Aquarellmalerei – die Geschichte der Technik, Meister und Merkmale

Aquarellmalerei ist die Kunst, mit wasserlöslichen Pigmenten auf Papier zu malen, wobei das weiße Papier selbst für das Licht sorgt und die Farbe in dünnen, transparenten Schichten aufgetragen wird. Sie ist eine der ältesten Techniken der Bildenden Kunst und zugleich eine der unnachgiebigsten: Ein einmal gesetzter Pinselstrich lässt sich nicht übermalen, das Wasser bestimmt ebenso viel wie die Hand, und das Ergebnis wird entweder leuchtend oder trüb. Gerade diese Empfindlichkeit ist der Grund dafür, dass Aquarell heute zu den gefragtesten Ausdrucksformen gehört, wenn Schweden ein Bild oder Poster für ihr Zuhause auswählen – luftig, hell und mit einer Präsenz, die Ölmalerei nur selten erreicht.

Dieser Leitfaden verfolgt den Weg des Aquarells von Albrecht Dürers Feldhasen in Nürnberg 1502 über die englische Aquarellschule mit Paul Sandby, Thomas Girtin und William Turner bis zum schwedischen Durchbruch von Anders Zorn und Carl Larsson und zu heutigen Aquarellmeistern wie Lars Lerin. Sie erfahren, was Aquarell technisch von Gouache und Tempera unterscheidet, welche Werke das Genre geprägt haben, welche schwedischen Museen dieses Erbe bewahren – und wie Sie die Leichtigkeit eines Aquarells an einer Wand zur Geltung bringen, ohne dass es untergeht.

Inhalt
↓ Was ist Aquarellmalerei?
↓ Die Geschichte des Aquarells – vom Papyrus bis zu Dürer
↓ Die englische Aquarellschule – die Technik wird zur Kunst
↓ Die Meister und die wichtigsten Werke
↓ Technik, Papier und Pigmente
↓ Schwedische und nordische Aquarellmalerei
↓ Einfluss und Vermächtnis – das Aquarell heute
↓ Aquarell im Zuhause – so wählen Sie ein Motiv
↓ Zeitleiste – die Entwicklung des Aquarells
↓ Verwandte Kunstrichtungen und Künstler
↓ Häufige Fragen zur Aquarellmalerei

Was ist Aquarellmalerei?

Aquarell wird durch drei Dinge definiert: Pigmente, die mit wasserlöslichem Gummi arabicum gebunden werden, ein Papier, das durch die Farbe hindurchscheinen darf, und eine Arbeitsweise, bei der das Licht ausgespart wird, statt aufgemalt zu werden. Das Wort stammt vom italienischen acquarello, vom lateinischen aqua, Wasser. Im Gegensatz zur Ölmalerei, bei der der Künstler das Bild von dunkel nach hell aufbaut und Fehler mit einer neuen Schicht überdecken kann, arbeitet der Aquarellmaler von hell nach dunkel. Der hellste Punkt in einem Aquarell ist fast immer das unberührte Papier.

Die Technik ist eng mit Gouache verwandt, die dasselbe Bindemittel verwendet, jedoch unter Zugabe von Kreide oder weißem Pigment, sodass die Farbe deckend wird. In der Fachsprache wird die deckende Variante oft bodycolour genannt, und viele der berühmtesten Aquarelle der Geschichte – Dürers Feldhase ist das klassische Beispiel – verbinden beide Techniken. Tempera, die mit Eigelb gebunden wird, und Tusche, die aus Ruß in Wasser besteht, gelten als eigenständige Techniken, auch wenn sie in Museumssammlungen von Kunst auf Papier häufig unter derselben Rubrik geführt werden.

In der Aquarellmalerei gibt es vier grundlegende Arbeitsweisen. Die Lasur, bei der dünne durchsichtige Schichten aufgetragen werden, nachdem die vorherige getrocknet ist, verleiht Tiefe und Kontrolle. Nass-in-Nass, bei dem Farbe auf bereits feuchtes Papier aufgetragen wird, erzeugt weiche Übergänge und die dramatischen Himmel, für die Turner berühmt wurde. Der Trockenpinsel, bei dem mit minimalem Wasser über raues Papier gestrichen wird, erzeugt Textur und Glitzern. Das Aussparen, bei dem das Papier unberührt bleibt oder mit Maskierflüssigkeit geschützt wird, lässt das Licht in einem Aquarell so wirken, als käme es aus dem Bildinneren. Dieselbe Lichtwirkung suchen viele heute bei Postern mit Naturmotiven, bei denen die Leichtigkeit des Aquarells zu einer eigenen Bildsprache geworden ist.

Schnellinfo: Albrecht Dürers Feldhase (1502) und Das große Rasenstück (1503), beide Aquarell- und Deckfarben auf Papier, werden in der Albertina in Wien aufbewahrt; der Hase gelangte 1691 in die Sammlung. Die Society of Painters in Water-Colours, die weltweit erste Aquarellgesellschaft, wurde am 30. November 1804 im Stafford Coffee House in London gegründet und erhielt 1881 als Royal Watercolour Society eine königliche Satzung. William Winsor und Henry Newton brachten 1832 die ersten feuchten Aquarellfarben in Näpfchen und 1834 Chinesischweiß auf den Markt. Turners Aquarell The Blue Rigi (1842) wurde am 5. Juni 2006 für 5,8 Millionen Pfund verkauft - ein Rekord für ein britisches Aquarell - und 2007 für die Tate gerettet, nachdem mehr als 11.000 Privatpersonen 550.000 Pfund gespendet hatten. Anders Zorns Aquarell Vårt dagliga bröd (1886, 68 × 102 cm) hängt im Nationalmuseum in Stockholm, und sein Aquarell Sommarnöje (1886) wurde am 3. Juni 2010 für 26 Millionen Kronen verkauft. Das Nordische Aquarellmuseum in Skärhamn auf Tjörn wurde am 17. Juni 2000 eröffnet und empfängt jährlich zwischen 100.000 und 200.000 Besucher.

Die Geschichte der Aquarellmalerei - vom Papyrus bis Dürer

Wassergebundene Pigmente auf Papier oder Papyrus sind älter als fast jede andere erhaltene Bildkunst. Ägyptische Schreiber illustrierten bereits um 1500 v. Chr. Totenbücher mit Mineralpigmenten in Wasser und Gummi, und in China entwickelte sich während der Tang-Dynastie (618–907) die Tuschemalerei auf Seide und Reispapier, die praktisch den ostasiatischen Zweig der Aquarellmalerei darstellt. In Europa blieb die Wasserfarbe jedoch mehr als tausend Jahre lang ein Werkzeug für Buchmaler, Kartografen und Architekten - etwas, das man zum Erklären und nicht zum Ausdrücken verwendete.

Buchmalerei des Mittelalters und Studien der Renaissance

Die Miniaturen mittelalterlicher Handschriften wurden mit deckender Wasserfarbe auf Pergament gemalt, und dort entstehen die europäischen Pigmenttraditionen: Ultramarin aus Lapislazuli, Zinnober, Malachitgrün und Blattgold. Als Papier im 15. Jahrhundert billiger wurde, begannen Künstler, Wasserfarbe für vorbereitende Studien zu verwenden - schnelle Notizen von Licht und Farbe als Vorbereitung auf ein Ölbild oder Fresko. Es war eine Arbeitstechnik, die nur selten zur Präsentation bestimmt war.

Albrecht Dürer veränderte dies. Auf seinen Reisen über die Alpen 1494–1495 malte er Landschaftsaquarelle, die keine Studien für etwas anderes, sondern fertige Bilder eigenen Rechts waren – die ersten eigenständigen Landschaftsaquarelle der westlichen Kunst. Und 1502 malte er in seiner Werkstatt in Nürnberg den Feldhasen, einen lebensgroßen Feldhasen, bei dem jedes Haar mit einem so feinen Pinselstrich gezeichnet ist, dass man die Lichtreflexion im Auge des Tieres erkennen kann. Dem Werk folgte 1503 Das große Rasenstück, ein Erdklumpen mit Löwenzahn, Rispengras und Breitwegerich, wiedergegeben mit einer Genauigkeit, die keine botanische Illustration zuvor erreicht hatte. Mehr über den Künstler erfährst du auf unserer Seite über Albrecht Dürer.

Botanik, Topografie und die Lavierung, die zur Kunst wurde

Im 17. und 18. Jahrhundert lebte das Aquarell in drei praktischen Zusammenhängen weiter. Botanische Illustratoren wie Maria Sibylla Merian, die 1705 ihr Werk über die Insekten Surinams veröffentlichte, verwendeten Aquarellfarben, um Pflanzen und Tiere farbgenau wiederzugeben. Militärische Topografen erlernten die Aquarellmalerei, um Befestigungen und Gelände zu zeichnen; als Zeichenlehrer an der Royal Military Academy in Woolwich bildete Paul Sandby ab 1768 eine ganze Generation englischer Aquarellmaler aus. Die dritte Tradition war die lavierte Zeichnung, bei der der Künstler mit der Feder zeichnete und anschließend dünne Töne aus Bister oder Tusche auftrug. Wie sich die botanische Tradition zu einem eigenen Genre entwickelte, kannst du auf der Seite über botanische Kunst lesen.

Die englische Aquarellschule – Technik wird Kunst

In England wandelt sich das Aquarell zwischen etwa 1750 und 1850 vom Handwerk zur Kunstform, und der Grund dafür ist ebenso sozial wie künstlerisch. Die Bildungsreise der englischen Oberschicht, die Grand Tour, schuf eine Nachfrage nach Erinnerungsbildern aus Italien und den Alpen. Papier war leicht zu transportieren, die Farbe trocknete schnell, und das neue Interesse an der pittoresken Landschaft führte dazu, dass ein Aquarell aus dem Lake District in einem Salon hängen konnte, ohne als anspruchslos zu gelten. Paul Sandby, der 1768 zu den Gründern der Royal Academy gehörte, wird oft als Vater des englischen Aquarells bezeichnet, gerade weil er zeigte, dass die Technik eine ganze Landschaft tragen konnte.

Girtin, Cozens und die reine Lasur

Thomas Girtin, im selben Jahr wie Turner, 1775, geboren und bereits 1802 im Alter von 27 Jahren gestorben, war derjenige, der die Aquarellmalerei von den Federstrichen der lavierten Zeichnung befreite. Statt zunächst Konturen zu zeichnen und sie anschließend auszumalen, baute Girtin seine Landschaften direkt mit breiten, transparenten Lasuren in warmem Braun, Blau und Grau auf grobem Papier auf, das das Licht an der Oberfläche hielt. Turner soll gesagt haben, dass er selbst verhungert wäre, wenn Tom Girtin weitergelebt hätte. John Robert Cozens, dessen Aquarelle aus den 1770er- und 1780er-Jahren John Constable dazu brachten, ihn als „größtes Genie der Landschaftsmalerei“ zu bezeichnen, zeigte, wie ein Aquarell eher Stimmung als Information vermitteln konnte.

Eine eigene Gattung – 1804

Die Royal Academy betrachtete Aquarelle noch immer als etwas für Amateure und Damen und hängte Aquarelle bei ihren Ausstellungen in schlechteren Räumen auf. Deshalb trafen sich Robert Hills, William Henry Pyne, Samuel Shelley und William Frederick Wells am 30. November 1804 im Stafford Coffee House an der Oxford Street in London und gründeten die Society of Painters in Water-Colours. Die erste eigene Ausstellung 1805 lockte rund 12.000 Besucher an und wurde zu einem kommerziellen Durchbruch. Die Gesellschaft besteht heute als Royal Watercolour Society fort, besitzt seit 1881 eine königliche Satzung und ist die älteste Aquarellgesellschaft der Welt.

Turner – das Aquarell als Licht

Joseph Mallord William Turner führte die Technik dann dorthin, wo noch niemand gewesen war. Er kratzte mit dem Fingernagel und der Messerspitze ins Papier, um weiße Funken hervorzuholen, arbeitete nass in nass, bis Himmel und Wasser zu einer einzigen aufgelösten Bewegung wurden, und nutzte die Transparenz des Aquarells, um das Licht selbst zu malen, statt das, worauf das Licht fiel. Bei seinem Tod 1851 hinterließ er dem britischen Staat rund 37.500 Skizzen und Aquarelle, eine Schenkung, die heute den Kern der Sammlung der Tate Britain bildet und die das Museum anlässlich des 250. Jahrestags seiner Geburt vollständig zu katalogisieren versucht. Unsere Seite über William Turner geht näher auf seine Stürme und Sonnenuntergänge ein.

Die Meister und die wichtigsten Werke

Der Kanon der Aquarellmalerei ist kürzer als der der Ölmalerei, weil Papier lichtempfindlich ist und Museen die Werke selten dauerhaft ausstellen können. Hier sind die Werke, die definiert haben, was ein Aquarell sein kann.

Albrecht Dürer – Feldhase (1502)

Ein Tier, ein leeres Blatt Papier und ein Licht, das von links kommt. Dürers Hase ist 25,1 × 22,6 cm groß, mit Aquarell- und Deckfarben gemalt und unter der Jahreszahl 1502 mit dem berühmten Monogramm AD signiert. Das Werk blieb bis zu Dürers Tod 1528 in seiner Werkstatt, wurde vom Nürnberger Patrizier Willibald Imhoff gekauft, 1588 an Kaiser Rudolf II. verkauft und gelangte 1691 in die Sammlung, aus der die Albertina in Wien hervorging. Aus konservatorischen Gründen wird das Original nur einige Monate alle fünf Jahre gezeigt; dazwischen stellt das Museum ein Faksimile aus. Dass das Bild noch immer Österreichs meistvervielfältigtes Kunstwerk ist, sagt viel darüber aus, warum die Präzision des Aquarells nie aus der Zeit gefallen ist.

William Turner – The Blue Rigi (1842)

Der Rigi am Vierwaldstättersee im Morgengrauen, gemalt in einem einzigen Blauton, der von fast Weiß bis zu tiefem Indigo reicht. Turner malte drei Versionen des Rigi – die blaue, die rote und die dunkle – und die blaue gilt als Höhepunkt seiner Aquarellkunst. Als sie am 5. Juni 2006 bei Christie's für 5,8 Millionen Pfund verkauft wurde, war sie das teuerste britische Aquarell aller Zeiten. Es wurde ein Ausfuhrverbot erlassen, Tate durfte es für 4,95 Millionen Pfund erwerben, und 2007 konnte es nach London gebracht werden, nachdem der Art Fund 500.000 Pfund beigesteuert und über 11.000 Privatpersonen 550.000 Pfund gesammelt hatten. Seit 2007 besitzt Tate alle drei Rigi-Aquarelle in derselben Sammlung.

Anders Zorn – Unser tägliches Brot (1886)

Eine Gruppe von Frauen und Kindern macht Rast an einem Feld in Mora, die Kartoffeln kochen über offenem Feuer, und im Vordergrund sitzt Zorns eigene Großmutter. Das 68 × 102 cm große Werk entstand, nachdem das Nationalmuseum den 26-jährigen Zorn ermuntert hatte, ein "vaterländisches" Motiv zu malen, und ist heute vielleicht das meistbewunderte Aquarell des Museums. Zorn hatte bereits gezeigt, dass das Aquarell alles leisten konnte, was das Ölbild vermochte: Sommervergnügen, im selben Jahr in Dalarö gemalt, zeigt seine Frau Emma und einen Mann in einem Ruderboot in einem Sonnenglitzern, das reine Technik ist – ausgespartes Papier, Nass-in-Nass-Malerei und Trockenpinsel in ein und demselben Bild. Als Sommervergnügen am 3. Juni 2010 im Stockholms Auktionsverk für 26 Millionen Kronen verkauft wurde, war dies bis dahin der höchste Preis, der in Schweden auf einer Auktion für ein schwedisches Kunstwerk gezahlt worden war.

"Das Aquarell ist die schwierigste aller Techniken, denn es verzeiht keine Reue." – Anders Zorn zugeschrieben, wiedergegeben im Sammlungskatalog des Zornmuseums

Carl Larsson – Ein Zuhause (1894–1899)

Sechsundzwanzig Aquarelle aus Lilla Hyttnäs in Sundborn, 1899 von Bonniers in Buchform veröffentlicht und heute in der Sammlung des Nationalmuseums. Das Blumenfenster, Die Leseecke, Mamas und der kleinen Mädchen Zimmer und Der Krebsfang sind seit mehr als hundert Jahren Urbilder der schwedischen Inneneinrichtung: weiße Möbel, rote und grüne Paneele, Textilien von Karin Larsson und sich bewegende Kinder. Larsson wählte das Aquarell bewusst – die Technik passte besser zum hellen, luftigen Zuhause als die Schwere des Öls, und sie ließ sich im Druck reproduzieren, sodass die Bilder weit über das Museum hinaus Verbreitung finden konnten. In der Praxis ist dies die erste schwedische Bildserie, die zur Inneneinrichtung wurde, und unsere Seite über Carl Larsson erzählt, wie sie entstand.

John Singer Sargent – die Aquarelle aus Venedig und den Alpen

Der amerikanische Gesellschaftsporträtist John Singer Sargent hatte um 1907 genug von Auftragsbildnissen und widmete den Rest seines Lebens dem Aquarell – etwa 2.000 Blätter aus Venedig, Korfu und den Alpen. 1909 kaufte das Brooklyn Museum auf einmal 83 seiner Aquarelle, und 1912 erwarb das Museum of Fine Arts in Boston 45. Sargent zeigte, dass das Aquarell ebenso schnell, sicher und sinnlich sein konnte wie das Ölbild der Impressionisten.

Technik, Papier und Pigmente

Keine andere Maltechnik ist so stark von ihrem Material abhängig. Ein Ölgemälde kann grundsätzlich auf fast jedem Untergrund entstehen; ein Aquarell ist in gleichem Maße ein Werk des Papiers wie des Pinsels. Deshalb ist die Geschichte des Aquarells auch die Geschichte der Papierfabriken, Farbfabriken und der Chemie.

Das Papier – 100 Prozent Baumwolle und drei Oberflächen

Hochwertiges Aquarellpapier wird aus Baumwoll-Linters hergestellt, nicht aus Holzmasse, und innen wie außen mit Gelatine geleimt, damit das Wasser lange genug an der Oberfläche bleibt, um die Farbe steuern zu können. Das Gewicht wird in Gramm pro Quadratmeter angegeben: 185 g ist dünn und muss aufgespannt werden, 300 g ist Standard und 640 g hält Nass-in-Nass ohne sich zu wölben aus. Die Oberfläche gibt es in drei Varianten: heißgepresst (glatt, für Details und Botanik), kaltgepresst (leicht strukturiert, die häufigste Variante) und rau (für Trockenpinseltechnik und Landschaften). Die englische Papiermühle Whatman, die in den 1740er-Jahren in Kent gegründet wurde, stellte ab 1757 das erste Velinpapier ohne Rippeln vom Sieb her, und es ist kein Zufall, dass die englische Aquarellschule in denselben Jahrzehnten entstand. Turner, Girtin und Cozens malten alle auf Whatman.

Die Farbe – von trockenen Näpfchen zu feuchten Schälchen

Bis ins 18. Jahrhundert rieb jeder Künstler seine eigenen Pigmente in Gummi arabicum. 1766 begann William Reeves in London, fertige, trockene Aquarellnäpfchen zu verkaufen, die mit dem Pinsel angefeuchtet wurden – eine Erfindung, die die Technik reisenden Amateuren zugänglich machte und 1781 von der Society of Arts ausgezeichnet wurde. Den nächsten Schritt machten der Chemiker William Winsor und der Künstler Henry Newton, die 1832 feuchte Aquarellfarben in kleinen Porzellanschälchen auf den Markt brachten – die Pans, die noch heute verwendet werden – und 1834 Chinesischweiß einführten, ein Zinkweiß, mit dem sich helle Farbtöne auf dunkle auftragen ließen, ohne dass die Farbe kreidig wurde. Ab 1846 gab es Farbe in Metalltuben, und das Aquarell konnte unter denselben Bedingungen wie das Ölbild mit hinaus in die Landschaft genommen werden.

Licht, Transparenz und das Unwiderrufliche

Was ein Aquarell zum Leuchten bringt, ist das Licht, das durch die Farbschicht fällt, auf das weiße Papier trifft und durch das Pigment zurückreflektiert wird. Je mehr Schichten, desto weniger Licht kommt zurück, und deshalb ist das gekonnteste Aquarell oft dasjenige, das am wenigsten tut: zwei oder drei Lasuren, viel weißes Papier und eine Entscheidung darüber, wo die Dunkelheit liegen soll, bevor der Pinsel eingetaucht wird. Das Unwiderrufliche der Technik ist zugleich ihre Ästhetik: Der Betrachter sieht die Geschwindigkeit der Hand und den Zufall des Wassers als Teil des Bildes. Wenn du verstehen möchtest, wie diese Bewegung aus nächster Nähe wirkt, findest du in unserem Leitfaden zum Authentizitätseffekt – Original versus Reproduktion einen guten Einstieg.

Schwedische und nordische Aquarellmalerei

Nur wenige Länder haben im Verhältnis zu ihrer Größe eine so starke Aquarelltradition wie Schweden, und das liegt an zwei Männern, die im Abstand von sieben Jahren in Dalarna und Stockholm geboren wurden: Carl Larsson (1853) und Anders Zorn (1860). Doch die Tradition ist sowohl älter als auch breiter.

Egron Lundgren und die reisenden Aquarellisten des 19. Jahrhunderts

Egron Lundgren (1815–1875) aus Stockholm ist der Pionier der schwedischen Aquarellmalerei. Nach Studien in Paris und zwölf Jahren in Italien und Spanien begleitete er 1858 die britische Armee als Kriegsmaler nach Indien und wurde zu einem der angesehensten ausländischen Mitglieder der englischen Aquarellschule; Königin Victoria kaufte seine Blätter, und das Nationalmuseum bewahrt heute mehrere Hundert seiner Aquarelle. Lundgren zeigte einem schwedischen Publikum, dass Aquarell große Kunst sein konnte, und seine englischen Kontakte brachten die britische Technik – transparente Lasuren auf grobem Papier – nach Schweden.

Zorn – der schwedische Weltstar der Aquarellmalerei

Anders Zorn malte bis 1887 fast ausschließlich in Aquarell, als er während eines Aufenthalts in St Ives in Cornwall zur Ölmalerei wechselte. Die sieben Jahre davor markieren den Höhepunkt des schwedischen Aquarells: Unser tägliches Brot, Sommervergnügen, Ruderrennen und die Londonbilder aus der Mitte der 1880er-Jahre zeigen eine technische Sicherheit, die damals niemand in Europa übertraf. Das Zorn-Museum in Mora, 1939 eröffnet, bewahrt zusammen mit dem Nationalmuseum den größten Teil der Aquarelle, und als Bukowskis in Stockholm das Ölgemälde Sonntagmorgen für 35,25 Millionen Kronen verkaufte, wurde ein neuer Rekord für schwedische Kunst aufgestellt – doch es war das Aquarell, das seinen Namen begründete. Seine gesamte Karriere, von Mora nach Paris und zurück, findet sich auf unserer Seite über Anders Zorn.

Nordisches Aquarellmuseum – ein Museum für eine einzige Technik

Dass Schweden das einzige Land der Welt mit einem größeren Museum für Aquarellmalerei hat, sagt einiges über die Stellung dieser Technik hier aus. Das Nordische Aquarellmuseum in Skärhamn auf Tjörn wurde am 17. Juni 2000 eröffnet, nach einem Architekturwettbewerb von 1996, der mit 386 eingereichten Vorschlägen bis dahin der größte in den nordischen Ländern war; die Gewinner, die Dänen Niels Bruun und Henrik Corfitsen, entwarfen ein lang gestrecktes rotes Gebäude auf den Klippen am Bottnafjord. Das Museum empfängt jährlich zwischen 100.000 und 200.000 Besucher, kauft laufend nordische zeitgenössische Aquarelle an und zeigt 2026 eine Sommerausstellung mit Asger Jorn und Per Kirkeby (10. Mai–6. September), gefolgt von Aquarellen und Zeichnungen von Britta Marakatt-Labba im Herbst und Winter 2026–2027. Auf der anderen Seite des Vänern, in Karlstad, eröffnete Lars Lerin 2012 die Kunsthalle Sandgrund mit seinen eigenen Werken – Lerin, 1954 in Munkfors geboren, gilt heute als bedeutendster Aquarellist der nordischen Länder, mit grau getönten Winterlandschaften und verlassenen Häusern in Formaten, die oft größer als ein Meter sind. Das umfassendere Bild davon, wie das nordische Licht unsere Kunst geprägt hat, findet sich auf der Seite über nordische Kunst.

Einfluss und Vermächtnis – das Aquarell heute

Das Aquarell hatte nie einen eigenen „Ismus“ – es ist eine Technik, keine Bewegung –, aber es war an fast allen beteiligt. Cézanne malte 1900–1906 Aquarelle des Mont Sainte-Victoire, auf denen die Farbflecken frei auf dem Papier liegen, und diese Blätter zeigten den Kubisten, wie eine Form durch Farbe statt durch Konturen aufgebaut werden kann. Emil Nolde schuf während des Malverbots von 1938–1945 heimlich rund 1.300 kleine Aquarelle, und Paul Klee nutzte die Transparenz des Aquarells für die geschichteten Farbfelder, die zu seinem Markenzeichen am Bauhaus wurden.

In Schweden reicht die ununterbrochene Entwicklung der Technik von Zorn über Bruno Liljefors, der seine Vögel in Aquarell malte, bevor sie zu Ölgemälden wurden, bis zu Carl Fredrik Hill, dessen Zeichnungen und Aquarelle aus den Krankheitsjahren in Lund 1883–1911 – rund 3.500 Blätter – heute als eine der wichtigsten Vorarbeiten der schwedischen Moderne gelten. Lies mehr darüber auf unseren Seiten über Carl Fredrik Hill und die Romantik, die seine frühen Landschaften prägte, Romantik. Auch der japanische Holzschnitt, dessen flache Farbflächen und leere Bereiche seit den 1860er-Jahren die westliche Kunst beeinflussen, beruht auf demselben Prinzip wie das Aquarell: das Papier als Licht, die Farbe als Lasur. Dieser Zusammenhang wird auf der Seite über japanische Kunst und Ukiyo-e erklärt.

Heute ist Aquarell die gefragteste Maltechnik im Druck. Der Grund ist einfach: Das Original besteht bereits aus Pigment auf Papier, und ein Poster nach einem Aquarell kommt der Vorlage daher näher, als es ein Poster nach einem Ölgemälde jemals könnte.

Aquarelle im Zuhause – so wählst du das Motiv

Die Stärke eines Aquarells an einer Wand ist seine Leichtigkeit, und genau das ist auch seine Schwäche. Ein blasses Aquarell an einer weißen Wand kann völlig verschwinden, während dasselbe Bild an einer dunkelgrauen oder grünen Wand plötzlich leuchtet.

Wandfarbe und Passepartout erledigen den Job

Ein Aquarell braucht Luft um sich herum. Ein breites, weißes Passepartout – mindestens 5 cm, gerne 8 – stellt das weiße Papier rund um das Motiv wieder her und lässt die Farbe vor einem passenden Hintergrund leuchten. Der Rahmen sollte dünn und hell sein: Eiche, Esche oder weiß lackiertes Holz. Schwarze Rahmen funktionieren nur bei ausdrucksstarken Aquarellen wie denen von Zorn oder Lerin. Seit 2024 beobachten wir, dass sich immer mehr Menschen dafür entscheiden, helle Aquarelle an farbigen Wänden aufzuhängen – Salbeigrün, Terrakotta, Dunkelblau – und das ist die größte einzelne Veränderung in der Verwendung dieser Technik bei der Einrichtung. Unser Guide zu Postern für dunkle Wände zeigt genau, welche Kombinationen funktionieren.

Raum für Raum

Im Schlafzimmer kommen die weichen Übergänge der Aquarellmalerei am besten zur Geltung: ein Dunst über dem Wasser, eine blasse botanische Studie, ein getönter Himmel in zwei Farben. Im Wohnzimmer darf das Aquarell gerne größer und kräftiger sein – eine Landschaft im Format 50 × 70 cm oder eine Serie aus drei botanischen Blättern im selben Rahmen bildet einen ruhigen Mittelpunkt, ohne zu dominieren. Im Flur funktionieren detailreiche Aquarelle nach Dürers Vorbild, da man nahe daran vorbeigeht. Bad und Küche sind die Räume, in denen ein Aquarell-Poster einem Original tatsächlich vorzuziehen ist, da Feuchtigkeit der Feind der Papierkunst ist. Mehr dazu erfährst du in unserem Guide zur Auswahl der richtigen Kunst für dein Zuhause.

Tipp: Hänge ein Aquarell – ob Original oder Druck – niemals in direktes Sonnenlicht. Die Pigmente auf Papier verblassen schneller als Ölfarben, und ein nach Süden ausgerichtetes Fenster kann ein Bild innerhalb weniger Jahre sichtbar verändern. Wähle eine Wand mit indirektem Tageslicht, verwende UV-Schutzglas, wenn du selbst rahmst, und kombiniere gerne zwei oder drei Aquarelle in derselben hellen Rahmenart, damit die Leichtigkeit als bewusstes Ganzes wirkt, statt dünn zu erscheinen. Ein breites Passepartout bewirkt bei einem Aquarell mehr als jeder Rahmen.

Bei Bozetto findest du die Motivwelt der Aquarellmalerei in mehreren Kollektionen – luftige botanische Poster im Stil Dürers und Merians, klassische Landschafts- und Figurenmotive unter den Postern berühmter Künstler sowie helle Farbtöne in beigefarbenen Postern, die besonders gut vor farbigen Wänden zur Geltung kommen. Wie du sie anschließend zusammenstellst, erfährst du in unserem Guide für die Bilderwand.

Zeitleiste – die Entwicklung der Aquarellmalerei

Ca. 1500 v. Chr. – Ägyptische Schreiber illustrieren Totenbücher mit wassergebundenen Mineralpigmenten auf Papyrus.

1494–1495 – Albrecht Dürer malt während seiner Reise über die Alpen die ersten eigenständigen Landschafts-Aquarelle Europas.

1502-1503 – Dürer malt Feldhase und Das große Rasenstück in Nürnberg; beide befinden sich heute in der Albertina in Wien.

1705 – Maria Sibylla Merian veröffentlicht Metamorphosis insectorum Surinamensium mit aquarellierten Tafeln.

1757 – James Whatman stellt das erste Velinpapier her, das zum Malgrund der englischen Aquarellschule wird.

1766 – William Reeves verkauft in London die ersten fertigen Aquarellnäpfchen.

1804 – Die Society of Painters in Water-Colours wird am 30. November in London gegründet; die erste Ausstellung findet 1805 statt.

1832–1834 – Winsor & Newton bringt feuchte Aquarellfarben in Näpfchen sowie Chinesischweiß auf den Markt.

1842 – Turner malt The Blue Rigi, heute in der Tate Britain.

1858 – Egron Lundgren begleitet die britische Armee in Indien und wird Schwedens erster international anerkannter Aquarellist.

1886 – Anders Zorn malt Vårt dagliga bröd und Sommarnöje.

1899 – Carl Larssons Ett hem mit 26 Aquarellen wird von Bonniers herausgegeben.

1909 – Das Brooklyn Museum kauft 83 Aquarelle von John Singer Sargent.

2000 – Das Nordische Aquarellmuseum wird am 17. Juni in Skärhamn auf Tjörn eröffnet.

2007 – Tate erwirbt The Blue Rigi nach einer Spendenkampagne mit über 11.000 Unterstützern.

2010 – Zorns Sommarnöje wird im Stockholmer Auktionshaus für 26 Millionen Kronen verkauft.

2012 – Lars Lerin eröffnet die Kunsthalle Sandgrund in Karlstad.

2025–2026 – Tate Britain feiert Turners 250. Geburtstag und zeigt Turner and Constable vom 27. November 2025 bis zum 12. April 2026.

Verwandte Kunstbewegungen und Künstler

Aquarellmalerei zieht sich durch die gesamte Kunstgeschichte, und mehrere unserer Informationsseiten vertiefen einzelne Aspekte. Albrecht Dürer schuf die ersten Meisterwerke dieser Technik, William Turner machte sie zum Medium des Lichts, und Anders Zorn und Carl Larsson gaben ihr ein schwedisches Zuhause. Wer die Motive der Aquarellmalerei in einem breiteren Zusammenhang verstehen möchte, findet weitere Informationen auf den Seiten über Landschaftsmalerei, botanische Kunst und Marinemalerei. Alle unsere Informationsseiten über Künstler, Bewegungen und Genres sind in Bozettos Wissensdatenbank zusammengestellt.

Wenn du zu den Quellen gehen möchtest, findest du Dürers Hasen in der Sammlungspräsentation der Albertina, Turners Aquarelle in Tates Turner 250, Zorns Unser tägliches Brot in der Sammlungsdatenbank des Nationalmuseums und die eigene Geschichte des Museums beim Nordischen Aquarellmuseum.

Häufige Fragen zur Aquarellmalerei

Von Dürers Hase bis zu Zorns Sonnenglitzern zeigt die Aquarellmalerei seit über fünfhundert Jahren, dass sich Licht mit fast nichts malen lässt - mit Wasser, Pigment und einem weißen Blatt Papier. Wenn du diese Leichtigkeit mit nach Hause nehmen möchtest, findest du helle Landschaften, botanische Studien und klassische Meister unter den Postern berühmter Künstler bei Bozetto.