszeit. Dass eine zuvor eher provinziell geprägte amerikanische Kunstszene nun die Maßstäbe für die Malerei der gesamten westlichen Welt setzte, war ein historischer Wendepunkt, der sich am Ende des Jahrzehnts festigte.
Wichtigste Werke und Künstler
Der Abstrakte Expressionismus umfasst mehrere sehr unterschiedliche künstlerische Schaffensbereiche, doch einige Werke und Namen sind zu den Aushängeschildern der Bewegung geworden. Zusammen zeigen sie, wie groß die Bandbreite war – von Pollocks explosiven Leinwänden bis zu Rothkos stillen Farbfeldern. Gemeinsam ist den bedeutendsten Werken, dass sie sich als Reproduktionen nur selten auf dieselbe Weise erfassen lassen wie im Original: Größe, Oberfläche und Farbtiefe sind Teil des Erlebnisses. Deshalb werden sie auch häufig als Kunst beschrieben, vor der man stehen muss, statt sie nur aus der Ferne zu betrachten.
Jackson Pollock und die Drip Paintings
Jackson Pollock ist der ikonischste Name dieser Bewegung. Sein Durchbruch kam 1947, als er die Leinwand auf den Boden legte und begann, Industriefarbe von allen Seiten darauf zu tropfen, zu gießen und zu schleudern. Das Ergebnis waren dichte Geflechte aus Linien ohne Mittelpunkt, auf denen das Auge niemals an einer einzigen Stelle zur Ruhe kommt. „Autumn Rhythm (Number 30)“ aus dem Jahr 1950 gilt als eines seiner bedeutendsten Werke und befindet sich heute in der Sammlung des Metropolitan Museum of Art in New York. Pollocks Ehefrau, die Künstlerin Lee Krasner, spielte eine zentrale Rolle bei der Entwicklung seines künstlerischen Schaffens, nachdem das Paar 1945 geheiratet und nach Springs auf Long Island gezogen war. Der Kritiker Clement Greenberg pries Pollock schon früh als den größten Maler, den das Land hervorgebracht hatte.
Pollocks größte Leinwände sind mehrere Meter breit und entstanden in einer umgebauten Scheune in Springs, wo er sich frei um das Material bewegen konnte. Trotz des spontanen Eindrucks war die Arbeit sorgfältig kontrolliert; Pollock sagte selbst, dass er den Farbfluss steuern und den Zufall ausschließen konnte. Seine Karriere war kurz, aber intensiv, und 1956 kam er im Alter von nur 44 Jahren bei einem Autounfall ums Leben, was dazu beitrug, den Mythos des amerikanischen Künstlers als rastlose, romantische Gestalt zu festigen.
„Wenn ich in meiner Malerei aufgehe, bin ich mir nicht bewusst, was ich tue. Das Bild hat ein Eigenleben. Ich versuche, es zum Vorschein kommen zu lassen.“ – Jackson Pollock
Mark Rothko und die Stille der Farbfelder
Wo Pollock explosiv war, war Mark Rothko meditativ. Seine reifen Werke bestehen aus zwei oder drei weich begrenzten Farbrechtecken, die auf einer großen Leinwand übereinander zu schweben scheinen. Rothko wollte, dass der Betrachter nahe an den Werken steht und beinahe von ihnen umschlossen wird, und sprach davon, menschliche Grundgefühle wie Tragik, Ekstase und Untergang zu malen. Die Farbfeldmalerei, die er gemeinsam mit Barnett Newman und Clyfford Still entwickelte, suchte eher das Erhabene und Unendliche als die Geste. Der Markt hat seine Stellung später bestätigt: Das Werk „Orange, Red, Yellow“ (1961) wurde 2012 bei Christie's für 86,9 Millionen Dollar verkauft. Mehr erfahren Sie auf unserer Vertiefungsseite über Mark Rothko und die Farbfeldmalerei.
Willem de Kooning, Newman und Kline
Willem de Kooning verband Abstraktion mit Spuren menschlicher Gestalt, am deutlichsten in seiner umstrittenen Serie „Woman“ aus dem frühen Jahr 1950. Seine Malerei bewahrte stets einen körperlichen, beinahe brutalen Pinselstrich. De Koonings Stellung auf dem Kunstmarkt ist schwindelerregend: Das Gemälde „Interchange“ (1955) wechselte 2015 bei einem Privatverkauf für rund 300 Millionen Dollar den Besitzer und war damit eines der teuersten Gemälde, die je verkauft wurden. Barnett Newman trug mit seinem „Zip“ bei – einem schmalen, senkrechten Farbband, das das große Feld teilt und Raum schafft. Franz Kline reduzierte seine Formensprache dagegen auf kraftvolle schwarze Pinselstriche auf weißem Grund, die vergrößerte kalligrafische Gesten darstellten. Gemeinsam zeigen sie, wie groß die Bandbreite der Bewegung innerhalb des Rahmens reiner Abstraktion war.
Technik, Stil und künstlerische Signatur
Was den Abstrakten Expressionismus verbindet, ist kein gemeinsames Aussehen, sondern eine gemeinsame Haltung: Die Malerei soll eine direkte, unvermittelte Handlung sein. Dennoch lassen sich klare technische Merkmale erkennen, die die beiden Zweige der Bewegung voneinander unterscheiden. Ein wiederkehrendes Mittel ist die sehr große Leinwand, die den Betrachter umschließt, statt wie ein Fenster an der Wand zu hängen. Ein weiteres ist die sogenannte Allover-Komposition, bei der die Bildfläche von Kante zu Kante gleichmäßig behandelt wird, ohne einen eindeutigen Mittelpunkt oder eine Hierarchie. Viele Künstler gaben außerdem die Staffelei auf und arbeiteten direkt auf dem Boden oder an der Wand, wodurch die Grenze zwischen Malerei und körperlicher Handlung verwischt wurde.
Action Painting und die sichtbare Geste
Beim Action Painting ist die körperliche Bewegung selbst das eigentliche Werk. Pollock arbeitete rund um die auf dem Boden liegende Leinwand und ließ die Farbe in Tropfen und Fäden herabfallen – eine Technik, die den ganzen Körper zum Malwerkzeug machte. Franz Kline und der frühe de Kooning arbeiteten dagegen mit breiten, schnellen Pinselstrichen, bei denen jede Bewegung im fertigen Werk sichtbar blieb. Gemeinsam ist ihnen, dass der Prozess nie verborgen wird – der Betrachter sieht genau, wie die Farbe dorthin gelangte, wo sie nun ist, und kann im Nachhinein beinahe dem Arm des Künstlers folgen. Die oft enorme Größe der Leinwände verstärkte das Gefühl, einer Handlung statt einem Bild gegenüberzustehen.
Farbfeldmalerei und das Erhabene
Die Farbfeldmalerei ist das Gegenteil der Geste. Hier werden die Pinselstriche bewusst verwischt zugunsten großer, gleichmäßiger Flächen, in denen die Farbe selbst zum Motiv wird. Rothko baute seine Flächen in dünnen, halbtransparenten Schichten auf, sodass die Farbe von innen heraus zu leuchten scheint. Barnett Newman ließ ein einziges vertikales Band ein ansonsten einfarbiges Feld durchbrechen, während Clyfford Still seine Flächen in zackige, landkartenartige Partien aufriss. Rothko lackierte seine Werke nur selten und vermied glänzende Oberflächen, gerade damit die Farbe atmen und so wirken konnte, als käme sie aus dem Inneren der Leinwand, statt auf ihr zu liegen. Das Ziel war keine Dramatik im Pinselstrich, sondern ein stilles, beinahe andächtiges Erlebnis. Auch die Größe spielte eine entscheidende Rolle: Die Felder sollten so groß sein, dass sie den Betrachter umschlossen und einen Raum zum Eintreten schufen.
Kultureller Einfluss und Vermächtnis
Der abstrakte Expressionismus veränderte nicht nur die Malerei, sondern die gesamte Vorstellung davon, was Kunst sein konnte. Indem die Bewegung die Handlung selbst und das Material zum Inhalt machte, ebnete sie einer Reihe späterer Strömungen den Weg und verlagerte den Schwerpunkt der Kunstwelt dauerhaft über den Atlantik. Die Idee, dass die persönliche Geste eines Künstlers den gesamten Inhalt eines Werks ausmachen konnte, wurde zu einer befreienden Kraft für nachfolgende Generationen, und der Gedanke, dass Größe und Präsenz an sich Ausdrucksmittel sind, lebt in der zeitgenössischen Kunst fort. Die Künstler der Bewegung zeigten außerdem, dass ein abstraktes Bild ebenso viel Ernsthaftigkeit und Gefühl vermitteln konnte wie das dramatischste Historiengemälde.
Der Weg zum Minimalismus und zur späteren Kunst
Bereits in den 1960er-Jahren wandte sich eine jüngere Generation gegen den leidenschaftlichen, persönlichen Ausdruck. Die großen, reinen Flächen der Farbfeldmalerei wiesen jedoch direkt auf den Minimalismus voraus, der die Reduktion noch weiter vorantrieb. Gleichzeitig inspirierte die Idee der Action Painting, Kunst als Prozess zu verstehen, die frühen Happenings und die Performancekunst. Auch die Kritik der Pop-Art an der feierlichen abstrakten Malerei war eine direkte Reaktion auf die Vorherrschaft des abstrakten Expressionismus. Diesen Faden kannst du auf unserer Seite über den Minimalismus weiterverfolgen.
Die Bewegung im Norden und in Schweden
Der abstrakte Expressionismus erreichte auch den Norden. In Schweden besteht eine deutliche Verbindung zum Moderna Museet in Stockholm, das 2012 die viel beachtete Ausstellung „Explosion! Malerei als Handlung“ mit rund fünfzig Künstlern zeigte, darunter Jackson Pollock und die japanische Gutai-Gruppe. Das Museum besitzt außerdem Werke der schwedischen abstrakten Expressionistin Britta Ringvall, wodurch die Bewegung mit der schwedischen Kunstgeschichte verknüpft wird. Die gestische, spontane Malerei fand auch schwedische Nachfolger innerhalb dessen, was manchmal als informelle Kunst bezeichnet wird, und die Ideen der Bewegung prägen bis heute, wie abstrakte Kunst in skandinavischen Sammlungen und Wohnungen wahrgenommen wird.
Die Verbindung zum Norden lässt sich auch durch die skandinavische Vorliebe für Klarheit, Licht und reduzierte Formen verstehen. Die gedämpften, meditativen Flächen der Farbfeldmalerei harmonieren gut mit dem Streben der nordischen Ästhetik nach Ruhe und Ausgewogenheit. Das könnte erklären, warum gerade Rothkos Ausdruck in schwedischen Haushalten so beliebt geworden ist. Die zeitgenössische schwedische Kunstszene pflegt das abstrakte Erbe weiterhin, und die Betonung von Material und Gestik in der Bewegung ist in vielen Gemälden wiederzuerkennen, die heute in Galerien und Museen im ganzen Land gezeigt werden.
Abstrakter Expressionismus zu Hause
Kaum eine Kunstrichtung eignet sich so gut für die Wand in einem modernen Zuhause wie der Abstrakte Expressionismus. Gerade weil die Werke nichts Bestimmtes abbilden, funktionieren sie in Räumen mit unterschiedlichen Stilrichtungen, und schon ein einziges großes abstraktes Bild kann einem ganzen Raum eine klare künstlerische Ausrichtung geben. Ein von der Farbfeldmalerei inspiriertes Poster mit ruhigen Flächen in gedämpften Farbtönen schafft einen friedvollen Eindruck im Schlaf- und Wohnzimmer, während ein expressiveres Motiv mit sichtbaren Pinselstrichen einem Flur oder Arbeitszimmer Energie verleiht.
Ein wichtiger Vorteil abstrakter Kunst besteht darin, dass sie das Auge ruhen und die Gedanken schweifen lässt. Anders als ein eindeutig gegenständliches Motiv legt ein abstraktes Werk den Betrachter nicht auf eine bestimmte Geschichte fest, sondern lädt zu eigenen Deutungen ein, die sich im Laufe der Zeit verändern. Dadurch eignet sich der Ausdruck der Bewegung besonders gut für Räume, in denen man sich lange aufhält, etwa Wohn- und Schlafzimmer. Eine gedämpfte Komposition in Grau, Ocker und tiefem Rot verleiht zeitlose Eleganz, während ein Werk mit klaren, gesättigten Farben zum Detail werden kann, das einen ansonsten neutral eingerichteten Raum aufwertet. Kombiniere es gern mit natürlichen Materialien wie Holz, Leinen und Keramik, um den abstrakten Ausdruck mit etwas Erdverbundenem und Haptischem auszugleichen.
Achte auf die Größe. Der Abstrakte Expressionismus drehte sich um Dimensionen, und dasselbe Prinzip gilt zu Hause: Ein großzügig bemessenes Poster im Format 50x70 oder 70x100 Zentimeter wird dem Ausdruck besser gerecht als mehrere kleine Motive. Wenn du mit Farben arbeiten möchtest, kannst du dich an einem der Farbtöne des Werks orientieren und Textilien oder Details darauf abstimmen. Bei uns findest du eine große Auswahl an abstrakten Postern, farbenfrohe Motive in unserer Kollektion Färgbomb sowie ruhigere Ausdrucksformen unter unseren minimalistischen Postern. Wer eine deutliche Verbindung zur Bewegung sucht, findet bei uns außerdem eine eigene Kollektion mit Motiven von Mark Rothko.
Tipp: Lass ein großes abstraktes Poster allein an einer freien Wand hängen, statt es in einer Bildergruppe dicht neben andere zu hängen. Die Werke dieser Bewegung sind dafür geschaffen, den Betrachter zu umgeben, und kommen mit viel Freiraum am besten zur Geltung. Wähle einen schlichten Holzrahmen aus Eiche oder einen schmalen schwarzen Rahmen, damit Farbe und Gestus für sich selbst sprechen.
Wenn du dich näher damit beschäftigen möchtest, wie abstrakte Kunst an der Wand wirkt, kannst du unseren Guide zu abstrakten Postern, unseren Guide zu minimalistischen Postern und unseren Text über Kunst an der Wand lesen.
Zeitleiste
Der Abstrakte Expressionismus entwickelte sich über etwa zwei Jahrzehnte. Diese Chronologie zeigt die wichtigsten Eckpunkte von den Wurzeln der Bewegung bis zu ihren späten Nachwirkungen.
1935-1943: Amerikanische Künstler werden durch die Kunstprogramme des New Deal unterstützt, und europäische Surrealisten fliehen während des Krieges nach New York. Die Grundlage für eine neue amerikanische Abstraktion wird gelegt.
1943: Arshile Gorky entwickelt seine biomorphe, halb abstrakte Formensprache und wird zu einer Brücke zwischen dem europäischen Surrealismus und der amerikanischen Abstraktion.
1946: Der Kritiker Robert Coates verwendet im The New Yorker den Begriff Abstrakter Expressionismus für amerikanische Kunst.
1947: Jackson Pollock gelingt mit seiner Tropf- und Schütttechnik der Durchbruch, wobei er die Leinwand auf den Boden legt.
1950: Pollock malt „Autumn Rhythm (Number 30)“, das heute im Metropolitan Museum of Art zu sehen ist.
1952: Der Kritiker Harold Rosenberg prägt in der Zeitschrift ARTnews den Begriff Action Painting.
1955: Willem de Kooning malt „Interchange“, das 2015 privat für etwa 300 Millionen Dollar verkauft wird.
1958-1959: Das Museum of Modern Art verbreitet die Bewegung während des Kalten Krieges durch internationale Wanderausstellungen.
1960er: Minimalismus und Pop-Art reagieren auf die Bewegung, während die Farbfeldmalerei fortbesteht.
2012: Das Moderna Museet in Stockholm zeigt „Explosion! Malerei als Handlung“ mit Pollock und der Gutai-Gruppe.
Verwandte Kunstbewegungen
Der Abstrakte Expressionismus steht in engem Dialog mit mehreren anderen Strömungen. Die Bewegung ging aus der frühen abstrakten Kunst hervor, deren Pioniere Wassily Kandinsky und Hilma af Klint die Malerei bereits Jahrzehnte zuvor vom Motiv befreit hatten. Erfahren Sie mehr über Wassily Kandinsky und über Hilma af Klint, die gewöhnlich als eine der wirklichen Wegbereiterinnen der Abstraktion gilt. Eine eigene Vertiefung zu einem der bekanntesten Namen der Bewegung finden Sie auf der Seite über Jackson Pollock und die Drip-Painting-Technik. Eine parallele europäische Stimme in denselben Nachkriegsjahren war die Cobra-Bewegung, die dänisch-belgisch-niederländische Gruppe, die zwischen 1948 und 1951 eine ebenso spontane und gestische Malerei wie ihre amerikanischen Zeitgenossen entwickelte.
Die Methode der Bewegung entwickelte die Ideen des Surrealismus über das Unbewusste weiter, und ihre großen, reinen Farbflächen wiesen auf den Minimalismus voraus. Eine zusammenhängende Übersicht über alle Kunstbewegungen und Künstler finden Sie in unserer Wissensdatenbank, in der der Abstrakte Expressionismus in seinen größeren Zusammenhang eingeordnet wird. Um historische Zusammenhänge tiefer zu verstehen, können Sie sich auch über Wikipedias Artikel über den Abstrakten Expressionismus und den Essay des Metropolitan Museum of Art über die Bewegung weiter vertiefen.
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