Fauvismus – die Geschichte der Kunstrichtung, Matisse, Derain und die Farben der wilden Tiere

Der Fauvismus war die Kunstrichtung, mit der die moderne Malerei des 20. Jahrhunderts begann – die erste avantgardistische Richtung, in der die Farbe vollständig von den Regeln der Wirklichkeit befreit wurde. Wenn ein Poster oder Gemälde heute in reinen, ungemischten Farben leuchtet, die nicht vorgeben, die Natur nachzuahmen, ist das oft ein Erbe der Revolution der Fauvisten. In einigen intensiven Jahren um 1905 vollzog eine kleine Gruppe französischer Maler unter der Führung von Henri Matisse und André Derain den Schritt von der Abbildung der Welt zu ihrer Darstellung durch Farbe als eigenständige Sprache. Rote Bäume, grüne Gesichter und funkelnd orangefarbene Meere schockierten das zeitgenössische Publikum – und legten den Grundstein für alles, was danach kam, vom Expressionismus bis zur abstrakten Kunst.

Der Name „Fauvismus“ leitet sich vom französischen les fauves, „die wilden Tiere“, ab und wurde von einem Kritiker als spöttisches Schimpfwort geprägt. Doch die Beleidigung wurde zum Ehrentitel. Auf dieser Seite behandeln wir die Geschichte des Fauvismus, seine wichtigsten Künstler und Werke, seine technische und stilistische Signatur, seine Verbindung zur schwedischen Kunst und zu schwedischen Sammlungen sowie die Frage, wie du die kühne Farbsprache des Fauvismus in deiner eigenen Einrichtung einsetzen kannst. Ziel ist es, dir die umfassendste deutschsprachige Ressource zu diesem Thema zu bieten – tiefgehender und konkreter als ein Nachschlagewerk.

Inhalt
↓ Was ist der Fauvismus?
↓ Die Geschichte dahinter – der Skandal beim Salon d'Automne 1905
↓ Die wichtigsten Künstler und Werke des Fauvismus
↓ Technik, Farbe und Stil – die Signatur des Fauvismus
↓ Das Erbe des Fauvismus und der schwedische Bezug
↓ Fauvismus im Zuhause – reine Farbe in der Inneneinrichtung
↓ Zeitleiste zur Geschichte des Fauvismus
↓ Verwandte Kunstrichtungen und Künstler
↓ Häufige Fragen zum Fauvismus

Was ist der Fauvismus?

Der Fauvismus ist eine Kunstrichtung, die in Frankreich etwa zwischen 1904 und 1908 aufblühte und gewöhnlich als erste Avantgarde des 20. Jahrhunderts gilt. Was die Fauvisten verband, war kein gemeinsames Manifest und keine feste Mitgliedsgruppe, sondern eine radikale Auffassung von Farbe: Sie sollte rein, intensiv und eigenständig sein und wurde oft direkt aus der Tube aufgetragen, ohne sie an die tatsächlichen Farbtöne der Natur anzugleichen. Ein Himmel konnte knallrot, ein Gesicht grün und Baumstämme rosa sein – nicht um Licht zu beschreiben, sondern um Gefühle auszudrücken und die eigene innere Harmonie des Bildes zu schaffen.

Der öffentliche Durchbruch der Bewegung erfolgte beim Herbstsalon Salon d'Automne in Paris 1905, wo die Werke im heute legendären Salle VII (Saal Nummer sieben) versammelt waren. Den Kern bildeten Henri Matisse und André Derain, die unbestrittenen Anführer der Bewegung, zusammen mit Maurice de Vlaminck, Albert Marquet, Henri Manguin, Charles Camoin und Georges Rouault. Später schlossen sich unter anderem Raoul Dufy, Kees van Dongen und ein junger Georges Braque an, der kurz darauf gemeinsam mit Picasso den Kubismus begründen sollte.

Es lohnt sich zu betonen, wie radikal dies war. Im 19. Jahrhundert hatten selbst die innovativsten Maler eine gewisse Verankerung im Sichtbaren bewahrt: Die Impressionisten lösten die Form im Licht auf, doch ihre Farben versuchten weiterhin, eine reale Atmosphäre wiederzugeben. Die Fauvismus-Künstler kappten den letzten Faden. Für sie war ein grüner Schatten in einem Gesicht keine Beobachtung, sondern eine Entscheidung – eine bewusste Wahl, damit das Bild als Ganzes funktioniert. Diese Verschiebung vom Auge zum Gefühl und von der Beschreibung zur Komposition ist der eigentliche Kern dessen, was den Fauvismus zum ersten wirklichen Schritt der Moderne macht. Der Bewegung fehlte ein formelles Programm, doch sie teilte die gemeinsame Überzeugung, dass das Gemälde ein eigenständiges Objekt mit eigenen Gesetzen sei und kein Fenster zur Außenwelt.

Schnellinfo: Entstand etwa 1904–1908 in Frankreich. Öffentlicher Durchbruch beim Salon d'Automne in Paris im Herbst 1905, in Salle VII. Führende Künstler: Henri Matisse (1869–1954) und André Derain (1880–1954). Der Name wurde vom Kritiker Louis Vauxcelles geprägt und am 17. Oktober 1905 in der Zeitung Gil Blas veröffentlicht. Schlüsselwerke: Matisse Femme au chapeau (1905) und Le bonheur de vivre (1905–06), Derain Arbres à Collioure (1905). Rekordpreis für ein fauvistisches Werk: Derains Arbres à Collioure, etwa 24,2 Millionen Dollar bei Sotheby's in London 2010.

Die Geschichte dahinter – der Skandal im Salon d'Automne 1905

Der Herbstsalon 1905 wurde zu einer der meistdiskutierten Ausstellungen der Kunstgeschichte. In Salle VII hing eine Sammlung von Gemälden von Matisse, Derain, Vlaminck und ihren Weggefährten – Leinwände, auf denen die Farbe in unreinen, funkelnden Tönen explodierte und vollständig mit der akademischen Tradition brach. In der Mitte des Raumes stand eine kleine, konventionell von der Renaissance inspirierte Büste des Bildhauers Albert Marque. Der Kontrast veranlasste den Kunstkritiker Louis Vauxcelles zu dem Ausruf, es sei wie „Donatello chez les fauves“ – Donatello unter den wilden Tieren. Der Kommentar wurde am 17. Oktober 1905 in der Tageszeitung Gil Blas abgedruckt und gab der Bewegung ihren Namen. Was als Spott gemeint war, wurde rasch zu einer Bezeichnung, die die Künstler selbst akzeptierten.

Das einzelne Gemälde, das den größten Aufruhr auslöste, war Matisses Femme au chapeau (Frau mit Hut), ein Porträt seiner Frau Amélie, gemalt in kühnen, scheinbar willkürlichen Farbstreifen. Publikum und Presse reagierten mit Spott und Empörung. Doch das Werk fand auch seine ersten Bewunderer: Die amerikanischen Sammler und Geschwister Leo und Gertrude Stein kauften das Gemälde 1905 direkt im Salon, obwohl Leo Stein seinen ersten Eindruck selbst als „den abscheulichsten Farbklecks, den ich je gesehen habe“ beschrieb. Der Kauf wurde zum Auftakt einer der bedeutendsten Sammlungen der Moderne.

Der Skandal war keineswegs unbedeutend – er markierte den Augenblick, in dem die moderne Malerei das Ideal der Abbildung endgültig hinter sich ließ. Für eine jüngere Generation von Künstlern wurde die Farbfreiheit der Fauvismus-Künstler zu einer Erlaubnis, noch weiter zu gehen. Dass die Bewegung so stark provozierte, zeigt, wie tief die Vorstellung noch verwurzelt war, dass Kunst das Sichtbare möglichst getreu wiedergeben müsse.

Der Salon Salon d'Automne war erst zwei Jahre zuvor, 1903, als Freiraum für Künstler gegründet worden, die von den konservativeren offiziellen Salons ausgeschlossen worden waren. Gerade deshalb wurde er zu einer Bühne, auf der das Neue Platz finden konnte. Dass die Gemälde der Fauvisten überhaupt gemeinsam in einem eigenen Raum hängen konnten, war diesem offeneren Klima zu verdanken. Die Kritik blieb dennoch hart: Mehrere Rezensenten sprachen von "einer Farbdose, die dem Publikum ins Gesicht geschleudert wurde", und Besucher lachten offen über die Gemälde. Doch die Aufmerksamkeit – auch die negative – machte die jungen Künstler über Nacht bekannt und zog Sammler, Kunsthändler und Nachfolger an. Der Skandal erwies sich paradoxerweise als effektivste Einführung der Bewegung.

Die wichtigsten Künstler und Werke des Fauvismus

Der Fauvismus war eine kurze, aber konzentrierte Bewegung, und sein Erbe ruht schwer auf einigen wenigen zentralen Gestalten. Matisse und Derain trieben die Entwicklung im entscheidenden Sommer 1905 voran, als sie Seite an Seite in dem kleinen Mittelmeerhafen Collioure im Süden Frankreichs malten. Dort, im funkelnden katalanischen Licht, formte sich der reife fau4|istische Stil.

"Was ich erträume, ist eine Kunst des Gleichgewichts, der Reinheit und der Stille." – Henri Matisse, aus Notes d'un peintre, 1908

Henri Matisse – Femme au chapeau und Die Lebensfreude

Henri Matisse (1869–1954) war der intellektuelle und künstlerische Anführer des Fauvismus. Nachdem er mit dem Licht des Impressionismus und Georges Seurats Pointillismus experimentiert hatte, gelangte er in Femme au chapeau (1905) zu einer neuen Freiheit, in der sich die Farbe vollständig vom Motiv löste. Im folgenden Jahr vollendete er Le bonheur de vivre (Die Lebensfreude, 1905–06), eine große Komposition nackter Gestalten in einer idyllischen Landschaft, in der geschwungene Linien und reine Farbflächen einen Traum von Harmonie bilden. Das Gemälde gilt als eines der grundlegenden Werke der Moderne und weist bereits über den Fauvismus hinaus auf Matisses spätere monumentale Vereinfachung.

André Derain – Collioure und London

André Derain (1880–1954) war Matisses jüngerer, aber ebenso wagemutiger Weggefährte. Seine in Collioure im Sommer 1905 entstandenen Gemälde, etwa Arbres à Collioure, gehören zu den absoluten Höhepunkten der Bewegung – ein Exemplar dieses Motivs wurde 2010 bei Sotheby's in London für rund 24,2 Millionen Dollar (etwa 16,3 Millionen Pfund) verkauft und stellte damals einen Rekord für ein fauvistisches Werk auf. Vom Kunsthändler Ambroise Vollard ermutigt, reiste Derain 1906 nach London, wo er rund dreißig Werke von der Themse und den Brücken der Stadt malte. In Gemälden wie Charing Cross Bridge verwandelte er Londons Nebel in einen Rausch aus Rosa, Orange und Smaragdgrün.

Maurice de Vlaminck und die übrigen Fauvisten

Ein entscheidender Impuls kam auch von Paul Signac und dem Neoimpressionismus, dessen wissenschaftliche Farbtheorie Matisse im Sommer 1904 in Saint-Tropez erprobte, bevor er sich zu einer freieren Farbgebung löste. Die Fauvisten lernten aus der Erkenntnis des Divisionismus, dass benachbarte Farben einander beeinflussen, gaben jedoch die kleinen, systematischen Punkte zugunsten breiter, spontaner Pinselstriche auf.

Maurice de Vlaminck (1876–1958), autodidaktisch und temperamentvoll, rühmte sich, nie einen Fuß in ein Museum gesetzt zu haben, und malte seine Landschaften rund um Chatou mit der direkt auf die Leinwand gedrückten Tube. Albert Marquet steuerte ruhigere, ausgewogenere Hafenansichten bei, während Kees van Dongen und Raoul Dufy die fauvistische Palette in die Porträtmalerei beziehungsweise die dekorative Malerei einbrachten. Georges Rouault schlug früh einen eigenen, dunkleren Weg ein. Gemeinsam bildeten sie einen lose verbundenen Kreis, der einige Jahre lang dieselbe Überzeugung teilte: dass die Farbe aus sich heraus ein Kunstwerk tragen könne.

Technik, Farbe und Stil – die Signatur des Fauvismus

Was ein fauvistisches Gemälde sofort erkennbar macht, ist der kompromisslose Einsatz reiner Farbe. Die Fauvisten bauten auf den Erkenntnissen des Postimpressionismus auf – insbesondere auf Vincent van Goghs ausdrucksstarken Pinselstrichen, Paul Gauguins flächigen Farbfeldern und Paul Cézannes strukturiertem Bildaufbau –, trieben die Farbe jedoch an einen Punkt, den zuvor niemand gewagt hatte. Hier sind die drei wichtigsten Merkmale.

Die reine Farbe direkt aus der Tube

Die Fauvisten verzichteten oft darauf, ihre Farben auf der Palette zu mischen. Stattdessen setzten sie intensive, ungemischte Töne nebeneinander auf die Leinwand. Im Sommer 1905 entwickelten Matisse und Derain diese Methode in Collioure zur Vollendung, wobei jeder Pinselstrich seine volle Leuchtkraft bewahrte. Das Ergebnis waren Bilder, die von innen heraus zu strahlen schienen, weit stärker, als das tatsächliche Licht der Natur es wiedergeben konnte.

Komplementärfarben und optische Spannung

Ein zentrales Prinzip bestand darin, Komplementärfarben einander gegenüberzustellen – Rot gegenüber Grün, Orange gegenüber Blau, Gelb gegenüber Violett. Wenn solche Gegensatzpaare aufeinandertreffen, verstärken sie sich optisch und erzeugen eine vibrierende Energie. Die Fauvisten setzten dies bewusst ein, um die Spannung des Bildes durch Farbe statt durch Licht und Schatten aufzubauen, wie es die Tradition verlangte.

Vereinfachte Form und sichtbarer Pinselstrich

Die Fauvisten vereinfachten die Formen, verliehen den Pinselstrichen einen deutlichen, oft groben Charakter und ließen den weißen Grund der Leinwand zwischen den Farbfeldern durchscheinen. Perspektive und Detailreichtum mussten dem unmittelbaren Ausdruck weichen. Diese Flächigkeit und die Betonung der Bildfläche als Fläche statt als Fenster zur Wirklichkeit wurden zu einem entscheidenden Impuls für die Entwicklung der gesamten modernen Kunst im 20. Jahrhundert.

Insgesamt ist es gerade diese Kombination – reine Farbe, bewusste Komplementärkontraste und vereinfachte Form –, die fauvistischen Werken auch in kleineren Formaten ihre große Kraft verleiht. Die Bilder sind darauf angelegt, aus der Distanz zu wirken, und lassen sich verkleinern, ohne an Leuchtkraft zu verlieren, da ihr Ausdruck auf großen Farbflächen statt auf feinen Details beruht. Das erklärt, warum Matisse und Derain sich so gut als Drucke eignen und warum ihre Bildwelt zu einem selbstverständlichen Bestandteil moderner Inneneinrichtung geworden ist. Eine fauvistische Komposition braucht keine Erklärung, um zu berühren; sie spricht unmittelbar durch ihre Farbe, genau wie die Künstler es beabsichtigten.

Das Erbe des Fauvismus und die schwedische Verbindung

Der Fauvismus war als geschlossene Bewegung kurzlebig, doch sein Einfluss wurde enorm. Bereits um 1907–1908 begann sich der Kreis aufzulösen, als mehrere Künstler neue Wege suchten, während eine Cézanne-Retrospektive und das Aufkommen des Kubismus die Aufmerksamkeit in eine andere Richtung lenkten.

Vom Fauvismus zum Expressionismus und zur Abstraktion

Für Matisse selbst war der Fauvismus kein Endpunkt, sondern ein Sprungbrett. In den folgenden Jahrzehnten vereinfachte er seine Formensprache immer weiter, bis hin zu den berühmten Scherenschnitten im hohen Alter. Die befreite Farbe von 1905 begleitete ihn sein gesamtes Leben und wurde zur Grundlage eines der einflussreichsten künstlerischen Werke des 20. Jahrhunderts. Auch Derain veränderte sich: Nach der Begegnung mit Cézanne und der afrikanischen Skulptur gab er die heiße fauvistische Palette zugunsten eines gedämpfteren, klassisch inspirierten Stils auf.

Die Befreiung der Farbe durch den Fauvismus inspirierte unmittelbar den deutschen Expressionismus, in dem Gruppen wie Die Brücke und Der Blaue Reiter die emotionale Farbe weiterentwickelten. Derains und Braques Weg zur vereinfachten Form wies direkt auf den Kubismus voraus, und die reine, eigenständige Farbe ebnete den Weg für die vollständig abstrakte Kunst von Künstlern wie Wassily Kandinsky. Die Erkenntnis der Fauves – dass Farbe und Form Bedeutung tragen können, ohne etwas abzubilden – wurde zu einem der Grundpfeiler der Moderne.

Der Fauvismus und die schwedische Kunst

Der Fauvismus fand in Schweden früh Anklang. Matisses Marokkanische Landschaften gelangten bereits 1917 als Geschenk des norwegischen Kunsthändlers Walther Halvorsen, der selbst Schüler von Matisse gewesen war, in das schwedische Nationalmuseum. Dieses und andere frühe modernistische Werke wurden 1998 vom Nationalmuseum an das Moderna Museet in Stockholm übertragen, das heute Schwedens bedeutendste Sammlung früher Kunst des 20. Jahrhunderts mit Werken unter anderem von Matisse und Picasso verwaltet. Das Moderna Museet zeigte außerdem vom 3. November 1984 bis zum 6. Januar 1985 eine große Matisse-Retrospektive, die zu den meistbesuchten Ausstellungen der Institution wurde. Mehrere schwedische Künstler der sogenannten Generation der Männer von 1909 waren stark von der französischen Farbrevolution beeinflusst.

Das Interesse am Fauvismus ist international weiterhin lebendig. Die Ausstellung Vertigo of Color: Matisse, Derain, and the Origins of Fauvism wurde im Metropolitan Museum of Art in New York und anschließend im Museum of Fine Arts in Houston zwischen dem 25. Februar und dem 27. Mai 2024 mit 65 Werken gezeigt. Und zwischen dem 16. Mai und dem 13. September 2026 rekonstruiert das San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA) in der Ausstellung Matisse's Femme au chapeau: A Modern Scandal den Salle VII von 1905 – ein Beweis dafür, dass der Skandal des Salon d'Automne auch mehr als ein Jahrhundert später noch fasziniert.

Der Fauvismus im Zuhause – reine Farbe in der Einrichtung

Nur wenige Kunstrichtungen passen so gut zu einer farbenfrohen Einrichtung wie der Fauvismus. Während ein großer Teil der zeitgenössischen Kunst mit gedämpften Tönen spielt, bietet ein fauvistisches Poster eine Dosis reiner, selbstbewusster Farbe, die einen Raum aufwertet, ohne einen kompletten Möbelwechsel zu erfordern. Gerade weil die Fauvist:innen mit klar abgegrenzten Farbflächen und einfachen Formen arbeiteten, eignet sich ihre Bildwelt hervorragend für den Druck. Ein Poster im Format 50×70 Zentimeter wird über einem Sofa oder einer Kommode zum natürlichen Blickfang, während kleinere Formate in 30×40 Zentimetern in einer Sammlung gut zur Geltung kommen.

Tipp: Lass ein einziges fauvistisches Poster dominieren. Greife eine seiner kräftigsten Farben – zum Beispiel das leuchtende Orange oder das tiefe Grün – in einem Kissen, einer Vase oder einem Buchrücken in der Nähe auf. So entsteht ein bewusstes Zusammenspiel, das die Kunst mit dem Raum verbindet, ganz so, wie die Fauvist:innen selbst ihre Komplementärfarben miteinander ausbalancierten.

Ein fauvistisches Poster im Raum platzieren

Ein farbenfrohes Bild verträgt – und braucht – Freiraum um sich herum. Hängst du es allein vor eine ruhige, helle Wand, kann die Farbe ihre volle Wirkung entfalten. Wenn du eine Bilderwand gestalten möchtest, funktioniert ein fauvistisches Poster als farbenfroher Anker zwischen neutraleren Drucken. Ein einfacher, schmaler Rahmen in Schwarz, Weiß oder hellem Holz fasst das Motiv ein, ohne mit ihm zu konkurrieren. Inspiration findest du in unserem Ratgeber zum Gestalten einer Bilderwand.

Das Zuhause mit der Palette des Fauvismus farblich gestalten

Du musst keinen Matisse besitzen, um dich die Denkweise des Fauvismus zu eigen zu machen. Das Grundprinzip – wenige reine, kräftige Farben in durchdachten Kontrastpaaren aufeinandertreffen zu lassen – lässt sich direkt auf einen Raum übertragen. Kombiniere einen warmen und einen kühlen Ton, halte die übrigen Flächen ruhig und lass die Kunst das Tempo bestimmen. Erfahre mehr darüber, wie du mit Postern einrichten und Kunst richtig rahmen kannst. Weitere Ideen zu den Trends dieses Jahres findest du in unseren Einrichtungsideen für die Saison.

Zeitleiste zur Geschichte des Fauvismus

Der Kern des Fauvismus entwickelte sich innerhalb weniger Jahre, doch seine Vorgeschichte und Nachwirkung erstrecken sich über Jahrzehnte. Hier sind die wichtigsten Stationen in chronologischer Reihenfolge.

1869 – Henri Matisse wird in Le Cateau-Cambrésis im Norden Frankreichs geboren.
1880 – André Derain wird in Chatou außerhalb von Paris geboren.
1899–1904 – Matisse experimentiert mit dem Impressionismus und Seurats Punktmalerei und nähert sich der reinen Farbe.
Sommer 1905 – Matisse und Derain malen gemeinsam in Collioure und entwickeln den reifen fauvistischen Stil.
Herbst 1905 – Der Salon d'Automne wird eröffnet; die Werke hängen in Salle VII, und Louis Vauxcelles prägt am 17. Oktober in Gil Blas den Ausdruck "les fauves".
1905 – Leo und Gertrude Stein kaufen Matisses Femme au chapeau direkt im Salon.
1905–06 – Matisse vollendet Le bonheur de vivre; Derain reist nach London und malt etwa dreißig Werke.
1907 – Die Bewegung beginnt sich aufzulösen; eine Cézanne-Retrospektive und das Aufkommen des Kubismus lenken die Aufmerksamkeit in eine neue Richtung.
1908 – Der Fauvismus endet praktisch als geschlossene Bewegung, als die Künstler getrennte Wege gehen.
1917 – Matisses Marokkanische Landschaften werden dem schwedischen Nationalmuseum geschenkt.
1990 – Femme au chapeau wird von den Erben Sarah Steins dem SFMOMA vermacht.
2010 – Derains Arbres à Collioure wird bei Sotheby's für etwa 24,2 Millionen Dollar verkauft.
2026 – Das SFMOMA rekonstruiert Salle VII in der Ausstellung A Modern Scandal.

Verwandte Kunstrichtungen und Künstler

Der Fauvismus steht im Zentrum des Durchbruchs der modernen Kunst und ist eng mit dem verbunden, was ihm vorausging und was ihm folgte. Die wichtigste Gestalt der Bewegung erkunden wir näher auf der Seite über Henri Matisse. Die Farbrevolution baute direkt auf dem Postimpressionismus und auf Pionieren wie Vincent van Gogh und Paul Cézanne auf. Im selben Saal des Salon d'Automne 1905 hing auch Henri Rousseau mit seinem großen Gemälde Der hungrige Löwe stürzt sich auf die Antilope. Unter Matisses nordischen Schülern brachte Sigrid Hjertén die fauvistische Farbenlehre 1911 nach Schweden.

Im weiteren Verlauf führte die befreite Farbgebung des Fauvismus zum Expressionismus, während die Vereinfachung der Form auf den Kubismus vorauswies. Möchten Sie sich einen Überblick über alle Epochen und Bewegungen verschaffen, die an einem Ort zusammengetragen sind, finden Sie sie in unserer Wissensdatenbank. Sie können sich auch mithilfe externer Quellen wie Wikipedias Artikel über den Fauvismus, Tates Kunstglossar und den Sammlungen des Moderna Museet weiter vertiefen.

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Häufig gestellte Fragen zum Fauvismus

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