Amedeo Modigliani – Porträts, lange Hälse und Montparnasse

Amedeo Modigliani malte Gesichter, die niemand übersieht: lange Hälse, ovale Köpfe, mandelförmige Augen ohne Pupillen und eine Haltung, die zugleich verletzlich und königlich ist. Seine Kunst gehört heute zu den meistvervielfältigten der Welt, und ein Poster mit einem Modigliani-Porträt ist selbst für jemanden, der den Namen noch nie gehört hat, aus ein paar Metern Entfernung zu erkennen. Dennoch verkaufte er zu Lebzeiten kaum etwas. Er starb im Alter von fünfunddreißig Jahren in einem Wohltätigkeitskrankenhaus in Paris, ohne Geld, und seine einzige Einzelausstellung wurde nach wenigen Stunden von der Polizei geschlossen.

Er wurde am 12. Juli 1884 in Livorno geboren und starb am 24. Januar 1920 in Paris. Dazwischen liegen vierzehn Jahre in Montparnasse, eine Zeit, die sich um Skulpturen, Porträts und eine Handvoll Aktstudien schließt, die hundert Jahre später Preise erzielen, die nur wenige Werke der Kunstgeschichte erreichen. Diese Seite gibt einen Überblick über sein Leben, seine wichtigsten Werke, die Technik, die seine Figuren sofort erkennbar macht, seinen Platz in der schwedischen und nordischen Museumswelt – und darüber, wie seine Bildwelt tatsächlich an einer Wand in einem schwedischen Zuhause wirkt.

Inhalt
↓ Wofür ist Modigliani bekannt?
↓ Von Livorno nach Montparnasse – ein Leben in fünfunddreißig Jahren
↓ Modiglianis wichtigste Werke
↓ Technik, Form und künstlerische Signatur
↓ Der Skandal, die Fälschungen und das Vermächtnis
↓ Modigliani in Schweden und den nordischen Ländern
↓ Modigliani an der Wand – praktischer Einrichtungsratgeber
↓ Zeitstrahl aus Modiglianis Leben
↓ Verwandte Künstler und Bewegungen
↓ Häufige Fragen zu Modigliani

Wofür ist Modigliani bekannt?

Amedeo Modigliani ist für drei Dinge bekannt: seine Porträts mit verlängerten Hälsen und leeren mandelförmigen Augen, seine liegenden Aktstudien aus den Jahren 1916–1917 und dafür, dass er lange nach seinem Tod zu einem der absoluten Spitzenkünstler des Auktionsmarktes wurde. Am 9. November 2015 wurde das Gemälde Nu couché aus den Jahren 1917–1918 bei Christie's in New York für 170.405.000 Dollar inklusive Aufgeld versteigert. Es war damals der zweithöchste Preis, der je bei einer Auktion für ein Kunstwerk bezahlt worden war, übertroffen nur von Picassos Les femmes d'Alger, das im Mai desselben Jahres für 179 Millionen Dollar verkauft worden war. Die Leinwand hatte sich rund sechzig Jahre lang in derselben Privatsammlung befunden.

Er war ebenso sehr Bildhauer wie Maler. Zwischen etwa 1909 und 1914 gab er die Malerei fast vollständig zugunsten des direkten Meißelns in Stein auf, und auf dem Salon d'Automne in Paris stellte er 1912 eine Gruppe von zwölf Steinköpfen aus – schmale, säulenartige Gesichter, bei denen die Nase wie eine gerade Kante durch die gesamte Form verläuft. Es war der Steinstaub, der ihn schließlich zurück zur Leinwand zwang: Seine Lungen vertrugen ihn nicht.

Das Dritte, wofür er bekannt ist, ist seine Biografie. Modigliani ist der Künstler, der mehr als jeder andere die Rolle des tragischen Genies von Montparnasse verkörpern musste, und dieses Bild hat die Rezeption seiner Kunst sowohl getragen als auch beschädigt. Wenn du sehen möchtest, wie sich seine Generation zur Kunstgeschichte insgesamt verhält, findest du einen Überblick in unserer Darstellung der Moderne als Epoche.

Schnellinfo: Amedeo Clemente Modigliani, geboren am 12. Juli 1884 in Livorno in der Toskana, gestorben am 24. Januar 1920 in Paris im Alter von 35 Jahren. Italienischer Maler und Bildhauer, ab 1906 in Paris tätig. Aufgewachsen in einer sephardisch-jüdischen Kaufmannsfamilie. Stellte 1912 zwölf Steinköpfe im Salon d'Automne aus. Hatte zu Lebzeiten nur eine Einzelausstellung, bei Berthe Weill im Dezember 1917 - von der Polizei geschlossen. Hinterließ etwa 350 Gemälde und gut zwanzig Skulpturen. Auktionsrekord: 170,4 Millionen Dollar für Nu couché, Christie's New York, 9. November 2015. Auf dem Père Lachaise in Paris beigesetzt.

Von Livorno nach Montparnasse - ein fünfunddreißigjähriges Leben

Modigliani wurde in der Hafenstadt Livorno in eine sephardisch-jüdische Familie hineingeboren, in eine der wenigen italienischen Städte, in denen Juden nie gezwungen waren, in einem Ghetto zu leben. Sein Vater war Kaufmann und ging ungefähr zur Zeit der Geburt seines Sohnes bankrott; seine Mutter Eugénia Garsin hielt die Familie über Wasser, indem sie eine Schule führte und übersetzte. Sie führte außerdem Tagebuch über die Gesundheit ihres Sohnes, und durch ihre Aufzeichnungen wissen wir, dass er im Alter von elf Jahren an einer Rippenfellentzündung und mit vierzehn an Typhus erkrankte. Die Krankheiten beendeten seine Schulbildung dauerhaft, und 1898 begann er stattdessen, bei dem örtlichen Maler Guglielmo Micheli Malerei zu studieren.

1902 schrieb er sich an der Scuola Libera di Nudo in Florenz ein und ging im darauffolgenden Jahr nach Venedig, wo er bis zum Winter 1906 blieb. In Venedig sah er die italienischen Primitiven und die byzantinische Ikonenkunst erstmals aus nächster Nähe - ein Eindruck, der in jedem langgestreckten Gesichtsoval fortwirken sollte, das er später malte. Im Januar 1906 zog er im Alter von einundzwanzig Jahren nach Paris; finanziert wurde er von seiner Mutter.

Montmartre, Montparnasse und Brancusi

In den ersten Jahren lebte er in Montmartre, am Rand des Kreises, der sich im Bateau-Lavoir um Picasso versammelte. 1908 zeigte er sechs Werke im Salon des Indépendants, ohne überhaupt Aufmerksamkeit zu erregen. Die Wende kam 1909, als er den rumänischen Bildhauer Constantin Brâncuși kennenlernte. Brâncuși überzeugte ihn davon, dass die Bildhauerei die eigentliche Arbeit sei und dass die Form direkt aus dem Material herausgemeißelt werden müsse, statt sie in Ton zu modellieren und anschließend zu gießen. Modigliani zog nach Montparnasse, besorgte sich Kalkstein - teilweise von Baustellen in der Stadt - und widmete sich fünf Jahre lang fast ausschließlich Köpfen und Karyatiden.

Der Krieg, Zborowski und Nizza

Als 1914 der Erste Weltkrieg ausbrach, versuchte Modigliani, sich zum Militär zu melden, wurde jedoch wegen seiner Lungenerkrankung abgewiesen. Im selben Jahr gab er die Bildhauerei auf. Ab 1916 wurde er von dem polnischen Dichter und Kunsthändler Léopold Zborowski vertreten, der ihm ein bescheidenes Tagegeld zahlte, ihm ein Atelier mietete und Modelle zur Verfügung stellte. Zborowski war es, der die Serie der Akte in Auftrag gab, und Zborowski war es auch, der Modigliani 1918 zusammen mit Jeanne Hébuterne nach Nizza in den Süden schickte, teils damit sich seine Gesundheit besserte, teils weil sich dort wohlhabende Sammler aufhielten, die vor dem Krieg geflohen waren. Während seines etwas mehr als einjährigen Aufenthalts an der Riviera malte er unter anderem seine einzigen bekannten Landschaften – einige wenige Leinwände, die sich von allem anderen in seinem Œuvre unterscheiden.

Jeanne Hébuterne und das Ende

Modigliani lernte 1917 die Kunststudentin Jeanne Hébuterne kennen. Sie war neunzehn, er zweiunddreißig. Ihre Tochter Jeanne wurde im November 1918 in Nizza geboren. Er porträtierte Hébuterne mehr als zwanzigmal und betonte fast immer ihr schweres rotbraunes Haar und ihre blauen Augen; diese Bilder gehören zu seinen bekanntesten. Am 24. Januar 1920 starb er im Hôpital de la Charité in Paris an tuberkulöser Meningitis. Hébuterne war damals im achten Monat schwanger. Zwei Tage später nahm sie sich das Leben, indem sie sich aus dem Fenster der Wohnung ihrer Familie stürzte. Zunächst wurde sie auf dem Friedhof von Bagneux beigesetzt, und erst 1930 stimmte ihre Familie zu, sie in Modiglianis Grab auf dem Père Lachaise umzubetten.

„Wenn ich deine Seele kenne, werde ich deine Augen malen.“ – Amedeo Modigliani, laut einem häufig zitierten Ausspruch zu einem Modell, das fragte, warum ihre Augen leer geblieben seien

Modiglianis wichtigste Werke

Modiglianis Œuvre ist klein und konzentriert. Die Forschung geht von etwa 350 sicher zugeschriebenen Gemälden, gut zwanzig erhaltenen Skulpturen und einigen tausend Zeichnungen aus, die allesamt innerhalb von knapp fünfzehn Jahren entstanden. Fast alles sind Figuren: Porträts, Halbfiguren und Akte. Religiöse Szenen malte er nie, ebenso wenig Historienbilder, und die Landschaften lassen sich an einer Hand abzählen.

Die Steinköpfe (1911–1913)

Die Serie Têtes ist Modiglianis radikalstes Werk. Die Köpfe sind aus Kalkstein gehauen, meist zwischen 40 und 70 Zentimeter hoch, mit einem Nasenrücken, der wie eine Säule hervortritt, und einem auf einen Strich reduzierten Mund. Die Formensprache setzt sich zugleich aus mehreren Quellen zusammen: afrikanischen Masken, die er bei Paul Guillaume und in den Sammlungen des Trocadéro sah, kykladischer Marmorskulptur aus dem Griechenland der Bronzezeit, Khmer-Köpfen aus Angkor und ägyptischer Grabkunst aus dem Louvre. Auf dem Salon d'Automne 1912 wurden zwölf von ihnen gemeinsam gezeigt, als Gruppe aufgestellt und laut zeitgenössischen Zeugen mit Licht beleuchtet – er selbst beschrieb sie als eine Tempelkomposition. Vierzehn Jahre später sollte diese Formensprache in fast jedem von ihm gemalten Gesicht wiederkehren.

Die Serie der Akte (1916–1917)

Über etwas mehr als ein Jahr malte Modigliani im Auftrag Zborowskis zwischen dreißig und fünfunddreißig liegende und sitzende Akte. Sie brechen mit der gesamten akademischen Tradition: Die Frauen sind nicht mythologisch, sie blicken den Betrachter direkt an, der Körper füllt die Leinwand von Kante zu Kante und die Körperbehaarung ist dargestellt. Nu couché aus den Jahren 1917-1918, die Leinwand, die 2015 für 170,4 Millionen Dollar verkauft wurde, misst 60 mal 92 Zentimeter. Das größte Werk der Serie, Nu couché (sur le côté gauche) aus dem Jahr 1917, ist etwa 89 mal 146 Zentimeter groß und wurde im Mai 2018 bei Sotheby's in New York für 157,2 Millionen Dollar verkauft.

Die Porträts von Jeanne Hébuterne

Von 1917 bis zu seinem Tod porträtierte Modigliani seine Partnerin mindestens fünfundzwanzig Mal. Die Bilder folgen einem Muster: Der Hals wird verlängert, der Kopf neigt sich leicht zur Seite, die Schultern fallen ab und der Hintergrund wird auf ein paar Farbfelder reduziert. Jeanne Hébuterne aus dem Jahr 1919, das sich in der Sammlung des Metropolitan Museum of Art in New York befindet, ist das meistzitierte Beispiel. In mehreren von ihnen sind die Augen völlig leer - mit einem einzigen blaugrauen Farbton ohne Iris oder Pupille ausgefüllt -, während andere einen vollständig ausgemalten Blick haben. Der Unterschied scheint beabsichtigt gewesen zu sein und ist eines der am meisten diskutierten Details seines künstlerischen Schaffens.

Die Porträts der Künstlerfreunde

Modigliani porträtierte fast seinen gesamten Freundeskreis, und diese Bilder dienen heute als Galerie des Montparnasse um 1915. Er malte Chaïm Soutine, Diego Rivera, Juan Gris, Max Jacob, Jean Cocteau und seinen Händler Léopold Zborowski, oft mehrmals. Das Porträt von Cocteau aus dem Jahr 1916 gefiel dem Modell überhaupt nicht, das es im Atelier stehen ließ. Gerade diese Gruppe zeigt auch, wie schnell Modigliani arbeitete: Nach Cocteaus eigener Schilderung saß er nur ein einziges Mal Modell. Weitere Porträtmotive aus der Kunstgeschichte finden Sie in unserer Sammlung klassischer Kunstmotive.

Technik, Form und künstlerische Signatur

Was einen Modigliani sofort erkennbar macht, ist keine Technik, sondern eine Reihe konsequenter Verformungen. Die Tate hat mehrere der Aktstudien mittels Röntgenaufnahmen und Infrarotreflektografie untersuchen lassen, und die Analysen zeigen, dass er schnell, in dünnen Schichten und mit wenigen Änderungen unter der Oberfläche malte - die Komposition stand bereits von Anfang an fest. Das stimmt mit seiner Arbeitsweise überein: Er zeichnete ununterbrochen, oft in Cafés, und übertrug eine bereits fertig durchdachte Form auf die Leinwand.

Die Verlängerung

Hälse, Gesichter, Hände und Oberkörper werden in die Länge gezogen, in der Regel um zwanzig bis vierzig Prozent im Vergleich zu den natürlichen Proportionen. Die Verlängerung ist keine Stilisierung, die er an der Staffelei erfunden hat, sondern eine direkte Übertragung von den Steinköpfen: Die Säulenform, die er zwischen 1911 und 1913 in Kalkstein herausmeißelte, wird nach 1914 zu einem malerischen Stilmittel. Das Ergebnis sind Figuren, die höher zu sein scheinen, als es die Leinwand tatsächlich zulässt - ein Teil der Erklärung dafür, warum die Motive im Hochformat so gut funktionieren.

Augen ohne Pupillen

Das meistbesprochene Detail in Modiglianis Porträts sind die blinden Augen. In vielleicht einem Drittel der Porträts sind die Augäpfel mit nur einem Farbton ausgefüllt, meist einem blaugrauen oder grünlichen. Das Stilmittel stammt aus der antiken und byzantinischen Skulptur, in der das Auge markiert, aber nicht individualisiert wird, und verleiht den Gesichtern eine selbstvergessene Präsenz statt einer leeren. Bei Porträts von Menschen, die ihm nahestanden, variierte er häufig: ein Auge gemalt, das andere leer.

Farbe, Kontur und Hintergrund

Die Palette ist warm und begrenzt – erdrote Töne, Ocker, Umbra, ein gedämpftes Blau und ein gelbliches Weiß. Die Kontur ist stets präsent: eine dunkle, tragende Linie, die die Figur zusammenhält und die er eher mit dem Pinsel auftrug, als die Farbflächen aufeinandertreffen zu lassen. Die Hintergründe sind auf zwei oder drei Ebenen reduziert, manchmal mit einem angedeuteten Stuhlrücken oder Türrahmen, und verzichten vollständig auf Tiefenperspektive. Gerade der flache Hintergrund ist der Grund, warum seine Porträts in nahezu jeder Umgebung aufgehängt werden können, ohne mit dem sie umgebenden Raum zu kollidieren – eine Eigenschaft, die sie mit den minimalistischen Motiven in unserem Sortiment teilen.

Der Skandal, die Fälschungen und das Erbe

Modiglianis Nachruhm wurde von zwei Ereignissen geprägt, bei denen es eher darum ging, wie Kunst aufgenommen wird, als darum, wie sie entsteht. Das erste ereignete sich zu seinen Lebzeiten, das zweite vierundsechzig Jahre nach seinem Tod.

Berthe Weill und die Polizeirazzia 1917

Am 3. Dezember 1917 eröffnete Modigliani beim Kunsthändler Berthe Weill in der Rue Taitbout 50 in Paris seine erste und einzige Einzelausstellung zu seinen Lebzeiten. Weill hatte zwei der Aktstudien ins Schaufenster zur Straße gehängt. Die Polizei der gegenüberliegenden Polizeiwache verlangte unter Berufung auf die Sittengesetzgebung, sie abzunehmen; als Weill sich weigerte, wurde sie abgeführt und die Ausstellung noch am selben Tag geschlossen. Trotz des Aufsehens wurden nur zwei Zeichnungen verkauft, für jeweils dreißig Franc. Berthe Weill betrieb ihr Galeriegeschäft über dreißig Jahre und war die Erste, die in Frankreich ein Gemälde von Picasso verkaufte, starb jedoch 1951 in Armut.

Der Schwindel von Livorno 1984 und die Echtheitsfrage

Im Sommer 1984 feierte Livorno den hundertsten Jahrestag von Modiglianis Geburt. Die Ausstellungsleiterin Vera Durbé ließ den Stadtkanal Fosso Reale nach den Steinköpfen ausbaggern, die Modigliani einer hartnäckigen Legende zufolge 1909 ins Wasser geworfen haben soll. Nach einer Woche Suche wurden drei Skulpturen geborgen. Mehrere führende italienische Kritiker erklärten sie umgehend für echt. Kurz darauf traten drei Kunststudenten vor und zeigten im Fernsehen, wie sie einen der Köpfe mit einer Black-&-Decker-Bohrmaschine und einem Meißel angefertigt hatten; die beiden anderen stammten vom lokalen Künstler Angelo Froglia. Der Kunsthistoriker Federico Zeri hatte sie bereits als unausgereift abgetan. Die Geschichte wurde zu einem der bekanntesten Kunstfälschungsskandale des 20. Jahrhunderts und veranschaulicht ein reales Problem: Modigliani gehört zu den am häufigsten gefälschten Künstlern der Welt, und die Auseinandersetzungen um die Zuschreibung dauern bis heute an.

Dennoch ist sein Erbe beständig. Seine Formensprache wurde unter anderem von Chaïm Soutine und Jules Pascin weitergeführt, und die langgestreckte Figur wurde zu einer der meistübernommenen Bildideen des 20. Jahrhunderts – sowohl in der Malerei als auch im Grafikdesign. Sein Umfeld überschnitt sich mit dem der Kubisten, ohne dass er sich ihnen jemals anschloss – eine Position, die deutlicher wird, wenn man über den Kubismus als Bewegung und über Pablo Picasso liest, mit dem er fünfzehn Jahre lang verkehrte.

Modigliani in Schweden und den nordischen Ländern

Modigliani ist in nordischen öffentlichen Sammlungen nur spärlich vertreten, was die einzelnen Werke umso interessanter macht. In Schweden befindet sich das Gemälde Femme assise à la robe bleue, datiert auf 1917–1919, das 1951 vom Göteborger Sammler Oscar Stern dem Nationalmuseum geschenkt und anschließend in die Sammlung des Moderna Museet überführt wurde, als die Zuständigkeiten der Museen 1998 aufgeteilt wurden. Das Werk ist im Katalog über Oscar Sterns Sammlung französischer zeitgenössischer Kunst, den das Kunstmuseum Göteborg 1944 herausgab, unter der Nummer 55 verzeichnet.

Die größte nordische Ausstellung zu seinem Schaffen fand in Helsinki statt. Am 28. Oktober 2016 eröffnete das Kunstmuseum Ateneum eine Retrospektive mit insgesamt 83 Gemälden, Skulpturen und Arbeiten auf Papier, ergänzt durch Werke von Freunden wie Picasso und Brâncuși, um das Montparnasse-Milieu zu veranschaulichen. Zum ersten Mal wurde damit eine umfassende Modigliani-Ausstellung in den nordischen Ländern gezeigt. International hält das Interesse an: Vom 16. Oktober 2025 bis zum 25. Januar 2026 zeigt der Palazzo Zabarella in Padua die Ausstellung Modigliani, Picasso e le voci della modernità mit sechs Gemälden Modiglianis aus der Sammlung des Museums LaM, und am 2. Oktober 2026 eröffnet das Brooklyn Museum in New York Cézanne to Modigliani mit gut fünfzig europäischen modernistischen Werken aus der Pearlman-Sammlung.

Für ein schwedisches Publikum ist der interessante Vergleich mit den nordischen Porträtmalern, die parallel arbeiteten. Während Anders Zorn dem Licht und dem virtuosen Pinselstrich nachjagte, suchte Modigliani nach einer Form, die in die entgegengesetzte Richtung ging: weg vom Vergänglichen, hin zur Maske. Und während sich Nils Dardel in denselben Jahren im selben Paris bewegte, bezog er seinen Ton eher aus der dekorativen Erzählkunst als aus der Skulptur.

Modigliani an der Wand – praktischer Einrichtungsratgeber

Modigliani-Motive gehören zu den dankbarsten Porträts für eine gewöhnliche schwedische Wohnung, und der Grund dafür ist technischer Natur: Die Hintergründe sind flach und fast leer, die Palette ist erdverbunden und die Kontur klar. Das Motiv lässt sich aus der Entfernung erfassen, ohne einen großen Raum zu benötigen, und die gedämpften Ocker- und Umbra-Töne harmonieren sowohl mit weiß gestrichenem Putz als auch mit einer hellen Holzvertäfelung.

Das Format sollte in der Regel hochkant sein. Da die Figuren in der Höhe gestreckt sind, verlieren sie in einem Querformat viel von ihrer Wirkung; ein Porträt im Format 50 mal 70 Zentimeter oder 70 mal 100 Zentimeter gibt der Figur Raum, sich zu entfalten. Die Aufhängehöhe sollte der üblichen Regel folgen, dass die Mitte des Motivs etwa 145 Zentimeter über dem Boden liegt, wodurch sich das Gesicht ungefähr auf Augenhöhe eines stehenden Betrachters befindet. In einer Sitzgruppe kannst du das Bild etwas niedriger hängen, damit es im Sitzen gut wirkt.

Die Rahmenwahl ist entscheidend. Die dunkle Konturlinie im Motiv verträgt sich gut mit einem schmalen, dunklen Rahmen aus Eiche oder schwarz lackiertem Holz, während breitere Goldrahmen das Bild schnell wie eine Museumspastiche wirken lassen. Wenn du dich näher mit der Rahmenwahl beschäftigen möchtest, haben wir eine Übersicht darüber verfasst, wie man Kunst rahmt; und für alle, die über eine zusammenhängende Hängung nachdenken, gibt es unseren Ratgeber für Bilderwände.

In einer Gruppierung funktioniert ein Modigliani-Porträt am besten als Anker und nicht als eines von mehreren gleichwertigen Motiven. Gib ihm die größte Fläche, platziere es auf Augenhöhe und lass die umgebenden Bilder ruhiger wirken – grafische Motive oder schwarz-weiße Motive bringen das Porträt zur Geltung, statt mit ihm zu konkurrieren. Ein Gesicht, das den Blick erwidert, zieht immer Aufmerksamkeit auf sich, und es verträgt sich nicht damit, dass mehrere Gesichter dies gleichzeitig an derselben Wand tun.

Tipp: Wenn du ein Porträt mit leeren Augen in einem Schlaf- oder Arbeitszimmer aufhängst, platziere es an der Wand hinter dir oder seitlich, statt direkt vor dem Bett oder Schreibtisch. Der Blick in einem Modigliani-Porträt ist auf den Betrachter gerichtet, hat aber keine Pupille, was viele aus nächster Nähe als intensiv empfinden. Das Motiv wirkt am besten, wenn man ihm im Vorübergehen begegnet und es aus drei bis vier Metern Entfernung betrachtet. In Flur, Treppenhaus oder Korridor kommt es am besten zur Geltung.

Zeitleiste aus Modiglianis Leben

1884 – Amedeo Clemente Modigliani wird am 12. Juli in Livorno als jüngstes von vier Geschwistern in einer sephardisch-jüdischen Familie geboren. Das Handelshaus seines Vaters geht im selben Jahr bankrott.

1898 – Nachdem eine Rippenfellentzündung und Typhus seine Schulzeit unterbrochen haben, beginnt er bei Guglielmo Micheli in Livorno Malerei zu studieren, einem Schüler des toskanischen Macchiaiolo-Malers Giovanni Fattori.

1902–1906 – Studium an der Scuola Libera di Nudo in Florenz und anschließend in Venedig, wo er die italienische primitive Kunst und die byzantinische Ikonentradition kennenlernt. Im Januar 1906 zieht er nach Paris und lässt sich auf dem Montmartre nieder.

1908 – Gibt sein öffentliches Debüt mit sechs Werken auf dem Salon des Indépendants in Paris. Die Ausstellung bleibt unbeachtet, und er verkauft nichts.

1909 – Lernt Constantin Brâncuși kennen, zieht nach Montparnasse und wendet sich der Bildhauerei in direkt behauenem Kalkstein zu. Die Malerei wird praktisch fünf Jahre lang eingestellt.

1912 – Stellt zwölf Steinköpfe als zusammengehörige Gruppe im Salon d'Automne in Paris aus. Es ist sein meistbeachteter Auftritt vor dem Krieg.

1914 – Wird wegen einer Lungenerkrankung als Freiwilliger für den Kriegsdienst abgelehnt, gibt die Bildhauerei endgültig auf und kehrt zur Malerei zurück. Der Kunsthändler Paul Guillaume nimmt sich seiner an.

1916 – Léopold Zborowski wird sein Agent, mietet ein Atelier, zahlt ihm ein Tagegeld und gibt die Aktserie in Auftrag, die zu seinen bekanntesten Werken werden soll.

1917 – Lernt Jeanne Hébuterne kennen. Am 3. Dezember wird seine einzige Einzelausstellung bei Berthe Weill in der Rue Taitbout 50 eröffnet und noch am selben Tag von der Polizei geschlossen.

1918–1919 – Hält sich auf Initiative Zborowskis in Nizza und Cagnes-sur-Mer auf. Tochter Jeanne wird im November 1918 geboren. Hier malt er seine einzigen bekannten Landschaften.

1920 – Stirbt am 24. Januar im Alter von 35 Jahren an tuberkulöser Hirnhautentzündung. Jeanne Hébuterne nimmt sich zwei Tage später das Leben, im achten Monat schwanger.

1984 – Drei gefälschte Steinköpfe werden aus dem Kanal in Livorno geborgen und von mehreren Kritikern für echt erklärt, bevor der Schwindel im italienischen Fernsehen auffliegt.

2015 – Nu couché wird am 9. November bei Christie's in New York für 170,4 Millionen Dollar verkauft, damals der zweithöchste Auktionspreis, der jemals für ein Kunstwerk erzielt wurde.

Verwandte Künstler und Bewegungen

Modigliani stand mitten in der Pariser Moderne, ohne einer ihrer Gruppierungen anzugehören. Ihm am nächsten stand Pablo Picasso, mit dem er ab 1906 Umgang hatte und der dasselbe Interesse an afrikanischer Skulptur in eine völlig andere Richtung weiterentwickelte. Wenn du diese Richtung verstehen möchtest, findest du dazu unseren Überblick über den Kubismus.

Der Künstler, der Modigliani temperamentmäßig am nächsten steht, ist Egon Schiele in Wien: dieselben verlängerten Körper, dasselbe kurze Leben, praktisch dasselbe Todesjahr – Schiele starb 1918, Modigliani 1920. Poetisch verwandt ist Marc Chagall, der aus Weißrussland in dasselbe Viertel von Paris kam und Modiglianis Position als eingewanderter Künstler an der École de Paris teilte. Für den breiteren Kontext gibt es unseren Überblick über die Moderne und einen gesammelten Einstieg zu all unseren Themenseiten in der Wissensdatenbank.

Die Linie führt zurück zu Paul Cézanne, dessen Porträts Modigliani eingehend studierte und dessen Art, eine Figur eher aus Flächen als aus Licht aufzubauen, in jeder Modigliani-Büste fortlebt. Eine kurze Einführung dazu, wie Sie ausgehend von solchen Motiven Kunst auswählen, finden Sie in unserem Artikel über die Auswahl der richtigen Kunst für Ihr Zuhause.

Häufige Fragen zu Modigliani

Modiglianis Kunst hat ein Jahrhundert der Mythenbildung, Fälschungen und Rekordpreise überstanden, ohne das zu verlieren, was sie von Anfang an einzigartig machte: eine Form, die mit sehr wenig alles sagt. Wenn du dir etwas von der ruhigen, aufrechten Haltung nach Hause holen möchtest, findest du unsere gesamte Auswahl an Künstlermotiven unter bekannte Künstler. Einen breiteren Hintergrund zu seiner Generation bietet Tate, eine übersichtliche Biografie gibt es in der schwedischen Wikipedia.