Gustav Klimt – Wiensessionen, der Kuss und der Meister der Goldfiguren

Gustav Klimt ist einer der bekanntesten Künstler der Kunstgeschichte – der Mann, dessen goldene Bildsprache die akademische Kunst des 19. Jahrhunderts in etwas völlig Neues verwandelte. Mit seinen schimmernden Kompositionen aus Blattgold, seinen kühnen Ornamenten und seiner kompromisslosen Liebe zum Dekorativen schuf er Werke, die noch mehr als ein Jahrhundert nach seinem Tod berühren, provozieren und faszinieren. Es überrascht nicht, dass Klimt-Poster heute zu den beliebtesten und begehrtesten Kunstdrucken für schwedische Wohnungen gehören.

Von seinem aufsehenerregenden Bruch mit der Wiener Kunstinstitution bis zu dem berühmten Gemälde Der Kuss – einem der meist reproduzierten Kunstwerke der Welt – lebt Klimts Vermächtnis in Ausstellungssälen, Kunstbüchern und an den Wänden moderner Wohnungen weiter. Diese Seite erzählt alles, was du über Gustav Klimt wissen musst: sein Leben, seine Technik, seine wichtigsten Werke und wie du das richtige Klimt-Poster für dein eigenes Zuhause auswählst.

Inhalt

Wer war Gustav Klimt?
Die Wiener Secession – der Aufbruch, der die Kunst veränderte
Klimts wichtigstes Werk
Das Gold, die Muster und das Dekorative – Klimts Technik
Klimts Vermächtnis und Einfluss auf die moderne Kunst
Klimt-Poster im Zuhause – Motive, Räume und Platzierung
Zeitleiste
Verwandte Künstler
Häufig gestellte Fragen zu Gustav Klimt

Wer war Gustav Klimt?

Gustav Klimt wurde am 14. Juli 1862 in Baumgarten, einem Vorort Wiens, als zweites von sieben Geschwistern in einer Arbeiterfamilie geboren. Sein Vater Ernst Klimt war Goldschmied und Graveur – ein Beruf, der mit großer Wahrscheinlichkeit Gustavs lebenslange Faszination für Edelmetalle, Oberflächen und die handwerkliche Art, ein Bild aufzubauen, weckte. Im Alter von vierzehn Jahren wurde Klimt an der Kunstgewerbeschule in Wien aufgenommen, wo er zum Dekorationsmaler ausgebildet wurde. Gemeinsam mit seinem Bruder Ernst und seinem Freund Franz Matsch gründete er ein erfolgreiches Dekorationsunternehmen, das Aufträge zur Ausschmückung von Theatern und Palästen in der gesamten Monarchie erhielt.

Es war ein Leben im Wien des Umbruchs. Die Stadt durchlief eine rasante Modernisierung: Die Ringstraße wurde angelegt, die alten Stadtmauern abgerissen und Kultureinrichtungen in prächtigen neuen Baustilen errichtet. Klimt war Teil dieser Entwicklung, doch schon bald sollte er zu demjenigen werden, der mit dem Alten brach. In den 1890er-Jahren vertiefte sich sein Kunstverständnis, und er wandte sich dem Symbolismus, der Mystik und einem neuen Verständnis dafür zu, was ein Bild jenseits der bloßen Abbildung leisten konnte.

Kurzinfos: Gustav Klimt (1862–1918) · Österreichischer Künstler, Symbolist und Meister des Jugendstils · Gründer der Wiener Secession 1897 · Am bekanntesten für Der Kuss (1907–08) und Adele Bloch-Bauer I (1907) · Goldene Periode: ca. 1899–1910 · Der Kuss befindet sich im Besitz der Österreichischen Galerie Belvedere in Wien · Adele Bloch-Bauer I wurde 2006 für 135 Millionen Dollar verkauft – damals der höchste Preis für ein Kunstwerk · Inspiriert von byzantinischen Mosaiken in Ravenna

Klimt blieb sein ganzes Leben unverheiratet, hatte jedoch mehrere enge Beziehungen, von denen die lebenslange Freundschaft und vermutlich auch Liebesbeziehung mit der jungen Modedesignerin Emilie Flöge die bekannteste war. Er starb am 6. Februar 1918 an einem Schlaganfall, kurz nachdem der Erste Weltkrieg die ihm bekannte Welt beendet hatte. Er war 55 Jahre alt und hinterließ in seinem Atelier ein unvollendetes Werk, Die Braut.

Die Wiener Secession – der Aufbruch, der die Kunst veränderte

Am 3. April 1897 wurde die Wiener Secession von Gustav Klimt und rund vierzig Künstlern, Architekten und Gestaltern gegründet, die sich nicht der konservativen Kunstinstitution beugen wollten. Klimt wurde der erste Vorsitzende der Bewegung. Zu den weiteren Gründern gehörten der Gestalter Koloman Moser, die Architekten Josef Hoffmann und Joseph Maria Olbrich – der das Secessionsgebäude mit seiner berühmten goldenen Lorbeerkuppel entwarf – sowie der Bildhauer Edmund von Hellmer. Kurz darauf schloss sich der Architekt Otto Wagner an. Eine vollständige Darstellung der Geschichte, des Gebäudes, der Ausstellungen und der Spaltung der Bewegung finden Sie auf der Themenseite zur Wiener Secession.

Die Secession hatte ein klares Programm: Der Zeit ihre Kunst, der Kunst ihre Freiheit – „Der Zeit ihre Kunst, der Kunst ihre Freiheit.“ Die Worte sind noch immer in die Fassade des Secessionsgebäudes in Wien eingraviert. Die Bewegung ließ sich von ähnlichen Aufbrüchen in München und Berlin inspirieren und betrachtete Kunst als ein umfassendes Lebensprojekt, in dem Malerei, Architektur, Handwerk und Gestaltung ein Ganzes bildeten. Das ist die Grundlage dessen, was gemeinhin als Gesamtkunstwerk bezeichnet wird – das vollkommene Kunstwerk.

Die Secession veranstaltete zwischen 1898 und 1905 23 Ausstellungen, stellte dem Wiener Publikum internationale Künstler wie Auguste Rodin, Ferdinand Hodler und Jan Toorop vor und gab die Zeitschrift Ver Sacrum („Heiliger Frühling“) heraus, die zu einem der wichtigsten Organe des Jugendstils wurde. Doch Spannungen innerhalb der Bewegung waren nie weit entfernt. 1905 spaltete sich die Secession in einem Streit darüber, ob Kunst und Handwerk integriert oder getrennt gehalten werden sollten. Klimt und eine Gruppe Gleichgesinnter verließen sie – und es war unter anderem seine Gruppe, die den Grundstein für die Wiener Werkstätte legte.

Die Wiener Secession ist heute eines der einflussreichsten Beispiele der Kunstgeschichte dafür, wie sich Künstler organisierten, um Institutionen herauszufordern, eine neue Ästhetik zu definieren und die Kunst nach außen zu öffnen. Das Erbe der Bewegung lebt in jeder Kunstgalerie weiter, die sich weigert, zwischen Kunst und Gestaltung zu unterscheiden.

Klimts wichtigstes Werk

Der Kuss (Der Kuss), 1907–08

Der Kuss ist Gustav Klimts Meisterwerk und eines der meist reproduzierten Kunstwerke der Welt. Das Gemälde entstand 1907–1908 und wurde 1908 auf der Kunstschau Wien im halbfertigen Zustand unter dem Titel Liebespaar – „Liebendes Paar“ ausgestellt. Der österreichische Staat kaufte das Werk umgehend für 25.000 Kronen, und es gelangte in die Österreichische Galerie Belvedere in Wien, wo es sich noch heute befindet. Österreich betrachtet den Kuss als nationalen Schatz und hat seinen Verkauf nie gestattet.

Die Komposition ist betörend einfach und zugleich unmöglich komplex. Zwei Figuren - ein eng umschlungenes Paar - knien am Rand einer blumengesäumten Klippe. Der Mann beugt sich hinunter und küsst die Wange der Frau. Die Körper des Paares sind von einem gemeinsamen Umhang verhüllt, der in Gold und Ornamenten wallt: Das Gewand des Mannes ist mit schwarzen und weißen Rechtecken gesäumt, das der Frau mit blumigen, runden Mustern. Klimt verwendete Blattgold direkt auf der Leinwand - eine Technik, zu der er sich von den byzantinischen Mosaiken in Ravenna inspirieren ließ, die er 1903 besuchte.

"Der Kuss ist keine Darstellung eines Augenblicks. Es ist die Darstellung eines Zustands - der absoluten Nähe und der vollständigen Auflösung der Grenzen zwischen zwei Menschen."

Der Kuss ist eines der meistverkauften Kunstposter der Welt. Als Klimt-Poster passt er dank seiner warmen Goldpalette und seiner universellen Darstellung der Liebe in nahezu jeden Raum und zu jedem Einrichtungsstil. Wenn Sie nach einem schönen Poster eines berühmten Künstlers suchen, ist Der Kuss eine sichere Wahl.

Judith I, 1901

Judith I ist eines der provokativsten Porträts der Kunstgeschichte. Klimt stellte die biblische Heldin Judith - die ihr Volk rettete, indem sie den assyrischen Feldherrn Holofernes enthauptete - nicht als tugendhafte Kriegerin dar, sondern als sinnliche, halb entblößte Frau mit einem Ausdruck des Triumphs und berauschten Genusses. In der Hand hält sie Holofernes' abgeschlagenen Kopf, doch er wirkt fast wie ein Nebenschauplatz. Es ist Judiths Blick, der dominiert.

Das Werk war für seine Zeit skandalös und wurde beschuldigt, eine biblische Heldin auf ein erotisches Objekt zu reduzieren. Klimt antwortete nie auf die Kritik. Heute wird Judith I als kühner Versuch gelesen, den Schnittpunkt von Macht und Begehren zu erforschen, mit einer Frau als Subjekt statt als Objekt. Das Werk gehört der Österreichischen Galerie Belvedere und ist eines der am eingehendsten analysierten Werke Klimts in der kunstwissenschaftlichen Forschung.

Adele Bloch-Bauer I, 1907

Das Porträt der Adele Bloch-Bauer ist das ehrgeizigste Werk aus Klimts goldener Periode. Adele, Ehefrau des wohlhabenden Zuckerindustriellen Ferdinand Bloch-Bauer, war Klimts wichtigste Mäzenin und wahrscheinlich seine Geliebte. Klimt widmete dem Porträt ungewöhnlich viel Zeit – die Arbeit erstreckte sich über mehrere Jahre und umfasste Hunderte vorbereitender Studien – und das Ergebnis ist überwältigend: Adele tritt aus einem Goldsturm aus Ornamenten, Spiralmustern und geometrischen Formen hervor, die es schwer machen, die Figur vom Hintergrund zu unterscheiden.

Das Gemälde wurde nach dem Anschluss 1938 vom NS-Regime beschlagnahmt und gelangte in die Österreichische Galerie Belvedere. Ein jahrzehntelanger Rechtsstreit endete 2006, als ein österreichisches Gericht feststellte, dass fünf Klimt-Werke, darunter Adele Bloch-Bauer I, rechtmäßig Adeles Erben gehörten. Maria Altmann, Adeles Nichte, verkaufte das Werk unmittelbar für 135 Millionen Dollar an Ronald Lauder – damals der absolute Rekordpreis für ein Kunstwerk. Heute hängt es in der Neuen Galerie in New York.

Beethovenfries, 1902

Für die Secessionsausstellung von 1902, die Ludwig van Beethoven gewidmet war, schuf Klimt ein monumentales Wandgemälde: den Beethovenfries. Das 34 Meter lange Werk erstreckt sich über drei Wände des Secessionsgebäudes und schildert das Streben der Menschheit nach Glück und Erlösung durch die Kunst. Der Fries enthält allegorische Figuren, Ungeheuer und schließlich eine Szene, die der Kuss unmittelbar vorausging – ein sich umarmendes Paar, das den Zustand der Erfüllung symbolisiert.

Der Fries wurde ursprünglich als vorübergehendes Werk betrachtet und nach der Ausstellung zurückgelassen. Schließlich wurde er vom österreichischen Staat erworben und über Jahrzehnte restauriert. Heute können Besucher ihn in situ im Untergeschoss des Secessionsgebäudes sehen – eines der außergewöhnlichsten Kunsterlebnisse Wiens. Der Fries ist ein strahlendes Beispiel für Klimts Fähigkeit, im großen Maßstab zu arbeiten und Symbolismus, Jugendstil und dekoratives Kunsthandwerk zu einer zusammenhängenden Erzählung zu verbinden.

Das Gold, die Muster und das Dekorative – Klimts Technik

Was Klimts Kunst sofort erkennbar macht, ist das Gold. Doch es handelt sich nicht nur um eine ästhetische Vorliebe – dahinter steht eine durchdachte künstlerische Strategie mit tiefen historischen Wurzeln. Die Inspiration kam teilweise von seinem Vater, der Goldschmied war, und teilweise von den byzantinischen Mosaiken, die Klimt 1903 in Ravenna studierte. Die goldenen Bilder in San Vitale und Sant'Apollinare Nuovo zeigten, dass Gold kein Schmuck, sondern eine Bildsprache war: eine Möglichkeit, eine andere Wirklichkeit jenseits des Irdischen und des Erzählerischen zu schaffen.

In seiner goldenen Periode (etwa 1899–1910) verwendete Klimt Blattgold, das direkt auf die Leinwand aufgetragen wurde. Die Technik erfordert Präzision und Geduld: Das Blatt ist extrem dünn und empfindlich und muss in exakt abgegrenzten Bahnen aufgelegt werden. Klimt kombinierte ölbasierte Schichten mit dem Gold und schuf tiefe, geschichtete Oberflächen, die je nach Lichteinfall ihren Charakter verändern. Gleichzeitig füllte er die Flächen mit Ornamenten – Kreisen, Spiralen, Rechtecken, Blumenmustern –, die aus einer Reihe von Traditionen stammen: japanischem Kunsthandwerk, ägyptischer Kunst, mykenischen Goldobjekten und der Jugendstilornamentik, von der er in Wien umgeben war.

Eine wichtige Besonderheit von Klimts Kompositionen ist der Kontrast zwischen dem Dekorativen und dem Lebendigen. Gesichter und Hände – die Körperteile, die Gefühle und Geschichten tragen – sind stets mit großer Natürlichkeit und Weichheit gemalt. Körper und Hintergründe lösen sich dagegen in Ornamente und Muster auf. Dadurch entsteht eine Spannung: Das Menschliche und das Abstrakte begegnen sich in jedem Bild. Dieser Kontrast macht Der Kuss so kraftvoll – die nackten Hände und das entblößte Gesicht vor dem goldenen, die Formen auflösenden Umhang.

Klimt fertigte außerdem eine enorme Anzahl an Vorstudien an. Zu Adele Bloch-Bauer I gibt es Hunderte von Kreide- und Kohlestudien zu Details, Gewandornamenten und Gesichtsausdrücken. Seine Arbeitsweise war sorgfältig, beinahe zwanghaft, und stand in einem merkwürdigen Gegensatz zu seinem Ruf als spontaner und sinnlicher Künstler. Er war diszipliniert, methodisch und zutiefst professionell.

Klimts Vermächtnis und Einfluss auf die moderne Kunst sowie aktuelle Ausstellungen

Gustav Klimts Einfluss auf nachfolgende Künstlergenerationen ist kaum zu überschätzen. Sein Schüler Egon Schiele führte die expressive Linie in eine völlig andere Richtung weiter – roher, provokanter und stärker Grenzen auslotend, aber mit Klimts Betonung des menschlichen Körpers als Ausgangspunkt. Oskar Kokoschka, ein weiterer junger Künstler aus Klimts Umfeld, fand in seinem Werk ein inspirierendes Vorbild für die expressionistische Erforschung des inneren Lebens.

Außerhalb der österreichischen Kunstszene lässt sich Klimts Einfluss von den geometrischen Dekorationen der Art-déco-Bewegung bis zum zeitgenössischen Einrichtungstrend mit Gold und organischen Mustern verfolgen. Klimts ornamentale Weltanschauung – dass Kunst und Gestaltung dasselbe sind, dass Schönheit kein Luxus, sondern eine Notwendigkeit ist – lebt als eines der beständigsten Gegenmittel der Moderne gegen das rein Funktionale weiter.

Heute ist Klimt beliebter denn je. Seine Werke ziehen ein enormes Publikum an und erzielen bei Kunstauktionen Rekordpreise. Im Jahr 2025 und 2026 finden mehrere große Klimt-Ausstellungen statt oder sind geplant:

Belvedere, Wien (noch bis September 2025): Die Ausstellung „Gustav Klimt – Pigment & Pixel“ in der Österreichischen Galerie Belvedere nutzte fortschrittliche Analysemethoden, um neue Schichten in Klimts Schaffensprozess aufzudecken – wie er seine Kompositionen aufbaute, wie er Gold verwendete und wie sich seine Technik im Laufe der Zeit veränderte.

Ateneum, Helsinki (September 2025 - Februar 2026): Die Ausstellung „Gallen-Kallela, Klimt & Wien“ stellt Klimt in einen nordischen Kontext und zeigt seine Verbindung zu den finnischen Künstlern, denen er während der Secessionszeit begegnete und mit denen er Impulse austauschte. Eine ungewöhnliche Perspektive, die das skandinavische Kunstpublikum interessiert.

Immersive Erlebnisse: In Budapest, New York und Tokio finden 2025–2026 große immersive Klimt-Ausstellungen statt, bei denen die Werke mit Musik und Bewegungschoreografien in monumentalem Maßstab projiziert werden. Die Hall des Lumières in Manhattan ist eine der meistbesprochenen.

Klimts Werke sind in großen Museen auf der ganzen Welt vertreten. Neben dem Belvedere in Wien besitzen auch das Leopold Museum und das Kunsthistorische Museum in Wien bedeutende Teile seines Schaffens, während die Neue Galerie in New York Adele Bloch-Bauer I beherbergt. Auf der offiziellen Klimt-Seite des Belvedere finden Sie aktuelle Informationen zu Ausstellungen.

Klimt-Poster im Zuhause – Motive, Räume und Platzierung

Klimts Kunst ist dafür geschaffen, dekorativ zu sein. Er war der Ansicht, dass Kunst und Umgebung eine Einheit bilden, und seine Werke besitzen die Fähigkeit, einen Raum zu bereichern, mit der nur wenige andere Künstler mithalten können. Die Goldtöne verleihen Wärme, die Ornamentik schafft Tiefe, und die bekannten Motive sorgen für sofortige Wiedererkennung und Resonanz.

Der Kuss passt in nahezu jeden Kontext: ins Schlafzimmer (ein sich umarmendes Paar als Motiv ist wie geschaffen dafür), ins Wohnzimmer (als alleinige Bilderwand oder in einer Komposition mit anderen Klimt-Werken) und in den Flur (als einladender Blickfang). Wählen Sie ein Poster mit einem neutralen Rahmen mit weißem, schwarzem oder gold­farbenem Profil – der Goldrahmen verstärkt die eigenen Töne des Werks.

Judith I passt am besten in Räume, in denen Sie eine stärkere, dramatischere Präsenz wünschen. Arbeitszimmer, Bibliothek und Esszimmer sind natürliche Orte. Die Kontraste des Motivs – schwarzer Hintergrund, goldene Ornamente, der direkte Blickkontakt – wirken bei guter Beleuchtung am besten.

Adele Bloch-Bauer I ist detailreich und kommt in einer gröberen Druckqualität und einem größeren Format besonders gut zur Geltung. Wählen Sie A2 oder größer, wenn Sie das Bild allein an einer Wand aufhängen. Die warmen, muskovitfarbenen Töne des Motivs passen hervorragend zu Räumen mit erdigen Nuancen – Terrakotta, Sand, tiefes Grün.

Tipps: Klimts Goldtöne harmonieren auf natürliche Weise mit den Kupfer-, Messing- und Terrakottafarben der Einrichtung. Kombinieren Sie ein Kyssen-Poster mit einem schlichten schwarz-weißen botanischen Print, um das Dekorative auszugleichen – so entsteht Tiefe, ohne dass der Boden verschwindet. Unsere Rahmen mit goldfarbenem Profil sind maßgeschneidert für Klimt-Motive. Sehen Sie sich auch unseren Ratgeber für Bilderwände für weitere Ideen an.

Möchten Sie eine von Klimt inspirierte Bildkomposition gestalten? Wählen Sie ein zentrales Klimt-Motiv - vorzugsweise Der Kuss oder Adele - und ergänzen Sie es mit 1-2 abstrakten Golddrucken oder botanischen Motiven. Halten Sie die Rahmengrößen einheitlich und legen Sie die Komposition auf dem Boden aus, bevor Sie sie aufhängen. Lesen Sie mehr in unserem Leitfaden zu Klimt-Bildern im Zuhause oder in unserem Beitrag über Symbolismus in der Kunst.

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Zeitleiste

Gustav Klimt wird am 14. Juli 1862 in Baumgarten bei Wien als Sohn eines Goldschmieds aus Böhmen und einer österreichischen Mutter geboren. Im Alter von vierzehn Jahren wird er 1876 an der Wiener Kunstgewerbeschule aufgenommen, wo er dekorative Malerei studiert und seinen lebenslangen Freund und Kollegen Franz Matsch kennenlernt. Gemeinsam mit seinem Bruder Ernst Klimt gründen sie 1879 die Künstler-Compagnie, ein Dekorationsunternehmen, das bald Aufträge zur Ausschmückung von Theatern in Reichenberg, Karlsbad und Fiume erhält.

In den 1880er-Jahren floriert das Unternehmen, und Klimt erhält 1886 den prestigeträchtigen Auftrag, die Treppenhäuser des neu erbauten Burgtheaters in Wien auszuschmücken; 1890 wird ihm die Kaiserliche Goldmedaille verliehen. Doch 1892 verändert sich sein Leben: Sein Bruder Ernst stirbt an einer Herzkrankheit, und sein Partner Franz Matsch geht eigene Wege. Klimt tritt in eine lange Phase des Zweifelns und der Vertiefung ein.

1897 gründet er die Wiener Secession und wird zum ersten Vorsitzenden der Bewegung gewählt. Seine Kunst bewegt sich nun in Richtung Symbolismus und Jugendstil. Zwischen 1900 und 1907 schafft er sein heute kontroversestes Werk: drei Wandgemälde für die Aula der Universität Wien - Philosophie, Medizin und Jurisprudenz -, die wegen ihrer nackten Figuren und der nihilistischen Bildsprache gewaltige Proteste auslösen. Die Universität weigert sich, sie anzunehmen. Klimt kauft die Gemälde mit eigenen Mitteln zurück; 1945 werden sie bei einem Brand zerstört.

Um 1899 beginnt er jene goldene Phase, die ihn berühmt machen wird. 1903 reist er nach Ravenna und studiert die byzantinischen Mosaike. 1907 vollendet er das Porträt von Adele Bloch-Bauer I und beginnt Der Kuss. Zwischen 1905 und 1909 schafft er außerdem den Stoclet-Fries für den Stoclet-Palast in Brüssel - einen der absoluten Höhepunkte des Jugendstils.

Nach der Goldenen Periode wendet sich Klimt einer freieren, expressiveren Formensprache mit kräftigeren Farben zu. Er reist nach Paris, begegnet Henri Matisse und den Werken der Impressionisten und lässt diese Impulse in seinen späten Stil einfließen. Bis zu seinem Schlaganfall im Januar 1918 arbeitet er intensiv. Am 6. Februar 1918 stirbt Gustav Klimt im Alter von 55 Jahren. Im Atelier hinterlässt er ein unvollendetes Werk – Die Braut –, das davon zeugt, dass er bis zuletzt nach neuen Wegen suchte.

Verwandte Künstler

Gustav Klimt wirkte in einer Zeit und einem Europa, die von künstlerischen Umbrüchen und Bewegungen geprägt waren. Seine Kunst zu verstehen bedeutet auch, seine Zeitgenossen und die Bewegungen zu verstehen, mit denen er sich auseinandersetzte.

Wiener Secession ist die Bewegung, die Klimt selbst gründete und bis zur Spaltung 1905 als Vorsitzender leitete. Die Infoseite behandelt das Secessionsgebäude mit seiner goldenen Kuppel, die Zeitschrift Ver Sacrum, die Beethoven-Ausstellung von 1902 und das Erbe der Bewegung in der Wiener Werkstätte. Lesen Sie mehr auf Bozettos Infoseite über die Wiener Secession.

Art Nouveau (Jugendstil) ist die Kunstbewegung, der Klimt selbst durch die Wiener Secession angehörte. Die geschwungene Ornamentik, das Gold und die Verbindung von Kunst und Handwerk, die den Kuss prägen, sind typische Merkmale des Jugendstils. Lesen Sie mehr auf Bozettos Infoseite über Art Nouveau und den Jugendstil.

Henri Matisse war Klimts nächster Zeitgenosse, was sein Interesse am Dekorativen und Ornamentalen betrifft. Matisse suchte Freiheit in der Farbe, Klimt im Gold und im Muster – doch beide betrachteten die Bildfläche als einen Raum, den es mit Mustern und Formen zu bevölkern galt, statt als einen Spiegel, den man auf die Wirklichkeit richtet. Klimt begegnete Matisse auf Reisen nach Paris und kannte zweifellos dessen Werke. Auf Bozettos Infoseite über Henri Matisse erfahren Sie mehr über das Leben und Werk des Fauvismus-Künstlers.

Vincent van Gogh repräsentiert eine andere Seite der Kunstrevolution des 19. Jahrhunderts: die expressive Linie und die reine Gestaltung von Gefühlen. Van Gogh starb 1890, gerade als Klimt seine reife Schaffensphase einleitete, doch sein Einfluss auf die gesamte symbolistische Generation war enorm. Lesen Sie mehr auf Bozettos Seite über Van Gogh.

Claude Monet und die Impressionisten sind ein wichtiges Referenzkapitel für Klimts spätes Schaffen. Während seiner Reisen nach Paris nahm er die Eindrücke der impressionistischen Behandlung von Licht und Atmosphäre auf, auch wenn er sich der Bewegung nie anschloss. Siehe Bozettos Informationsseite über den Impressionismus.

Hilma af Klint ist ein interessanter Parallelfall: eine europäische Künstlerin, die genau zur selben Zeit wie Klimt das Okkulte, das Symbolische und das Spirituelle in der Kunst erforschte, jedoch aus einer nordischen und radikal abstrakten Perspektive. Klimt und Klint begegneten sich nie, teilten aber die Suche nach etwas jenseits des Sichtbaren. Erfahre mehr über Hilma af Klint bei Bozetto.

Klimts Schüler Egon Schiele führte die expressive Linie weiter und gehört derselben Wiener Tradition an. Siehe auch Gustav Klimt bei Google Arts & Culture und Wikipedia über Gustav Klimt für weitere biografische Informationen und Bildmaterial. Siehe auch unsere Seite über Alphonse Mucha. Bozettos Wissensdatenbank bietet einen gebündelten Überblick über Künstler, Kunstrichtungen und Einrichtungsratgeber. Klimt wird häufig dem Symbolismus und dessen Traum vom Spirituellen und Mythologischen zugerechnet.

Häufig gestellte Fragen zu Gustav Klimt

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