Abstrakte Kunst – Geschichte, Pioniere und die wichtigsten Werke der Kunstbewegung

Abstrakte Kunst ist jene Kunst, die Farbe, Form und Linie von der Aufgabe befreit, die Wirklichkeit abzubilden - und damit eine der umwälzendsten Ideen der gesamten Kunstgeschichte. Wenn ein Bild nicht mehr eine Landschaft, ein Gesicht oder eine Frucht darstellen muss, sondern durch reine Farbklänge und Rhythmen sprechen darf, eröffnet sich eine völlig neue Art, Kunst zu erleben. Es war eine stille Revolution, die sich in den ersten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts in mehreren europäischen Ateliers ereignete, und eine der Ersten, die diesen Schritt wagte, war tatsächlich eine Schwedin: Hilma af Klint, deren abstrakte Malerei heute weltweit zu den begehrtesten Motiven für Wände und Poster gehört.

Dieser Leitfaden geht den Ursprüngen der Abstraktion, ihren wichtigsten Pionieren und Werken sowie den technischen und spirituellen Grundlagen der Bewegung auf den Grund. Außerdem zeigt er, wie du selbst mit abstrakter Kunst in deinem Zuhause leben kannst. Wir klären die hartnäckige Frage, wer eigentlich das erste abstrakte Bild malte, warum die Bewegung gerade um 1910 entstand und wie ihr Vermächtnis heute in allem von der Farbfeldmalerei bis zu grafischen Postern weiterlebt.

Inhalt
↓ Was ist abstrakte Kunst?
↓ Die Entstehung der Abstraktion - mehrere Pioniere
↓ Zentrale Werke und Künstler
↓ Technik, Stil und Formensprache
↓ Einfluss und Vermächtnis der abstrakten Kunst
↓ Abstrakte Kunst im Zuhause
↓ Zeitleiste der abstrakten Kunst
↓ Verwandte Bewegungen und Künstler
↓ Häufige Fragen

Was ist abstrakte Kunst?

Abstrakte Kunst, manchmal auch gegenstandslose oder konkrete Kunst genannt, ist ein Sammelbegriff für bildende Kunst, die nicht versucht, Gegenstände der sichtbaren Welt auf erkennbare Weise wiederzugeben. Stattdessen beruht die Wirkung des Werks auf reinen Bildelementen: Farbe, Form, Linie, Fläche und Komposition. Ein abstraktes Gemälde kann völlig ohne Bezug zur Wirklichkeit sein oder von einem Motiv ausgehen, das Schritt für Schritt vereinfacht wurde, bis es nicht mehr zu erkennen ist. Die Grenze zwischen gegenständlich und abstrakt ist daher oft fließend und nicht absolut.

Der Begriff umfasst mehrere Richtungen, die ungefähr zur selben Zeit, aber mit unterschiedlichen Zielen entstanden. Die lyrische, gefühlsbetonte Abstraktion von Wassily Kandinsky strebte danach, innere Zustände ähnlich wie Musik zu malen. Die geometrische Abstraktion von Piet Mondrian und Kasimir Malewitsch suchte dagegen nach einer reinen, universellen Ordnung, die auf rechten Winkeln und Grundfarben beruhte. Allen gemeinsam war die Überzeugung, dass Kunst etwas Tieferes ausdrücken könne, wenn sie von den Anforderungen der Abbildung befreit würde - eine Idee, die stark vom zeitgenössischen Interesse an Spiritualität, Theosophie und dem neuen Weltbild der Wissenschaft geprägt war.

Schnellinfo: Entstehung etwa 1906–1915 in Europa. Die ersten bekannten abstrakten Werke wurden im Herbst 1906 von Hilma af Klint in Stockholm gemalt, fünf Jahre vor Kandinskys Durchbruch. Kandinskys Komposition V wurde 1911 in München gezeigt. Malewitschs Schwarzes Quadrat wurde im Dezember 1915 auf der Ausstellung 0.10 in Petrograd präsentiert. Hilma af Klint hinterließ mehr als 1.200 Werke. Auktionsrekord für abstrakte Kunst: Malewitschs Suprematistische Komposition (1916), 2018 bei Christie's in New York für 85,8 Millionen Dollar verkauft. Das Moderna Museet in Stockholm zeigte 2013 die erste große Retrospektive zu af Klint.

Die Geburt der Abstraktion - eine Geschichte über mehrere Pioniere

Die Frage, wer das erste abstrakte Bild malte, ist komplizierter, als sie klingt, und die Antwort hat sich im vergangenen halben Jahrhundert radikal verändert. Lange wurde Wassily Kandinsky die Ehre zugeschrieben; sein Aquarell wird gewöhnlich auf 1910 datiert, und seine Komposition V wurde 1911 in München ausgestellt - das erste vollständig abstrakte Werk, das ein breites Publikum erreichte. Kandinsky selbst festigte das Bild von sich als Vater der Abstraktion, als er 1935 an seinen Galeristen in New York schrieb und die Pionierrolle für sich beanspruchte.

Doch die Chronologie stimmt nicht. Die schwedische Künstlerin Hilma af Klint malte bereits im Herbst 1906 in ihrem Atelier in Stockholm ihre ersten vollständig abstrakten Werke - fünf Jahre vor Kandinsky und fast ein Jahrzehnt vor Mondrians reifen Kompositionen. Der Grund, weshalb sie in Vergessenheit geriet, ist bewegend: Af Klint zeigte ihre abstrakten Gemälde ihren Zeitgenossen im Grunde nie, und in ihrem Testament verfügte sie, dass diese frühestens 20 Jahre nach ihrem Tod öffentlich gezeigt werden durften. International bekannt wurde ihr Werk erst durch die Ausstellung The Spiritual in Art: Abstract Painting 1890–1985 im Los Angeles County Museum of Art 1986; die erste große Retrospektive fand 2013 im Moderna Museet in Stockholm statt.

Abstraktion war also keine einzelne Erfindung, sondern etwas, dessen Zeit gekommen war. Um 1910 standen mehrere Künstler in verschiedenen Ländern unabhängig voneinander an der Schwelle zur gegenstandslosen Kunst. Es war eine Zeit, die von rascher Industrialisierung, neuen wissenschaftlichen Entdeckungen und einer starken Sehnsucht nach geistiger Erneuerung geprägt war. Die Theosophie und Rudolf Steiners Anthroposophie zogen mehrere der Pioniere an, und der Gedanke, dass Kunst das Unsichtbare sichtbar machen könne, wurde zu einer gemeinsamen Triebkraft. Dass eine der frühesten Stimmen dieser Bewegung eine in Schweden tätige Frau war, hat die Geschichte der Abstraktion auch für die nordische Kunsttradition zu einem wichtigen Thema gemacht.

Es lohnt sich, innezuhalten und zu fragen, warum gerade die Chronologie so umstritten geworden ist. Die Geschichtsschreibung der Abstraktion stützte sich lange darauf, welche Werke öffentlich gezeigt und in der zeitgenössischen Kritik dokumentiert worden waren, nicht darauf, welche tatsächlich zuerst gemalt worden waren. Da Hilma af Klint ihre Durchbrüche bewusst geheim hielt, fiel sie aus der offiziellen Erzählung heraus, während Kandinsky sich aktiv in diese eintrug. Als Forscher ab den 1980er-Jahren begannen, zu den Primärquellen zurückzukehren - datierten Skizzen, Notizbüchern und Briefen -, musste die gesamte Zeitleiste neu gezeichnet werden. Dieser Fall gilt als Lehrbeispiel dafür, dass Kunstgeschichte keine feste Wahrheit ist, sondern eine fortlaufende Interpretation, die davon abhängt, welche Quellen hervorgehoben werden und welche Stimmen Gehör finden.

Zentrale Werke und Künstler der abstrakten Kunst

Die Abstraktion wurde von einer Handvoll Künstler geprägt, deren Werke noch immer zu den bedeutendsten der Moderne zählen. Jeder von ihnen gelangte auf seinem eigenen Weg zur gegenstandslosen Kunst - durch Musik, Mathematik, Mystik oder reine Bildlogik.

Wassily Kandinsky und die lyrische Abstraktion

Kandinsky begann als Expressionist und ließ die sichtbare Wirklichkeit allmählich hinter sich. Er interessierte sich zutiefst für den Zusammenhang zwischen Farbe und Musik und wollte, dass ein Gemälde wie ein Musikstück klingen könne. 1911 veröffentlichte er die einflussreiche Schrift Über das Geistige in der Kunst, die zur theoretischen Grundlage der gesamten Bewegung wurde. Seine Serien Kompositionen und Improvisationen trieben die Abstraktion zu einem freien, gefühlsbetonten Höhepunkt. Kandinskys Auktionsrekord wurde 2023 aufgestellt, als Murnau mit Kirche II bei Sotheby's in London für rund 44,8 Millionen Dollar zugeschlagen wurde.

Hilma af Klint und die Malerei des Unsichtbaren

Hilma af Klint schuf zwischen 1906 und 1915 ihre Werkgruppe Bilder für den Tempel, eine umfangreiche Gruppe von Werken voller Spiralen, geometrischer Formen und symbolischer Farben. Sie verstand sich selbst als Kanal für spirituelles Wissen und arbeitete in großem Format, lange bevor dies üblich wurde. Ihre mehr als 1.200 Werke waren zu ihren Lebzeiten nahezu unbekannt, doch seit der Retrospektive im Moderna Museet 2013 ist sie zu einer der meistbesuchten und geschätztesten Künstlerinnen der Welt geworden. Im Sommer 2025 wurde außerdem im alten Pfarrhaus auf Adelsö außerhalb Stockholms das weltweit erste ihr gewidmete Besucherziel eröffnet.

Kasimir Malewitsch und der Suprematismus

Der russische Künstler Kasimir Malewitsch gelangte über Kubismus und Futurismus zur Abstraktion. 1915 präsentierte er auf der Ausstellung 0.10 in Petrograd das Schwarze Quadrat, das hoch oben in einer Raumecke aufgehängt wurde - jenem Platz, der in russischen Haushalten traditionell der Ikone vorbehalten war. Damit begründete er den Suprematismus, die Lehre von der eigenen Überlegenheit von Farbe und Form, befreit von jedem äußeren Motiv. Malewitschs Suprematistische Komposition von 1916 ist das teuerste abstrakte Werk, das je versteigert wurde: 85,8 Millionen Dollar bei Christie's in New York im Jahr 2018.

Piet Mondrian und die geometrische Ordnung

Der Niederländer Piet Mondrian wandte sich allmählich vom Sichtbaren ab und vereinfachte seine Kompositionen zu einem Spiel aus vertikalen und horizontalen Linien sowie den Grundfarben Rot, Gelb und Blau zusammen mit Weiß und Schwarz. Sein reines Raster wurde zum Sinnbild der geometrischen Abstraktion und zur Grundlage der Künstlergruppe De Stijl, deren Formensprache später Architektur, Design und Typografie auf der ganzen Welt prägte. Erfahren Sie mehr auf unserer Infoseite über Piet Mondrian.

"Die Farbe ist die Taste. Das Auge ist der Hammer. Die Seele ist das Klavier mit seinen vielen Saiten." – Wassily Kandinsky, Über das Geistige in der Kunst (1911)

Technik, Stil und die Formensprache der abstrakten Kunst

Der Kern der Abstraktion besteht darin, dass die kleinsten Bestandteile des Bildes die Rolle übernehmen, die sonst das Motiv innehat. Farbe, Form, Linie und Komposition werden sowohl Thema als auch Ausdruck. Doch unter der scheinbar einfachen Oberfläche verbergen sich oft ein sehr bewusstes Handwerk und eine durchdachte Theorie.

Die Farbe als eigenständige Sprache

Für die Pioniere war Farbe nicht länger eine Eigenschaft eines Gegenstands, sondern eine Kraft an sich. Kandinsky verband bestimmte Gefühle und sogar Klänge mit verschiedenen Farbtönen, während Mondrian die Palette auf drei Grundfarben reduzierte. Diese Befreiung der Farbe ebnete den Weg für die spätere Farbfeldmalerei, in der große, gleichmäßige Farbflächen die gesamte Bildfläche ausfüllten und den Betrachter emotional umschlossen. Die neue Eigenständigkeit der Farbe hing eng mit den spirituellen Strömungen der Zeit zusammen: Sowohl Kandinsky als auch af Klint waren überzeugt, dass bestimmte Farbtöne bestimmte innere Zustände wecken konnten, ähnlich wie Töne in der Musik. Dieser Gedanke hat sich erstaunlich lange gehalten und kehrt bis heute darin wieder, wie Farbgestaltung bewusst eingesetzt wird, um in Kunst und Innenarchitektur Stimmung, Ruhe oder Energie zu erzeugen. Farbe als aktive Kraft statt als passive Eigenschaft zu verstehen, ist vielleicht der nachhaltigste Beitrag der Abstraktion zu unserer visuellen Kultur.

Geometrie kontra Gestik

Innerhalb der Abstraktion verläuft eine klare Trennlinie zwischen dem Geometrischen und dem Gestischen. Der geometrische Zweig, angeführt von Malewitsch und Mondrian, strebte nach Ordnung, Balance und einer nahezu mathematischen Klarheit. Der gestische oder lyrische Zweig, von Kandinsky bis zum späteren abstrakten Expressionismus, ließ dagegen die Bewegung der Hand, den Zufall und das Spontane die Richtung vorgeben. Beide Richtungen beruhen auf derselben Grundidee, führen jedoch zu völlig unterschiedlichen visuellen Ergebnissen.

Komposition und Balance

Da ein erkennbares Motiv fehlt, beruht die gesamte Wirkung auf der Komposition. Wie die Schwerpunkte verteilt sind, wie Leerräume und gefüllte Partien zusammenspielen und wie die Farben gegeneinander gewichtet sind, entscheidet darüber, ob das Bild harmonisch oder angespannt wirkt. Gerade deshalb erfordert gute abstrakte Kunst oft ein verfeinertes Gespür für Balance als ein traditionelles Motiv, da kein erzählerischer Inhalt einen schwachen Aufbau verbergen kann.

Material und Format

Die Befreiung durch die Abstraktion betraf nicht nur das Motiv, sondern auch das Material. Die Pioniere experimentierten mit Öl, Tempera und Aquarell, doch ihre Nachfolger erweiterten das Feld zusätzlich mit dünner, verdünnter Farbe, Collage und unerwarteten Untergründen. Hilma af Klint arbeitete schon früh in sehr großen Formaten, was für eine Künstlerin ihrer Zeit ungewöhnlich war und die nahezu räumliche Präsenz der Werke verstärkte. Mit der Zeit wurde das Format zu einem Teil des Ausdrucks: Ein großes, gleichmäßiges Farbfeld umschließt den Betrachter auf andere Weise als ein kleines, intimes Bild, und die Wahl der Größe beeinflusst daher ebenso sehr wie die Farben selbst, wie ein abstraktes Werk wahrgenommen wird.

Der Einfluss und das Erbe der abstrakten Kunst

Nur wenige Kunstrichtungen haben ein so langes und weitreichendes Nachleben erfahren wie die Abstraktion. Nach dem Zweiten Weltkrieg verlagerte sich der Schwerpunkt nach New York, wo der Abstrakte Expressionismus mit Mark Rothko und Jackson Pollock die USA zum neuen Zentrum der Kunstwelt machte. Vertiefe dich auf unserer Infoseite über den Abstrakten Expressionismus in diese Bewegung. Rothkos schwebende Farbfelder und Pollocks Drip Paintings wären ohne die früheren Durchbrüche der europäischen Pioniere undenkbar gewesen. Dass Rothkos Werke heute Preise im dreistelligen Millionenbereich in US-Dollar erzielen, zeigt, wie tief die abstrakte Idee im gesamten Kunstmarkt verankert ist.

Die Formensprache der Abstraktion verbreitete sich rasch weit über die Malerei hinaus. Mondrians Raster und De Stijl prägten Architektur und Möbeldesign, die klare Geometrie des Suprematismus inspirierte den Konstruktivismus und später das Bauhaus, dessen grafisches Erbe noch heute in Plakatkunst und Typografie sichtbar ist. Heute ist die abstrakte Bildsprache ein selbstverständlicher Bestandteil von allem, von Grafikdesign bis zur Inneneinrichtung, und die Werke der frühen Pioniere gehören weltweit zu den am häufigsten reproduzierten Motiven auf Leinwand und als Poster.

Auch die schwedische und nordische Kunst trägt deutliche Spuren der Abstraktion. Während des gesamten 20. Jahrhunderts arbeiteten Künstler im Norden mit koloristischen und konkreten Ausdrucksformen, und die Vorliebe der nordischen Tradition für Licht, Einfachheit und naturnahe Farbskalen ließ sich gut mit dem Abstrakten verbinden. Dass einer der absoluten Pioniere der Bewegung in Stockholm tätig war, hat der nordischen Kunstwelt zudem einen besonderen Stolz verliehen, und Hilma af Klints späte Anerkennung hat zu einer umfassenderen Neubewertung der Kunstgeschichtsschreibung beigetragen - nicht zuletzt, wenn es um den Platz von Künstlerinnen in dieser Erzählung geht. Diese Neubewertung dauert bis heute an und hat die Abstraktion zu einem lebendigen Forschungsfeld statt zu einem abgeschlossenen Kapitel gemacht.

Der Einfluss der Abstraktion zeigt sich auch darin, wie wir Kunst heute insgesamt wahrnehmen. Der Gedanke, dass ein Werk nichts darstellen muss, um uns zu berühren, ist in der Gegenwart so selbstverständlich, dass man leicht vergisst, wie radikal er vor gut hundert Jahren war. Jedes Mal, wenn eine betrachtende Person vor einem Farbfeld innehält und es eine Stimmung wecken lässt, statt nach einem wiedererkennbaren Motiv zu suchen, lebt die Idee der Pionierinnen und Pioniere weiter.

Abstrakte Kunst im Zuhause – ein Einrichtungsratgeber

Mit abstrakter Kunst zu leben ist etwas anderes, als ein schönes Motiv aufzuhängen. Da das Bild keine fertige Geschichte erzählt, lädt es die betrachtende Person zum Interpretieren, Assoziieren und Wiederkehren ein. Dadurch ist Abstraktion im Zuhause ungewöhnlich langlebig: Während ein eindeutiges Motiv nach einiger Zeit ausgeschöpft wirken kann, verändert sich ein abstraktes Werk weiterhin mit dem Licht, der Jahreszeit und der eigenen Stimmung. Viele erleben, dass dasselbe Bild von einem Tag zum nächsten ganz unterschiedlich zu ihnen spricht, und gerade diese Offenheit ist eine der größten Stärken der Abstraktion als Einrichtungskunst.

Abstrakte Kunst gehört zu den dankbarsten Motiven, mit denen man leben kann, gerade weil sie den Raum nicht auf ein bestimmtes Thema festlegt. Ein abstraktes Bild kann je nach Farbskala Ruhe oder Energie vermitteln und harmoniert ebenso gut mit einem klaren skandinavischen Stil wie mit einer warmen und farbenfrohen Einrichtung. Da das Motiv nicht wörtlich zu verstehen ist, kann die betrachtende Person selbst Bedeutung hineinlegen, sodass dasselbe Werk lange Zeit immer wieder neu wirken kann.

Bei der Auswahl abstrakter Kunst lohnt es sich, von den vorhandenen Farben des Raumes auszugehen. Eine ruhige, tonale Komposition in gedeckten Nuancen schafft Ruhe im Schlafzimmer, während ein grafisches Poster mit kräftigen Grundfarben einer ansonsten strengen Einrichtung Leben verleiht. Wenn du mehrere Werke miteinander kombinieren möchtest, kann eine Sammlung abstrakter Motive in verwandten Farben an einer größeren Wand ein stimmiges Gesamtbild ergeben, und eine durchdachte Bilderwand verleiht dem Raum einen klaren Blickfang. In unserer Kollektion abstrakter Poster und unter unseren grafischen Postern findest du Motive in der ganzen Bandbreite von still bis expressiv, und für die geometrische Tradition eignen sich unsere Bauhaus-Poster besonders gut. Wer sich zu den Werken der Pionierinnen und Pioniere hingezogen fühlt, kann unser Sortiment mit Hilma-af-Klint-Motiven entdecken.

Tipp: Gib einem abstrakten Bild etwas Raum. Ein einziges kraftvolles Motiv, das allein mit etwas Abstand zu den Rändern an einer Wand hängt, wirkt oft stärker als viele kleine, dicht nebeneinander hängende Werke. Wähle einen Rahmen, der einen Farbton aus dem Bild aufgreift – ein heller Rahmen verstärkt die luftige Wirkung, ein dunkler Rahmen fasst die Farbkontraste ein. Unter unseren Rahmen findest du Optionen für beide Richtungen. Weitere praktische Orientierung bieten unser Guide zu abstrakten Postern und der Guide dazu, wie du eine Bilderwand gestaltest.

Für eine grafischere und geometrischere Ausrichtung kannst du unseren Guide zu Bauhaus-Postern lesen. Wer verstehen möchte, wie die farbenfrohen Ausdrucksformen der Pioniere in zeitgemäße Einrichtung übersetzt werden, findet in unserem Artikel über Hilma af Klints Farbwelt im Zuhause weitere Informationen.

Zeitleiste der abstrakten Kunst

1906 – Hilma af Klint malt in Stockholm ihre ersten vollständig abstrakten Werke und beginnt die Arbeit an Gemälden für den Tempel.

1910 – Kandinsky datiert sein frühes abstraktes Aquarell und nähert sich der gegenstandslosen Kunst.

1911 – Kandinsky stellt Komposition V in München aus und veröffentlicht Über das Geistige in der Kunst.

1915 – Malevitsch zeigt Schwarzes Quadrat auf der Ausstellung 0.10 in Petrograd und begründet den Suprematismus.

1917 – Mondrian und Theo van Doesburg gründen in den Niederlanden die Künstlergruppe und Zeitschrift De Stijl.

1944 – Hilma af Klint stirbt und hinterlässt über 1.200 Werke, die ihrem Wunsch zufolge jahrzehntelang nicht gezeigt werden dürfen.

1948–1950 – Der abstrakte Expressionismus blüht in New York auf, angeführt von Rothko und Pollock.

1965 – Op-Art erzielt mit der Ausstellung The Responsive Eye im Museum of Modern Art in New York ihren Durchbruch.

1986 – af Klints Werke erzielen mit der Ausstellung The Spiritual in Art im Los Angeles County Museum of Art ihren internationalen Durchbruch.

2013 – Das Moderna Museet in Stockholm veranstaltet die erste große Retrospektive über Hilma af Klint.

2018 – Malevitjs Suprematistische Komposition (1916) wird für 85,8 Millionen Dollar verkauft und stellt einen Auktionsrekord für abstrakte Kunst auf.

2025 – Das weltweit erste Besucherzentrum, das Hilma af Klint gewidmet ist, wird auf Adelsö außerhalb von Stockholm eröffnet.

Verwandte Bewegungen und Künstler

Erfahren Sie mehr über die niederländische Bewegung, die die geometrische Abstraktion zu ihrer reinsten Form führte, auf der Themenseite über De Stijl. Die kompromissloseste der frühen abstrakten Richtungen war der Suprematismus, in dem Kasimir Malewitsch die Malerei 1915 auf ein schwarzes Quadrat vor weißem Grund reduzierte.

Die abstrakte Kunst entwickelte sich aus mehreren anderen Bewegungen und im Dialog mit ihnen. Wer den Zusammenhang verstehen möchte, findet daher viel in den verwandten Richtungen. Der Expressionismus war Kandinskys Ausgangspunkt, bevor er den Schritt zur völlig abstrakten Kunst machte, und der Kubismus um Pablo Picasso legte die formale Grundlage, die Malewitsch anschließend zur reinen Geometrie weiterentwickelte. Vertiefen Sie sich auf unserer Themenseite über den Kubismus in die Bewegung selbst. Die automatische Methode des Surrealismus sollte wiederum den abstrakten Expressionismus der Nachkriegszeit befruchten – erfahren Sie mehr auf der Themenseite über den Surrealismus. Gerade der abstrakte Expressionismus wurde anschließend zum Ziel der nächsten Generation, die mit Ironie und Popkultur die Pop-Art schuf. Eine Bewegung, die die reine Form der abstrakten Kunst auf die Spitze trieb, ist der Minimalismus, bei dem alles außer Form, Material und Farbe entfernt wurde. Der Zweig der geometrischen Abstraktion, der sich stattdessen auf die eigenen Grenzen des Auges konzentrierte, wird auf unserer Themenseite über die Op-Art beschrieben, in deren Mittelpunkt Victor Vasarely und Bridget Riley stehen. Das entscheidende Umfeld für den Durchbruch der Abstraktion in Deutschland war der Kreis Der Blaue Reiter, in dem Kandinsky seine Ideen von der inneren Notwendigkeit formulierte.

Zu den einzelnen Künstlern zählen Wassily Kandinsky und Hilma af Klint zu den eigentlichen Begründern. Piet Mondrian verfeinerte in De Stijl den geometrischen Zweig der Abstraktion, während Mark Rothko dieses Erbe in die Farbfeldmalerei der Nachkriegszeit weiterführte. Für einen umfassenderen Überblick darüber, wie die Abstraktion in die großen Entwicklungslinien der Kunst einzuordnen ist, empfehlen wir unseren Leitfaden zur Kunstgeschichte. Weitere Artikel über Künstler und Strömungen findest du gebündelt in unserer Wissensdatenbank. Die eng verwandte russische Avantgardebewegung wird auf der Infoseite zum Konstruktivismus beschrieben. Die Abstraktion wiederum ist ein Zweig der größeren Bewegung, die wir in unserem Leitfaden zum Modernismus behandeln.

Wenn du dich eingehender mit den Quellen befassen möchtest, kannst du mehr beim Moderna Museet über abstrakte Kunst, in der Übersicht auf der schwedischen Wikipedia sowie in Tates Analyse von Malewitschs Schwarzem Quadrat weiterlesen.

Möchtest du eine verwandte Strömung erkunden? Lies unsere ausführliche Einführung in den Futurismus – die italienische Avantgardebewegung, die Geschwindigkeit und Bewegung zur Kunst machte.

Eine Sonderstellung im Grenzbereich zwischen dem Abstrakten und dem Gegenständlichen nimmt Paul Klee ein, dessen rund 9.600 Werke die erkennbare Figur nie vollständig aufgaben.

Häufige Fragen zur abstrakten Kunst

Bereit, mit dem Ausdruck der Abstraktion zu leben? Entdecke unsere gesamte Auswahl in der Kollektion mit abstrakten Postern und finde das Motiv, das zu deinem Zuhause passt – von Hilma af Klints Spiralen bis zu geometrischen Kompositionen in klaren Grundfarben.