Gatukunst & Street Art – die Geschichte, Techniken und Merkmale der Kunstbewegung

Streetart ist die Kunstrichtung, die die Kunst aus den Museen hinaus auf Fassaden, Bretterzäune, Stromkästen und U-Bahn-Waggons brachte – und von dort zurück in die Auktionshäuser, Galerien und schließlich als Poster in die Wohnungen. Keine andere Richtung der Kunstgeschichte hat sich so schnell von Kriminalität zum Kulturerbe entwickelt. In etwas mehr als fünfzig Jahren hat sich der Ausdruck von der Unterschrift eines zwölfjährigen Jungen in einer Jugendhaftanstalt in Philadelphia zu einem geschredderten Werk entwickelt, das bei Sotheby’s für 18,6 Millionen Pfund versteigert wurde.

Diese Informationsseite zeigt, was Streetart tatsächlich ist, wie sie sich von Graffiti unterscheidet, welche Techniken verwendet werden, welche Künstler die Bewegung geprägt haben und wie sie in Schweden aussieht – von Stockholms Nulltoleranz bis zu Malmös muralen Fassaden. Zum Schluss geht es um das, was für dich besonders relevant ist, wenn du diesen Ausdruck an die Wand bringen möchtest: wie die Formensprache der Streetart als Druckkunst in einem Wohnraum funktioniert und welche Motive sich in einem Rahmen am besten bewähren.

Inhalt
↓ Was ist Streetart?
↓ Die Geschichte der Streetart – von Philadelphia in die Welt
↓ Techniken und Ausdrucksformen
↓ Die Künstler, die die Bewegung prägten
↓ Streetart in Schweden
↓ Von der Fassade zum Auktionshaus
↓ Streetart als Druckkunst im Wohnraum
↓ Zeitleiste
↓ Verwandte Kunstrichtungen
↓ Häufige Fragen zu Streetart

Was ist Streetart?

Streetart ist ein Sammelbegriff für Bildkunst, die im öffentlichen Raum entsteht, meist ohne Auftraggeber und meist mit den Passanten als einzigem Publikum. Der Begriff wird im Englischen als street art verwendet und in der Begriffssystematik von Wikidata als Kunst definiert, die öffentlich und ihrem Wesen nach vergänglich ist – in der Form ist bereits angelegt, dass das Werk übermalt, abgerissen oder verwittern kann. Das unterscheidet Streetart vom öffentlichen Auftragskunstwerk, das dauerhaft bestehen soll.

Das häufigste Missverständnis ist, dass Streetart und Graffiti dasselbe seien. Sie hängen historisch zusammen, unterscheiden sich aber in ihrer Zielsetzung. Graffiti ist in seiner klassischen Form namensbasiert: Der Künstler schreibt sein eigenes Alias, und die Qualität wird von anderen Ausübenden anhand von Linienführung, Farbgebung und Risiko beurteilt. Streetart ist bildbasiert und nach außen gerichtet – an die Allgemeinheit, oft mit einer Botschaft, die sich ohne Vorkenntnisse entschlüsseln lässt. Der Wechsel vom Buchstaben zum Bild vollzog sich in den 1980er-Jahren, als Kunststudenten in New York mit denselben Materialien wie die Graffiti-Künstler zu arbeiten begannen, jedoch mit völlig anderen Zielen.

Kurzfakten: Straßenkunst entstand aus der Graffiti-Kultur in den USA. Als erster namentlich bekannter Graffiti-Schreiber gilt Cornbread (Darryl McCray) in Philadelphia, der 1965 mit dem Taggen begann. Der Durchbruch in den Medien kam am 21. Juli 1971, als The New York Times den Artikel über TAKI 183 veröffentlichte. Keith Haring fertigte zwischen 1980 und 1985 mehr als 5.000 Kreidezeichnungen in den New Yorker U-Bahn-Stationen an. Blek le Rat führte die Schablonentechnik Anfang der 1980er-Jahre in Paris ein. Banksys Ausstellung im Bristol Museum zog 2009 innerhalb von zwölf Wochen mehr als 300.000 Besucher an. Das teuerste mit Straßenkunst verbundene Werk, das bei einer Auktion verkauft wurde, ist Jean-Michel Basquiats unbenanntes Gemälde von 1982, das im Mai 2017 bei Sotheby's für 110,5 Millionen Dollar verkauft wurde. Stockholms Nulltoleranz gegenüber Graffiti galt von 2007 bis 2014.

Die Geschichte der Straßenkunst – von Philadelphia in die Welt

Die Vorgeschichte der Straßenkunst ist so alt wie die Wand. Ritzungen in Pompeji, Kritzeleien in mittelalterlichen Kirchen und politische Parolen an Fabrikwänden des 19. Jahrhunderts gehören alle zu demselben menschlichen Impuls. Doch die Bewegung, die wir heute Straßenkunst nennen, hat ihren nachvollziehbaren Ursprung in den amerikanischen Städten der Nachkriegszeit und entwickelte sich in drei klaren Phasen.

Cornbread und Philadelphia 1965–1967

Darryl McCray, bekannt als Cornbread, schrieb seinen Spitznamen an die Wände der Jugendstrafanstalt, in der er saß, und setzte dies nach seiner Entlassung 1967 in seinem Viertel im Norden Philadelphias fort. Er gilt allgemein als der erste moderne Graffiti-Schreiber – nicht, weil er der Erste war, der auf eine Wand schrieb, sondern weil er der Erste war, der dies systematisch tat, mit einem konsequent verwendeten Alias und dem ausdrücklichen Ziel, in der gesamten Stadt sichtbar zu sein. Diese Logik ist bis heute der Motor der Straßenkunst: Wiederholung schafft Wiedererkennung, Wiedererkennung schafft Präsenz.

TAKI 183 und die New Yorker U-Bahn

In New York nahm das Phänomen zwischen 1969 und 1971 Fahrt auf. Ein junger Bote aus Washington Heights, bekannt als TAKI 183, schrieb sein Alias entlang seiner gesamten Arbeitswege. Am 21. Juli 1971 veröffentlichte die The New York Times den Artikel „TAKI 183 Spawns Pen Pals“, und seine Wirkung lässt sich kaum überschätzen. Über Nacht wurde aus einem lokalen Phänomen ein Wettbewerb: Hunderte Jugendliche begannen, ihre Namen zu schreiben, und die U-Bahn wurde zum Verbreitungsnetz. Ein Zug, der in der Bronx bemalt worden war, war noch am selben Tag in Manhattan zu sehen. Die Kunst erhielt zum ersten Mal ein Verteilungssystem, mit dem keine Galerie mithalten konnte.

Vom Buchstaben zum Bild – der Wandel der 1980er-Jahre

Um 1980 begannen Studierende der School of Visual Arts in New York, sich in denselben Umfeldern wie die Graffitikünstler zu bewegen. Sie brachten die Spraydose mit, ließen jedoch die Namenslogik hinter sich. Keith Haring begann, mit weißer Kreide auf den schwarzen Papierbögen zu zeichnen, die unvermietete Werbeflächen in der U-Bahn bedeckten; zwischen 1980 und 1985 entstanden mehr als 5.000 Zeichnungen. Jean-Michel Basquiat wechselte innerhalb weniger Jahre von den kryptischen SAMO-Schriftzügen auf der Lower East Side zu Leinwand und Galerie. Parallel entwickelte Blek le Rat in Paris die Schablonentechnik zu einer eigenen Bildsprache mit seinen lebensgroßen Ratten. Gegen Ende des Jahrzehnts hatte sich auf beiden Seiten des Atlantiks eine postmoderne Kunstbewegung etabliert, in deren Zentrum das Bild – nicht die Signatur – stand.

Techniken und Ausdrucksformen

Die Techniken der Street Art haben alle dieselben grundlegenden Bedingungen: Sie müssen schnell funktionieren, bei Tageslicht oder in der Dunkelheit, oft ohne Leiter und immer ohne die Möglichkeit, zurückzugehen und Fehler zu korrigieren. Das hat eine Formensprache mit hohem Kontrast, klaren Konturen und einer begrenzten Farbpalette geprägt – dieselben Eigenschaften, die die Motive im Druck besonders wirkungsvoll machen.

Schablone

Die Schablone wird aus Pappe, Kunststoff oder Blech ausgeschnitten und mit Sprayfarbe besprüht. Die Technik gelangte Anfang der 1980er-Jahre durch Blek le Rat in Paris in die Street Art und wurde durch Banksy zum bekanntesten Ausdruck der Bewegung. Der Vorteil ist die Geschwindigkeit: Eine fertige Schablone erzeugt in wenigen Sekunden ein komplexes Motiv. Ästhetisch ergibt sich ein grafisches, beinahe plakatartiges Ergebnis mit harten Kanten und klar abgegrenzten Flächen, verwandt mit den politischen Drucken des frühen 20. Jahrhunderts. Gerade diese grafische Strenge macht Schablonenmotive zu den Motiven, die sich am besten in grafische Poster übertragen lassen.

Wandmalerei

Das Wandbild ist hinsichtlich des Tempos das Gegenteil von Street Art: großflächig, zeitaufwendig und fast immer genehmigungspflichtig. Die moderne Welle der Wandbilder entwickelte sich in den 2010er-Jahren aus dem Festivalformat und hat ganzen Stadtvierteln neue Fassaden verliehen. Hier treffen Street Art und das Erbe des mexikanischen Muralismus aufeinander, und technisch nähert sich die Arbeit der klassischen Wandmalerei an – mit Skizzen, Rastern und Hebebühnen.

Aufkleberkunst und Plakatieren

Das Motiv im Voraus zu drucken und vor Ort aufzukleben, ist die schnellste Methode überhaupt. Shepard Fairey baute seine gesamte „Obey Giant“-Kampagne ab 1989 auf Aufklebern und Plakaten auf, und die Technik verbindet Street Art direkt mit der Plakattradition der Belle Époque. Wer diese Verbindung verstehen möchte, kann unsere Infoseite über Henri de Toulouse-Lautrec lesen, der bereits in den 1890er-Jahren Lithografien anfertigte, die aus der Entfernung im städtischen Umfeld gelesen werden sollten.

Mosaik, Stricken und andere Materialien

Street-Art ist nicht an Farbe gebunden. Der französische Künstler Invader bringt seit 1998 in über 30 Ländern Kachelmosaike mit Figuren aus Arcade-Spielen der 1970er-Jahre an. Strickgraffiti schmückt Geländer und Pfosten mit Garn. Bügelperlenbilder, Keramik und Skulpturen aus Zement kommen ebenfalls vor. Das Gemeinsame ist nicht das Material, sondern der Ort: Das Werk ist dafür gemacht, ungeplant entdeckt zu werden.

Die Künstler, die die Bewegung prägten

Street-Art hat weder ein Manifest noch Mitgliederlisten, doch etwa ein Dutzend Namen waren entscheidend dafür, wie die Bewegung heute aussieht. Fünf von ihnen tauchen in jeder seriösen Darstellung auf.

Keith Haring (1958–1990)

Haring formulierte die demokratische Zielsetzung der Bewegung am deutlichsten. Seine U-Bahn-Zeichnungen von 1980–1985 waren kostenlos, zugänglich und bewusst leicht zu verstehen: tanzende Figuren, strahlende Babys, bellende Hunde. 1986 eröffnete er in SoHo den Pop Shop, um seine Motive günstig auf T-Shirts und Drucken zu verkaufen – ein Schritt, der von der Kunstwelt kritisiert wurde, aber auf einer konsequenten Haltung beruhte. Kunst sollte mehr Menschen erreichen als nur diejenigen, die zu Vernissagen gingen.

Jean-Michel Basquiat (1960–1988)

Basquiat begann als eine Hälfte des Duos SAMO, das Ende der 1970er-Jahre rätselhafte Aphorismen auf Gebäude in Manhattan schrieb. Später wandte er sich der Leinwand zu und wurde zum meistbeachteten jungen Maler des Jahrzehnts, bevor er im Alter von 27 Jahren starb. Sein unbetiteltes Gemälde von 1982, eine schädelähnliche Figur in Öl, Acryl und Sprühfarbe, wurde 1984 von den Eheleuten Spiegel für 19.000 Dollar gekauft und im Mai 2017 bei Sotheby's für 110,5 Millionen Dollar an den japanischen Sammler Yusaku Maezawa verkauft. Die Versteigerung dauerte zehn Minuten.

Blek le Rat (geboren 1951)

Xavier Prou, der unter dem Namen Blek le Rat arbeitete, sah auf einer Reise nach New York die Tags von TAKI 183 und beschloss, etwas Eigenes zu machen, statt zu kopieren. Das Ergebnis waren Schablonen und die lebensgroßen Ratten auf den Pariser Straßen aus dem Jahr 1981. Er wird gewöhnlich als Vater der europäischen Street-Art bezeichnet, und sein Werk ist das direkte Vorbild für vieles, was später als typisch britisch wahrgenommen wurde.

„Jedes Mal, wenn ich glaube, etwas Originelles gemalt zu haben, stellt sich heraus, dass Blek le Rat es zwanzig Jahre zuvor getan hat.“ – Banksy über seinen Vorläufer

Banksy (aktiv seit den 1990er-Jahren)

Der anonyme Künstler aus Bristol ist der bekannteste Name der Bewegung und derjenige, der am bewusstesten mit den eigenen Mechanismen der Kunstwelt als Material gearbeitet hat. Im Sommer 2009 übernahm er zwölf Wochen lang das Bristol Museum and Art Gallery; die Ausstellung war kostenlos und zog über 300.000 Besucher an. 2015 errichtete er gemeinsam mit 58 eingeladenen Künstlern den Vergnügungspark Dismaland in Weston-super-Mare, der innerhalb von fünf Wochen 150.000 Besucher empfing. Im März 2017 eröffnete in Bethlehem das The Walled Off Hotel mit neun von Künstlern gestalteten Zimmern. Seine Werke werden von der Organisation Pest Control authentifiziert, die als einzige Instanz das Recht hat, ihre Echtheit zu bestätigen.

Shepard Fairey (geboren 1970)

Fairey startete 1989 die Aufkleberkampagne, aus der „Obey Giant“ hervorging, und entwickelte eine Formensprache mit wuchtigen rot-schwarzen Flächen und konstruktivistischen Winkeln. Sein Porträt von Barack Obama aus dem Jahr 2008 mit dem Wort HOPE darunter wurde zum meistverbreiteten Bild des amerikanischen Wahlkampfs und zu einem Schulbeispiel dafür, wie die Grafik der Street Art in den politischen Diskurs Einzug halten kann. Die Verwandtschaft mit der russischen Bildtradition ist deutlich erkennbar, wie wir auf der Themenseite zum Konstruktivismus erläutern.

Street Art in Schweden

Schweden hat eines der meistdiskutierten Verhältnisse Europas zur Street Art, und die schwedische Geschichte handelt ebenso sehr von Politik wie von Ästhetik.

Die Jahre der Nulltoleranz 2007–2014

Im Jahr 2007 verabschiedete die Stadt Stockholm unter dem bürgerlichen Bündnis eine Graffiti-Politik, die festlegte, dass die Stadt weder an Aktivitäten teilnehmen noch solche unterstützen sollte, die sich nicht eindeutig von Graffiti distanzierten. Die Politik beruhte auf der Theorie der „broken windows“ und bedeutete in der Praxis, dass unerlaubte Malereien umgehend entfernt werden sollten und die Kommune sich nicht an Veranstaltungen im Zusammenhang mit dieser Ausdrucksform beteiligen durfte. In der internationalen Presse wurde sie als Europas härteste Haltung beschrieben. Im Oktober 2014 schaffte die rot-grüne Mehrheit die Nulltoleranz ab, und die Frage legaler Wände ist seither in jeder Wahlperiode wieder aufgekommen.

Artscape und die schwedische Mural-Welle

Parallel zur Stockholmer Debatte entwickelte sich in Südschweden eine ganz andere Bewegung. Die Organisation Artscape wurde 2014 in Malmö gegründet und veranstaltete 2016 in Göteborg das, was als Skandinaviens größtes Street-Art-Festival beschrieben wurde; dabei wurden 22 Wände in der ganzen Stadt den Künstlern zur Verfügung gestellt. Malmö hat seither eine der dichtesten Sammlungen großformatiger Fassadenmalereien in den nordischen Ländern aufgebaut, und mehrere kleinere Kommunen – von Torsby bis Ale – sind mit eigenen Mural-Programmen gefolgt. In Rågsved südlich von Stockholm entwickelte sich das Industriegebiet Snösätra ab 2014 zu einer der größten legalen Malflächen Europas, mit Tausenden Quadratmetern Fassadenfläche und einer jährlichen Neugestaltung Ende Mai.

Von der Fassade zum Auktionshaus

Keine Kunstrichtung hat einen schnelleren Wandel ihres Status durchlaufen. Basquiats 110,5 Millionen Dollar im Jahr 2017 waren damals der höchste Preis, der für ein Werk eines amerikanischen Künstlers bezahlt worden war, und der sechsthöchste für ein Gemälde überhaupt. Vier Jahre später ereignete sich das theatralischste Marktgeschehen der Bewegung: Banksys Girl with Balloon wurde im Oktober 2018 bei Sotheby's für etwas mehr als eine Million Pfund zugeschlagen. Daraufhin aktivierte sich ein versteckter Aktenvernichter im Rahmen und zerschnitt die untere Hälfte. Das halb zerstörte Werk wurde in Love is in the Bin umbenannt und im Oktober 2021 für 18,6 Millionen Pfund verkauft – bei einem Schätzpreis von vier bis sechs Millionen. Neun Bieter lieferten sich zehn Minuten lang ein Duell.

Diese Entwicklung hat eine grundsätzliche Spannung geschaffen, die die Bewegung noch nicht gelöst hat. Street Art wird dadurch definiert, dass sie kostenlos, vergänglich und ortsgebunden ist. Wenn ein Werk aus einer Fassade herausgeschnitten und in einen Auktionskatalog überführt wird, verliert es zwei seiner drei Eigenschaften. Viele Künstler haben darauf reagiert, indem sie bewusst in Auflagen arbeiten: signierte Drucke und Siebdrucke, die direkt zu erschwinglichen Preisen an das Publikum verkauft werden. Es ist dieselbe Logik, auf der Haring 1986 den Pop Shop aufbaute, und sie erklärt unmittelbar, warum Motive der Street Art als gedruckte Kunst so verbreitet geworden sind.

Street Art als gedruckte Kunst im Zuhause

Die Formensprache der Street Art ist darauf ausgelegt, aus zehn Metern Entfernung von jemandem erfasst zu werden, der vorbeigeht. Das macht sie für Drucke besonders dankbar: Die Motive lassen sich problemlos zuschneiden, behalten ihre Wirkung auch in kleinerem Format und funktionieren ohne kunsthistorische Vorkenntnisse. Gleichzeitig gibt es Fallstricke. Ein Motiv, das auf einer Betonmauer provokant wirkte, kann an einer weiß gestrichenen Wand flach wirken, wenn es falsch platziert wird.

Platzierung und Format

Street Art kommt am besten zur Geltung, wenn sie den Raum dominiert. Ein großes Motiv allein an einer Wand vermittelt das ursprüngliche Erlebnis besser als sechs kleine nebeneinander. Wählen Sie lieber 50×70 oder 70×100 Zentimeter statt einer zusammenhängenden Anordnung und hängen Sie das Werk niedrig auf – idealerweise mit dem Mittelpunkt des Motivs auf Augenhöhe, etwa 145 Zentimeter über dem Boden. In einem Raum mit hoher Decke oder sichtbaren Installationen wird das Zusammenspiel besonders deutlich; unser Guide zum Brutalismus als Einrichtungsstil zeigt, wie roher Beton und grafische Motive einander verstärken.

Farbe, Rahmen und Kontext

Schablonenmotive in Schwarz und Weiß mit nur einer Akzentfarbe sind der charakteristischste Ausdruck der Bewegung und zugleich am zeitlosesten. Sie passen zu praktisch jeder Wandfarbe und harmonieren gut mit Schwarz-Weiß-Postern. Wenn Sie mehr Energie möchten, passen die farbenfrohen Wandmotive besser zu abstrakten Postern. Die Wahl des Rahmens bestimmt den Ton: Ein schwarzer Metallrahmen verstärkt den urbanen Charakter, während helle Eiche weicher wirkt und das Motiv wohnlicher statt rau erscheinen lässt. An einer dunklen Wand ist besondere Sorgfalt erforderlich, worauf wir in unserem Kaufratgeber für Poster an dunklen Wänden näher eingehen.

Tipp: Street-Art-Motive vertragen sich gut mit Typografie. Kombinieren Sie ein grafisches Motiv mit einer Texttafel im selben Rahmentyp – so entsteht die Mischung aus Bild und Botschaft auf der Straße, ohne dass der Raum unruhig wirkt. Beschränken Sie sich bei einer Wandgruppe auf zwei Rahmentypen und lassen Sie mindestens zehn Zentimeter Abstand zwischen den Rahmen.

Zeitleiste

1965 – Darryl McCray, Cornbread, beginnt in Philadelphia, sein Alias zu schreiben, und gilt als erster moderner Graffiti-Schreiber.

1971 – Die New York Times veröffentlicht am 21. Juli den Artikel über TAKI 183. Graffiti erhält landesweite Aufmerksamkeit und verbreitet sich in New York explosionsartig.

1980 – Keith Haring beginnt, mit Kreide auf leeren Werbeflächen in der New Yorker U-Bahn zu zeichnen. Bis 1985 entstehen mehr als 5.000 Werke.

1981 – Blek le Rat sprüht seine ersten Schablonenratten in Paris und führt die Technik in die europäische Street Art ein.

1986 – Haring eröffnet den Pop Shop in SoHo und macht seine Motive als erschwingliche Drucke und Textilien zugänglich.

1989 – Shepard Fairey startet die Aufkleberkampagne, aus der Obey Giant hervorgeht.

1998 – Invader bringt seine ersten Kachelmosaike in Paris an; das Projekt wächst später auf über 30 Länder an.

2007 – Die Stadt Stockholm verabschiedet ihre Graffiti-Richtlinie mit Nulltoleranz gegenüber Graffiti.

2009 – Banksy übernimmt zwölf Wochen lang das Bristol Museum and Art Gallery und zieht mehr als 300.000 Besucher an.

2014 – Artscape wird in Malmö gegründet. Im selben Jahr schafft Stockholm seine Nulltoleranz ab, und das Industriegebiet Snösätra wird als legale Malfläche genutzt.

2016 – Artscape veranstaltet in Göteborg Skandinaviens größtes Street-Art-Festival mit 22 Wänden.

2017 – Basquiats unbenanntes Gemälde aus dem Jahr 1982 wird für 110,5 Millionen Dollar verkauft. Banksys The Walled Off Hotel öffnet im März in Bethlehem.

2021 – Love is in the Bin wird bei Sotheby's für 18,6 Millionen Pfund verkauft – der bis dahin höchste Preis der Bewegung für ein Werk von Banksy.

Häufige Fragen zur Straßenkunst

Was ist der Unterschied zwischen Graffiti und Straßenkunst?

Graffiti ist in seiner klassischen Form namensbasiert und richtet sich hauptsächlich an andere Kunstschaffende, die das Werk anhand der Linienführung, Farbgebung und des Schwierigkeitsgrads beurteilen. Straßenkunst ist bildbasiert und wendet sich mit einem Inhalt an die Allgemeinheit, der sich ohne Vorkenntnisse erschließen lässt. Historisch entwickelte sich die Straßenkunst in den 1980er-Jahren aus dem Graffiti, als Kunststudenten in New York die Materialien übernahmen, aber den Buchstaben durch das Bild ersetzten.

Wann entstand die Straßenkunst?

Die Vorgeschichte beginnt mit Cornbread in Philadelphia im Jahr 1965 und dem Durchbruch des Graffiti in New York nach dem Artikel der New York Times über TAKI 183 am 21. Juli 1971. Die Straßenkunst als eigenständige Richtung wird gewöhnlich auf die Zeit um 1980 datiert, als Keith Haring mit seinen U-Bahn-Zeichnungen begann und Blek le Rat kurz darauf die Schablone in Paris einführte. In der zweiten Hälfte der 1980er-Jahre etablierte sich die Bewegung auf beiden Seiten des Atlantiks.

Wer ist der berühmteste Straßenkünstler der Welt?

Banksy ist ohne Konkurrenz der bekannteste Name der Bewegung, obwohl seine Identität nie öffentlich bestätigt wurde. Seine Ausstellung im Bristol Museum zog 2009 mehr als 300.000 Besucher an, der Vergnügungspark Dismaland empfing 2015 innerhalb von fünf Wochen 150.000 Besucher, und das Werk Love is in the Bin wurde 2021 für 18,6 Millionen Pfund verkauft. Keith Haring, Jean-Michel Basquiat und Shepard Fairey gehören zu den weiteren Namen, die in jedem Überblick über die Bewegung wiederkehren.

Ist Streetart in Schweden illegal?

Das Bemalen fremden Eigentums ohne Genehmigung gilt als Sachbeschädigung und ist somit strafbar. Streetart mit Zustimmung des Eigentümers ist dagegen vollständig legal, und ein großer Teil dessen, was heute in Schweden entsteht, wird innerhalb solcher Rahmenbedingungen geschaffen. Stockholm hatte zwischen 2007 und 2014 eine formelle Nulltoleranz gegenüber Graffiti, während Malmö und Göteborg im selben Zeitraum unter anderem durch Artscape, das 2014 gegründet wurde, organisierte Mural-Programme aufbauten.

Wo kann man in Schweden Streetart sehen?

Malmö verfügt über die dichteste Sammlung großformatiger Fassadenmalereien in den nordischen Ländern, größtenteils dank Artscape, das dort 2014 gegründet wurde. Göteborg erhielt während des Festivals 2016 22 neue Wände und hat seitdem weitere Mauern ergänzt. Im Großraum Stockholm ist das Industriegebiet Snösätra in Rågsved die größte legale Fläche, mit einer jährlichen Neugestaltung Ende Mai. Auch kleinere Gemeinden wie Torsby und Ale haben eigene Mural-Programme.

Welche Techniken werden in der Streetart verwendet?

Die vier häufigsten sind freihändiges Sprayen, Schablonen, vorgedruckte Poster und Aufkleber sowie großformatige Wandmalerei mit Skizze und Hebebühne. Darüber hinaus gibt es Fliesenmosaike, mit denen Invader seit 1998 arbeitet, gestrickte Graffiti an Geländern und Pfosten, Bügelperlenbilder und skulpturale Eingriffe. Die Wahl der Technik hängt fast immer davon ab, wie viel Zeit der Künstler vor Ort hat.

Welches Format eignet sich am besten für Streetart-Motive an der Wand?

Großformate in 50×70 oder 70×100 Zentimetern funktionieren am besten, da die Motive ursprünglich dafür komponiert wurden, aus der Entfernung betrachtet zu werden. Ein einzelnes großes Motiv wirkt stärker als mehrere kleine in einer Gruppe. Hänge die Mitte des Motivs auf Augenhöhe auf, etwa 145 Zentimeter über dem Boden, und wähle einen schwarzen Metallrahmen für einen rauen Eindruck oder helles Eichenholz, wenn das Motiv sich dezent in die Einrichtung einfügen soll.

Wenn du die Formsprache der Streetart in dein Zuhause holen möchtest, beginnst du am einfachsten mit einem großformatigen grafischen Motiv. Entdecke unsere grafischen Poster für klare, schablonennahe Ausdrucksformen oder lies den Artikel über Andy Warhol und die Linie hinter dem Bild, wenn du verstehen möchtest, wie die Wiederholung schon lange vor der Spraydose zur Kunst wurde.