Helene Schjerfbeck – die Selbstporträts, das nordische Licht und die stille Meisterin der Moderne

Helene Schjerfbeck ist die stillste Revolutionärin der nordischen Kunst. Im Laufe von 84 Jahren verwandelte sie ihre Malerei vom salonfähigen Naturalismus in einen radikal reduzierten Modernismus, in dem eine Wange aus drei Pinselstrichen und ein Hintergrund aus unbemalter Leinwand bestehen kann. Als Kinderstar an der Zeichenschule des Finnischen Kunstvereins debütierte sie, gewann in Paris eine Bronzemedaille, verschwand dann zwanzig Jahre lang in einer Einzimmerwohnung im Kleinstädtchen Hyvinge – und kehrte als eine der kompromisslosesten Porträtmalerinnen des 20. Jahrhunderts zurück. Heute hängt ihre Kunst im Ateneum in Helsinki, im Metropolitan Museum in New York und als Poster an Wänden in ganz Nordeuropa.

Diese Seite erläutert, wer Helene Schjerfbeck war, welche Werke ihren Ruf prägten, wie ihre Technik tatsächlich funktioniert, warum sie in den 1910er-Jahren von einem schwedischen Kunsthändler wiederentdeckt wurde und wie du ihre Motive am besten in einem schwedischen Zuhause aufhängst. Außerdem enthält sie die Zeitleiste von ihrer Geburt in Helsinki im Jahr 1862 bis zu ihrem Todestag im Badehotel von Saltsjöbaden im Januar 1946 – zwei Jahre, die sie in Schweden verbrachte und in denen einige ihrer meistbesprochenen Selbstporträts entstanden.

Inhalt
↓ Was ist die Kunst von Helene Schjerfbeck?
↓ Von Helsinki nach Saltsjöbaden – ein Künstlerinnenleben
↓ Schjerfbecks wichtigste Werke
↓ Technik, Farbe und die stille Signatur
↓ Gösta Stenman und die Wiederentdeckung
↓ Schjerfbeck zu Hause – praktischer Leitfaden
↓ Zeitleiste 1862–1946
↓ Verwandte Künstler und Bewegungen
↓ Häufige Fragen zu Helene Schjerfbeck

Was ist die Kunst von Helene Schjerfbeck?

Helene Schjerfbecks Kunst ist eine langsame Reduktion. Sie begann in der französisch inspirierten Freilichtrealismus der 1880er-Jahre, mit sorgfältig modellierten Gesichtern und einer Detailfülle, die sie im Pariser Salon salonfähig machte. Dann entfernte sie. Ein Kleidungsstück wurde zu einem Farbfleck. Ein Hintergrund wurde zu einer unbearbeiteten Fläche. Ein Auge wurde zu einem Punkt. Was in ihren späten Werken bleibt, ist eine Art Destillat: Form, Farbton und eine psychologische Präsenz, die nicht davon abhängt, dass man die Wimpern zählen kann.

Formal betrachtet wird sie dem Modernismus zugerechnet, doch sie gehörte keiner Schule an und verfasste kein Manifest. Sie arbeitete allein, in Kleinstädten, mit Briefwechseln als einziger künstlerischer Gesellschaft. Das macht sie schwer einzuordnen – und genau deshalb sind ihre Bilder so gut gealtert. Ein Selbstporträt von 1915 mit schwarzem Hintergrund und goldfarbenen Buchstaben sieht nach nichts anderem aus seiner Zeit aus. Es sieht aus wie etwas aus unserer Zeit.

Thematisch bewegt sie sich in vier Bereichen: Selbstporträts, Porträts junger Frauen und Mädchen, Stillleben – häufig mit Früchten und Blumen – sowie eine kleinere Zahl von Landschaften und Interieurs. Außerdem widmete sie sich wiederholt freien Interpretationen älterer Meister wie El Greco und Frans Hals, was sie selbst als Gespräche über die Jahrhunderte hinweg beschrieb. Dass sie sich innerhalb desselben Jahrzehnts zwischen Realismus und beinahe abstrakter Vereinfachung bewegte, lässt eine Sammlung ihrer Werke wie mehrere künstlerische Schaffensphasen erscheinen.

Kurzinfos: Geboren am 10. Juli 1862 in Helsinki, Großfürstentum Finnland. Gestorben am 23. Januar 1946 im Badehotel von Saltsjöbaden außerhalb Stockholms im Alter von 83 Jahren. Mit elf Jahren an der Zeichenschule des Finnischen Kunstvereins aufgenommen. Studierte 1877–79 bei Adolf von Becker in Helsinki. Bronzemedaille bei der Weltausstellung in Paris 1889 für Die Genesende. Ab 1902 lebte sie zwanzig Jahre lang gemeinsam mit ihrer Mutter in einer Einzimmerwohnung in Hyvinge. Zwischen 1939 und 1945 malte sie den größten Teil ihrer berühmten reduzierten Selbstporträts. Das Ateneum in Helsinki besitzt die weltweit größte Schjerfbeck-Sammlung. Auktionsrekord für ein Aquarell: 1,7 Millionen Euro für Mädchen mit blauem Band bei Bukowskis in Stockholm 2021.

Von Helsinki nach Saltsjöbaden – ein Künstlerinnenleben

Schjerfbecks Biografie ist ungewöhnlich konkret dokumentiert, teils dank ihrer umfangreichen Korrespondenz. Die erste englischsprachige Biografie über sie wurde erst auf der Forschungswebsite der Finnischen Nationalgalerie veröffentlicht, was etwas darüber aussagt, wie lange sie eher ein nordisches lokales Phänomen als ein internationaler Name war. Eine grundlegende Übersicht ihrer Lebensdaten findet sich auch in Wikipedias Artikel über Helene Schjerfbeck.

Ein Kind mit gebrochener Hüfte und ein Platz an der Zeichenschule

Im Alter von vier Jahren stürzte Helene eine Treppe hinunter und verletzte sich an der Hüfte. Die Verletzung heilte schlecht und führte zu einer dauerhaften Behinderung und chronischen Schmerzen. Sie konnte keine gewöhnliche Schule besuchen, und das erzwungene Leben im Sitzen wurde praktisch ihr erstes Atelier. Ihr Talent wurde früh entdeckt: Mit elf Jahren wurde sie an der Zeichenschule des Finnischen Kunstvereins in Helsinki aufgenommen – selbst nach den Maßstäben der damaligen Zeit außergewöhnlich jung. Zwischen 1877 und 1879 studierte sie bei Adolf von Becker, dem finnischen Maler, der die französische akademische Malerei nach Helsinki gebracht hatte.

Der Tod des Vaters im Jahr 1876 brachte die Familie in finanzielle Bedrängnis, und Helene musste schon früh zum Haushalt beitragen, indem sie Gemälde kopierte und Aufträge annahm. Die Verbindung aus früher Virtuosität und frühem finanziellen Druck prägte ihre gesamte Karriere: Sie war sowohl ein Wunderkind als auch eine Frau, die ihren Lebensunterhalt niemals als selbstverständlich betrachten konnte.

Paris, Bretagne und der Durchbruch in St Ives

Mit Stipendien reiste sie ab 1880 ins Ausland. Paris wurde ihre Basis, wo sie an privaten Akademien studierte, da die École des Beaux-Arts noch keine Frauen aufnahm. Die Sommer verbrachte sie in Künstlerkolonien: in Pont-Aven und Concarneau in der Bretagne, später in Fiesole außerhalb von Florenz und im britischen Fischerdorf St Ives in Cornwall. Gerade St Ives wurde entscheidend. Dort malte sie 1888 Die Genesende, das Bild eines kranken Kindes in einem Korbstuhl mit einem Zweig in der Hand, das im folgenden Jahr auf der Weltausstellung in Paris 1889 mit einer Bronzemedaille ausgezeichnet wurde.

Die Reisen waren kein Tourismus, sondern Methode. Die große Retrospektive des Ateneums 2019-2020 trug folgerichtig den Titel Through my travels I found myself und richtete ihre gesamte Dramaturgie darauf aus, wie Schjerfbecks Reisen ihre Wahrnehmung prägten. Die Ausstellung war vom 15. November 2019 bis zum 26. Januar 2020 zu sehen und wurde von 186 112 Besuchern besucht, mit einem Tagesdurchschnitt von 3 102 Personen - dem höchsten in der Geschichte des Museums.

Hyvinge, Ekenäs und die letzten Jahre in Schweden

1902 zog Schjerfbeck mit ihrer Mutter nach Hyvinge, einem Eisenbahnknotenpunkt nördlich von Helsinki. Dort lebten sie zwanzig Jahre lang in einer Einzimmerwohnung. Was von außen wie Isolation und Niederlage aussieht, war in Wirklichkeit ihre produktivste Phase: In Hyvinge wandte sie sich vom Naturalismus ab und entwickelte jene modernistische Formensprache, für die sie bekannt ist. Nach dem Tod ihrer Mutter 1923 zog sie nach Ekenäs, und als der Krieg kam, verließ sie Finnland und ging in ein Sanatorium in Schweden.

Die letzten beiden Jahre ihres Lebens verbrachte sie im Badehotel von Saltsjöbaden außerhalb Stockholms. Dort malte sie, alt und krank, jene Serie von Selbstporträts, die gewöhnlich zu den schonungslosesten des 20. Jahrhunderts gezählt wird: Das Gesicht ist auf ein schädelähnliches Grundschema reduziert, die Augenhöhlen sind dunkle Flächen, der Mund ein Strich. Sie starb am 23. Januar 1946 in Saltsjöbaden. Dass die bedeutendste Vertreterin der finnischen Moderne ihre letzten Jahre auf schwedischem Boden verbrachte, ist eine der stärksten Verbindungen zwischen der Kunstgeschichte der beiden Länder und ein Grund dafür, dass ihre Werke in schwedischen Sammlungen zu finden sind - das Museum Helsingborg besitzt beispielsweise das Gemälde Das Mädchen und die Madonna.

Schjerfbecks wichtigste Werke

Eine Auswahl von drei Werken genügt, um die gesamte Entwicklung ihres künstlerischen Schaffens zu zeigen: vom beschreibenden Realismus über eine symbolisch stärker aufgeladene Zwischenphase bis hin zum reduzierten späten Stil. Alle drei befinden sich in finnischen öffentlichen Sammlungen und waren Teil ihres internationalen Durchbruchs.

Die Genesende (1888)

In St Ives gemalt und 1889 in Paris mit einer Bronzemedaille ausgezeichnet. Das Motiv zeigt ein Kind, das sich gerade erholt, in einem Korbsessel in Stoff gehüllt und einen Zweig mit kleinen grünen Trieben in der Hand. Das Licht kommt von hinten durch das Fenster und fällt durch das Haar des Kindes. Es ist noch eine naturalistische Malerei, doch schon hier zeigen sich ihre späteren Markenzeichen: die niedrige Temperatur, der unsentimentale Ansatz und der Wunsch, große Flächen beinahe leer zu lassen. Das Werk befindet sich in der Sammlung des Ateneums und ist vielleicht Finnlands am häufigsten reproduziertes Gemälde. Schjerfbeck kehrte im Laufe ihres Lebens mehrmals zu dem Motiv zurück, zuletzt 1945 als Aquarell – eine Version, die bei Bukowskis für sieben Millionen Kronen verkauft wurde.

Das Mädchen und die Madonna

Eines der Werke, in denen Schjerfbeck ein modernes Mädchenmodell auf eine historische Bilderinnerung treffen lässt. Das Gemälde befindet sich in der Sammlung des Helsingborgs museums und wurde 2025 an das Metropolitan Museum of Art in New York ausgeliehen – zum ersten Mal, dass das schwedische Museum ein Werk dorthin verlieh. Gerade diese Art der Doppelbelichtung, bei der ein Gesicht aus dem 20. Jahrhundert über eine Renaissancekomposition gelegt wird, zeigt, wie bewusst Schjerfbeck mit der Kunstgeschichte als Rohmaterial und nicht als Vorbild arbeitete.

Die Selbstporträts 1912–1945

Schjerfbeck malte ihr ganzes Leben lang Selbstporträts, doch die Serie ab 1912 machte sie weltberühmt. Das Bild mit schwarzem Hintergrund von 1915 – auf dem ihr Name wie auf dem Gemälde eines alten Meisters in Buchstaben entlang des oberen Randes gemalt ist – markiert den Ausgangspunkt des Radikalen. Die letzten, zwischen 1939 und 1945 entstanden, als sie etwa achtzig war, sind beinahe ein Protokoll des Alterns. Das Gesicht wird kleiner, die Farben gehen in Grau, Rosa und Elfenbein über, und der Blick richtet sich immer stärker geradewegs durch den Betrachter hindurch. Es ist die geschlossenste einzelne Serie über das Altern in der westlichen Kunst.

„Hier steht man vor großer Kunst, hier ist heiliger Boden.“ – der Kunstkritiker Gotthard Johansson über die Schjerfbeck-Ausstellung in Stockholm, Svenska Dagbladet, 13. September 1937

Technik, Farbe und die stille Signatur

Schjerfbecks Technik zu verstehen, macht es leichter zu erkennen, warum ihre Bilder in der Reproduktion so gut funktionieren. Ihre Werke sind auf großen, ruhigen Flächen und deutlichen Tonwertunterschieden aufgebaut und nicht auf fein gemalten Details – dadurch behalten sie ihre Wirkung auch in kleinerem Format.

Die abgeschabte und abgenutzte Oberfläche

Schjerfbeck malte oft dünn und kratzte anschließend wieder etwas ab. Sie verwendete ein Palettenmesser, ein Tuch und Sandpapier, um die Farbschicht abzutragen, bis die Leinwand oder der Malgrund wieder durchschimmerte. Das Ergebnis ist eine Oberfläche, die von Anfang an gealtert wirkt, wie ein Fresko, das zu lange offen gelegen hat. Es ist eine bewusste Strategie: Indem sie Material entfernt, zwingt sie den Blick, die Lücken auszufüllen, und in diesem Ausfüllen entsteht der psychologische Druck.

Die nordische Palette

Die Farbskala ist auffallend gedämpft: Elfenbein, Hellgrau, Graublau, Blassrosa, Ocker und ein wiederkehrendes tiefes Schwarz. Kräftige Farben werden sparsam und daher mit enormer Wirkung eingesetzt – ein rotes Band, ein grüner Zweig, ein zinnoberroter Strich am Mund. Dies ist eine Palette, die vom nordischen Winterlicht geprägt ist, demselben Licht, das Vilhelm Hammershøis dänische Interieurs prägt und der nordischen Kunst ihre besondere Temperatur verleiht. Für die Raumgestaltung bedeutet das, dass die Motive natürlich mit gekalkten Wänden, unbehandeltem Holz und Leinentextilien harmonieren.

Die Serie als Arbeitsmethode

Schjerfbeck arbeitete in Serien und Versionen. Dasselbe Motiv konnte über mehrere Jahrzehnte hinweg in Öl, Aquarell und Zeichnung wiederkehren, jedes Mal mit weniger verbleibender Information. Die Methode ähnelt den Variationen eines Musikers über ein Thema und lässt ihr Werk eher als einen einzigen langen Gedankengang denn als einzelne Werke lesen. Für Sammler oder für diejenigen, die eine Wand zu Hause gestalten, ist das praktisch: Zwei oder drei Schjerfbeck-Motive nebeneinander bilden fast immer eine visuell geschlossene Gruppe, da sie sowohl die Palette als auch die kompositorische Logik teilen.

Gösta Stenman und die Wiederentdeckung

Schjerfbecks heutige Stellung sähe ohne den Kunsthändler Gösta Stenman (1888–1947) anders aus. Er suchte sie 1913 in Hyvinkää auf, als sie einundfünfzig Jahre alt und praktisch vergessen war, und wurde ihr Agent, Sammler und wichtigster Fürsprecher. Stenman eröffnete 1919 seinen ersten Kunstsalon in Helsinki und verlegte das Unternehmen 1934 nach Stockholm, in Räume in der Storgatan 10.

1937 arrangierte Stenman Schjerfbecks zweite Einzelausstellung in Stockholm. Sie wurde zu einer Sensation. Publikum und Kritik waren überwältigt, und Gotthard Johanssons Rezension in Svenska Dagbladet vom 13. September 1937 enthält die meistzitierte Zeile der schwedischen Kunstkritik über sie. Stenman hatte damals bereits den Begriff Sammlung Stenman etabliert, mit seinem charakteristischen grafischen Stempel: einem gotischen S in einem Quadrat. Dieser Stempel auf der Rückseite einer Leinwand ist bis heute ein Provenienzsignal, das den Preis bei schwedischen Auktionen beeinflusst.

Die Wiederentdeckung setzte sich seither in Wellen fort. Waldemarsudde in Stockholm zeigte vom 10. November 2012 bis zum 24. Februar 2013 in Zusammenarbeit mit dem Ateneum eine große Retrospektive, um den 150. Jahrestag ihrer Geburt zu würdigen. Die eigene Jubiläumsausstellung des Ateneum 2019-2020 brach den Besucherrekord des Museums. Und am 5. Dezember 2025 wurde Seeing Silence: The Paintings of Helene Schjerfbeck im Metropolitan Museum of Art in New York eröffnet - mit knapp 60 Werken, Leihgaben aus dem Ateneum und der Finnischen Nationalgalerie sowie aus Privatsammlungen in Finnland und Schweden. Die Ausstellung lief bis zum 5. April 2026 und war die erste Einzelausstellung einer finnischen Künstlerin in einem großen amerikanischen Museum.

Der Markt ist diesem Interesse gefolgt. Bei Bukowskis in Stockholm wurde das Aquarell Mädchen mit blauem Band im Juni 2021 für 1,7 Millionen Euro verkauft, umgerechnet etwa 17,1 Millionen Kronen - ein Weltrekord für ein Aquarell der Künstlerin und das drittteuerste Schjerfbeck-Werk, das jemals versteigert wurde. Dass der Rekord in Stockholm und nicht in Helsinki aufgestellt wurde, sagt einiges darüber aus, wie stark sie auf dem schwedischen Markt verankert ist.

Schjerfbeck zu Hause - praktischer Ratgeber

Schjerfbecks Bilder sind aus der Entfernung anspruchslos und aus der Nähe anspruchsvoll. Dadurch sind sie in Wohnungen ungewöhnlich vielseitig: Sie dominieren einen Raum nicht, belohnen aber diejenigen, die verweilen. Im Folgenden finden Sie konkrete Ratschläge dazu, wie Sie sie aufhängen.

Licht und Wandfarbe

Da die Palette gedämpft ist, brauchen die Motive Licht, damit sie nicht ineinander verschwimmen. Am besten wirken sie an einer Wand, die zumindest einen Teil des Tages indirektes Tageslicht erhält, oder mit einem gerichteten Spot in einem Winkel von etwa 30 Grad. An weißen Wänden treten die grauen und gebrochen weißen Partien deutlich hervor. An Wänden in tiefen Farbtönen - Dunkelgrün, Blaugrau, Pflaume - geschieht etwas anderes: Die hellen Gesichter heben sich wie Laternen ab. Das ist eine der sichersten Kombinationen überhaupt, und wir haben die Prinzipien in unserem Kaufratgeber für Poster an dunklen Wänden ausführlicher erläutert.

Rahmen, Passepartout und Format

Schjerfbecks Werke profitieren von einem schmalen Rahmen aus hellem Holz, Eiche oder Esche oder aus schwarzem Metall, wenn der Raum schlichter gestaltet ist. Vermeiden Sie breite Goldrahmen - sie verleihen dem Bild eine Pracht, die seiner gesamten Idee entgegenwirkt. Ein großzügiges Passepartout, idealerweise 5-7 cm, verstärkt die Stille, die den Kern des Motivs ausmacht. Die Porträts wirken meist im Hochformat am besten, in 30x40 oder 50x70 cm, während Stillleben und Landschaften das Querformat vertragen. Möchten Sie eine Gruppe mit mehreren Motiven gestalten, halten Sie sich an denselben Rahmen und dieselbe Passepartoutbreite und lassen Sie stattdessen die Motive variieren.

Tipp: Hängen Sie ein Schjerfbeck-Porträt an eine Wand, an der Sie täglich vorbeikommen, statt an die Wand, die Sie Gästen zeigen – zum Beispiel im Flur, entlang einer Treppe oder neben dem Bett. Die Motive sind für wiederholte Betrachtung geschaffen und verändern sich mit Ihrer eigenen Stimmung auf eine Weise, die dekorativere Bilder nicht vermögen. Zentrieren Sie die Unterkante des Rahmens ungefähr 145–150 cm über dem Boden; so befindet sich das Gesicht für die meisten Erwachsenen in natürlicher Augenhöhe.

Zeitleiste 1862–1946

1862 – Helena Sofia Schjerfbeck wird am 10. Juli in Helsinki geboren, damals Hauptstadt des russischen Großfürstentums Finnland. 1866 – Im Alter von vier Jahren stürzt sie eine Treppe hinunter und verletzt sich dauerhaft an der Hüfte. 1873 – Mit elf Jahren wird sie an der Zeichenschule des Finnischen Kunstvereins aufgenommen. 1876 – Ihr Vater stirbt an Tuberkulose, und die finanzielle Lage der Familie verschlechtert sich erheblich. 1877–79 – Studiert bei Adolf von Becker in Helsinki. 1880 – Reist erstmals mit einem Stipendium nach Paris. 1888 – Malt Die Genesende in St Ives, Cornwall. 1889 – Erhält auf der Weltausstellung in Paris eine Bronzemedaille. 1902 – Zieht mit ihrer Mutter nach Hyvinkää, wo sie zwanzig Jahre bleibt. 1913 – Der Kunsthändler Gösta Stenman sucht sie in Hyvinkää auf und wird ihr Agent. 1915 – Malt das Selbstporträt mit schwarzem Hintergrund. 1919 – Stenman eröffnet seinen ersten Kunstsalon in Helsinki. 1923 – Ihre Mutter stirbt; einige Jahre später zieht Schjerfbeck nach Ekenäs. 1934 – Stenman verlegt sein Geschäft in die Storgatan 10 in Stockholm. 1937 – Einzelausstellung in Stockholm; Gotthard Johansson schreibt am 13. September seine berühmte Rezension in Svenska Dagbladet. 1944 – Zieht in das Badehotel Saltsjöbadens außerhalb Stockholms. 1939–1945 – Malt den größten Teil der späten, reduzierten Selbstporträts. 1946 – Stirbt am 23. Januar im Alter von 83 Jahren in Saltsjöbaden. 2012–2013 – Retrospektive im Prins Eugens Waldemarsudde in Stockholm. 2019–2020 – Besucherrekord des Ateneum mit 186.112 Gästen. 2021 – Auktionsrekord für ein Aquarell bei Bukowskis: 1,7 Millionen Euro. 2025–2026 – Seeing Silence im Metropolitan Museum of Art in New York.

Verwandte Künstler und Strömungen

Schjerfbeck lässt sich durch ihre zeitlichen und temperamentmäßigen Nachbarn verstehen. Am nächsten steht ihr Vilhelm Hammershøi, der mit derselben Grauskala und derselben Abneigung gegen Dramatik sein künstlerisches Schaffen auf der Stille aufbaute. Die Skagenmaler teilten ihre Generation und ihre Faszination für das nordische Licht, wählten jedoch die entgegengesetzte Richtung: hinaus ins Freie und in die Gemeinschaft. In ihrer mittleren Schaffensphase berührt sie den Symbolismus, und durch ihre späte Reduktion gehört sie zur Moderne. Auf schwedischer Seite ist Anders Zorn ihr gleichaltriges Gegenstück – ebenso technisch brillant, aber extrovertiert, wo sie introvertiert ist.

International findet man ihre künstlerischen Verwandten unter den modernen Künstlerinnen, die lange im Schatten ihrer männlichen Kollegen standen. Die britische Malerin Gwen John arbeitete in derselben gedämpften Farbskala und mit derselben beharrlichen Wiederholung weniger Motive – darüber haben wir im Artikel 150 Jahre Gwen John geschrieben. Und Berthe Morisot teilt ihre Erfahrung, eine von wenigen Frauen in einem Raum voller Männer mit besseren Netzwerken zu sein. Wenn du dich breiter in der Kunstgeschichte orientieren möchtest, findest du alle unsere Vertiefungen gesammelt in der Wissensdatenbank.

Häufige Fragen zu Helene Schjerfbeck

Wenn Sie ein Porträt mit derselben stillen Präsenz an Ihrer eigenen Wand haben möchten, finden Sie unsere Interpretationen klassischer Meister unter Kunstwerken berühmter Künstler. Für die reduzierte Linie und die gedämpfte Farbpalette, die Schjerfbecks späte Schaffensphase prägen, empfehlen wir minimalistische Poster und beigefarbene Poster. Und wenn Sie dieselbe Dramatik in den Tonwerten suchen, auf der ihr Selbstporträt von 1915 beruht, beginnen Sie mit unserer Auswahl an Schwarz-Weiß-Postern.