Jackson Pollock – Action Painting, Tropfmalerei und abstrakter Expressionismus

Jackson Pollock ist der amerikanische Künstler, der mehr als jeder andere veränderte, was ein Gemälde sein konnte. Als er 1947 die Leinwand auf den Atelierboden in Springs auf Long Island legte und begann, flüssige Farbe darüberzugießen, zu tropfen und zu schleudern, gab er die Staffelei, den Pinsel und die gesamte europäische Bildtradition auf, mit der er aufgewachsen war. Das Ergebnis war eine Kunst ohne Mittelpunkt, ohne Horizont und ohne Motiv im herkömmlichen Sinne - eine Fläche aus miteinander verflochtenen Bahnen, in der die Farbe die Bewegung des Körpers im Raum festhält. Deshalb eignen sich seine Werke so ungewöhnlich gut als Poster: Sie haben keine einzige vorgegebene Leserichtung und halten es aus, immer wieder betrachtet zu werden.

Pollock wurde nur 44 Jahre alt und lebte von 1912 bis 1956; die Zeit, in der er seine berühmten Drip-Paintings malte, dauerte kaum vier Jahre. Dennoch haben nur wenige Künstler ein derart langes Nachwirken erlebt. Seine Werke hängen heute im Metropolitan Museum of Art, im MoMA, in der National Gallery of Art in Washington und in der National Gallery of Australia, und eines der Gemälde - Number 17A aus dem Jahr 1948 - wechselte 2015 in einem privaten Geschäft für 200 Millionen Dollar den Besitzer. In Schweden zeigt das Moderna Museet seine Werke seit 1963 und besitzt eines der wenigen Werke, in denen er ein figuratives Detail mitten in den Tropfen bestehen ließ. Diese Seite behandelt sein Leben, die Technik hinter den Gemälden, die wichtigsten Werke und die Frage, wie die Formensprache des abstrakten Expressionismus als Kunst in einem schwedischen Zuhause funktioniert.

Inhalt
↓ Was kennzeichnet die Kunst von Jackson Pollock?
↓ Kindheit, Ausbildung und der Weg nach New York
↓ Die wichtigsten Werke
↓ Die Technik hinter der Drip-Painting-Malerei
↓ Lee Krasner und das Umfeld des abstrakten Expressionismus
↓ Das Erbe, der Markt und Pollock in Schweden
↓ Abstrakter Expressionismus als Kunst im Zuhause
↓ Zeitleiste zu Jackson Pollocks Leben
↓ Verwandte Künstler und Bewegungen
↓ Häufige Fragen zu Jackson Pollock

Was kennzeichnet die Kunst von Jackson Pollock?

Jackson Pollocks berühmte Gemälde beruhen auf drei Entscheidungen, die für sich genommen unbedeutend wirken, zusammen jedoch mit mehreren hundert Jahren europäischer Kunst brachen. Er verlegte die Leinwand vom Staffeleibrett auf den Boden, ersetzte den Pinsel durch Stöcke, harte Bürsten und Schlagschnüre und tauschte Ölfarbe aus der Tube gegen flüssigen Industrie- und Haushaltslack der Marke Duco aus. Die Farbe gelangt somit nie über ein Werkzeug auf die Leinwand, das gegen die Oberfläche gedrückt wird - sie fällt durch die Luft. Jede Linie ist ein Abdruck davon, wie schnell sich die Hand bewegte, wie hoch über der Leinwand sie sich befand und wie zähflüssig die Farbe in diesem Moment war.

Die Kunstgeschichte nennt das Ergebnis Allover-Komposition: Das Bild hat kein Zentrum, keinen Vordergrund und keinen Hintergrund, sondern bis zu den Rändern eine gleichmäßig verteilte Dichte. Der Kritiker Clement Greenberg verwendete den Begriff bereits Mitte der 1940er-Jahre für Pollocks Leinwände, und in diesem Sinne ist seine Malerei radikaler als die europäische Abstraktion beispielsweise Wassily Kandinskys, bei der die Komposition noch um Schwerpunkte organisiert ist. Die zweite gängige Bezeichnung, Action Painting, wurde vom Kritiker Harold Rosenberg in dem Essay "The American Action Painters" in der Zeitschrift ARTnews im Dezember 1952 geprägt: Die Leinwand wird darin nicht als eine Fläche beschrieben, auf der etwas abgebildet wird, sondern als eine Arena, in der gehandelt wird.

Es lohnt sich auch festzuhalten, was Pollocks Kunst nicht ist. Sie ist nicht zufällig. Der Physiker Richard Taylor und seine Mitarbeiter veröffentlichten 1999 in der Zeitschrift Nature eine Analyse, die zeigte, dass die Musterbildung der Drip Paintings fraktalen Charakter hat und dass die fraktale Dimension von etwa 1,1 in den frühen Leinwänden von 1943 bis auf etwa 1,7 in den Werken von 1952 kontinuierlich anstieg. Mit anderen Worten: Pollock verfeinerte seine Bildsprache Jahr für Jahr auf eine messbare Weise.

Kurzinfo: Paul Jackson Pollock, geboren am 28. Januar 1912 in Cody, Wyoming, gestorben am 11. August 1956 in Springs, New York, im Alter von 44 Jahren. Nationalität: US-amerikanisch. Kunstrichtung: abstrakter Expressionismus, oft New York School genannt. Hauptphase der Drip Paintings: 1947–1950. Material: Haushalts- und Industrielack auf unbehandelter Leinwand. 1945 mit der Künstlerin Lee Krasner (1908–1984) verheiratet. Wichtigste Werke: Mural (1943), Number 17A (1948), Autumn Rhythm: Number 30 (1950), One: Number 31 (1950), Blue Poles (1952). Höchster verzeichneter Preis: 200 Millionen Dollar für Number 17A bei einem Privatverkauf 2015.

Kindheit, Ausbildung und der Weg nach New York

Paul Jackson Pollock wurde am 28. Januar 1912 in Cody, Wyoming, als jüngster von fünf Brüdern geboren. Während seiner Kindheit zog die Familie wiederholt zwischen Arizona und Kalifornien um, und der amerikanische Westen - die Weite, das Ranchleben und die indigenen Kulturen, mit denen er in Kontakt kam - wurde zu einem Bezugspunkt, zu dem er sein Leben lang zurückkehrte. Er verließ Wyoming im Alter von einem Jahr, bezeichnete sich jedoch noch viel später als einen Künstler, den die Landschaft und nicht die Museen geprägt hatten.

Die Manual Arts High School und die frühen Jahre

Pollock besuchte die Manual Arts High School in Los Angeles, wo ihn der Lehrer Frederick John de St. Vrain Schwankovsky mit der Theosophie und den Vorträgen Jiddu Krishnamurtis bekannt machte. Das Interesse am Spirituellen und am Unterbewusstsein sollte zu einer Konstante werden. Er wurde zweimal von der Schule verwiesen, das zweite Mal 1930, und folgte im selben Jahr seinem älteren Bruder Charles nach New York.

Thomas Hart Benton und die Art Students League

Ab Herbst 1930 studierte Pollock an der Art Students League of New York bei Thomas Hart Benton, dem regionalistischen Wandmaler, der die Arbeiter und Mythen des amerikanischen Binnenlands verherrlichte. Benton lehrte ihn, eine Komposition um rhythmisch gedrehte, spiralförmige Bewegungen über die Bildfläche herum aufzubauen – ein Schema, das Benton „the hollow and the bump“ nannte. Pollock wies Bentons Motivwelt später zurück, doch die zugrunde liegende Rhythmik blieb ihm erhalten. Benton wurde außerdem zu einer Vaterfigur, und der Kontakt hielt noch lange an, nachdem der Schüler weitergezogen war.

Siqueiros’ Werkstatt 1936 und die Jahre mit der WPA

Zwei Dinge bestimmten, was folgen sollte. Das eine war, dass Pollock 1936 an der experimentellen Werkstatt des mexikanischen Muralisten David Alfaro Siqueiros in der 14th Street in New York teilnahm, wo die Künstler mit Spritzpistolen, Lackfarbe, Sand und Zufällen im Farbfluss arbeiteten. Dort begegnete er erstmals dem Gedanken, dass industrielle, flüssige Farbe ein vollwertiges künstlerisches Material sei. Das andere war, dass er zwischen 1935 und 1942 im Federal Art Project beschäftigt war, einem Teilprogramm des Arbeitsbeschaffungsprogramms WPA von Präsident Franklin D. Roosevelt, das ihm ein anständiges Monatsgehalt und Zeit zum Malen gab. Im selben Zeitraum unterzog er sich einer jungianischen Psychotherapie, die ihn dazu brachte, zu zeichnen, um Bildmaterial aus dem Unterbewusstsein hervorzuholen – eine Methode, die dem Automatismus der Surrealisten verwandt war.

Die wichtigsten Werke

Pollocks Schaffen wird häufig in drei Phasen unterteilt: die mythologisch aufgeladenen, halbfigurativen Leinwände von 1938–1946, die Drip Paintings von 1947–1950 und die dunkleren, teilweise wieder figurativen Werke von 1951–1955. Im Folgenden werden die Gemälde aufgeführt, die am häufigsten als Wendepunkte hervorgehoben werden, jeweils mit Angaben zu ihrem heutigen Standort.

Mural (1943) – der Auftrag, der alles veränderte

Der Kunstsammler Peggy Guggenheim gab Pollock 1943 einen Vertrag und richtete im selben Jahr im November seine erste Einzelausstellung in ihrer Galerie Art of This Century in New York aus. Sie beauftragte ihn außerdem mit einem Gemälde für den Eingangsbereich ihrer Wohnung in Manhattan: Mural, etwa 2,4 × 6 Meter groß und die größte Leinwand, die er je gemalt hatte. Das Werk hat weder einen Mittelpunkt noch ein Motiv, sondern besteht aus einer fortlaufenden Wellenbewegung gelber, blauer und schwarzer Formen. Peggy Guggenheim schenkte es 1948 der University of Iowa; seither gehört es zum Stanley Museum of Art in Iowa City. Das Gemälde wurde vier Jahre lang am Getty Conservation Institute in Los Angeles restauriert und dort 2014 ausgestellt.

Nummer 17A (1948) und der Durchbruch in der Presse

Number 17A von 1948 ist die Leinwand, die Pollock zu einer öffentlichen Figur machte. Sie war Teil der vierseitigen Reportage, die die Zeitschrift Life im August 1949 unter der Überschrift "Is he the greatest living painter in the United States?" veröffentlichte – ein Aufmacher, der einen 37-jährigen Künstler innerhalb weniger Wochen zu einer nationalen Berühmtheit machte. Das Gemälde gehörte lange David Geffen und wurde 2015 privat für 200 Millionen Dollar an den Investor Kenneth C. Griffin verkauft, was zu diesem Zeitpunkt der höchste Preis war, der überhaupt für ein Gemälde gezahlt worden war.

Autumn Rhythm, One und Lavender Mist (1950)

Das Jahr 1950 ist der Höhepunkt. Innerhalb weniger Monate malte Pollock drei seiner größten Leinwände: Autumn Rhythm: Number 30, heute im Metropolitan Museum of Art in New York, One: Number 31, das zur Sammlung des Museum of Modern Art gehört, und Lavender Mist: Number 1, das seit 1976 der National Gallery of Art in Washington gehört. In diesen drei Werken ist der Aufbau in Schichten am weitesten entwickelt: Schwarzer Lack bildet eine Grundstruktur, Weiß und Silbergrau legen sich darüber, und dünne, geschleuderte Linien in Braun, Grün oder Rosa verbinden die Oberfläche. Die Titel mit Zahlen waren eine bewusste Entscheidung – Lee Krasner hat erzählt, dass das Paar gerade deshalb zu Nummern wechselte, weil ein beschreibender Name den Betrachter dazu bringen würde, nach etwas Gegenständlichem zu suchen.

Blue Poles (1952) und der australische Handel

Blue Poles, etwa 2 × 5 Meter groß und 1952 gemalt, ist das späte Hauptwerk. Acht schräge blaue Pfosten durchschneiden ein dichtes Geflecht aus Orange, Gelb und Silber und verleihen dem Gemälde einen vertikalen Rhythmus, der den Drip-Painting-Bildern von 1950 fehlt. Im August 1973 kaufte die National Gallery of Australia das Werk für 2 Millionen Dollar, entsprechend etwa 1,3 Millionen australischen Dollar, was damals der höchste für ein amerikanisches Gemälde gezahlte Betrag war. Der Kauf wurde in Australien zu einem politischen Skandal und im Parlament debattiert. 2022 wurde Blue Poles auf etwa 500 Millionen australische Dollar geschätzt und ist das wertvollste Werk des Museums.

"Das Gemälde hat ein eigenes Leben. Ich versuche, es zum Vorschein kommen zu lassen. Nur wenn ich den Kontakt zum Gemälde verliere, wird das Ergebnis ein Durcheinander." – Jackson Pollock, Aussage in der Zeitschrift Possibilities, Winter 1947–1948

Die Technik hinter der Drip-Painting-Malerei

Das Atelier war eine umgebaute Scheune hinter dem Haus an der Fireplace Road in Springs, wohin Pollock und Lee Krasner im November 1945 zogen, nachdem sie sich von Peggy Guggenheim 2.000 Dollar für die Anzahlung geliehen hatten. Die Scheune war knapp 6 × 7 Meter groß, was in der Praxis die Grenze für die Größe der Leinwände setzte, an denen er arbeiten konnte. Der Boden ist erhalten und heute der meistbesuchte Teil des Pollock-Krasner House and Study Center, das von der Stony Brook University betrieben wird und während der Sommermonate für Besucher geöffnet ist.

Die Leinwand auf dem Boden

Indem Pollock unbehandelte Leinwand auf dem Boden ausrollte, konnte er um das Werk herumgehen und von allen vier Seiten daran arbeiten. Er beschrieb den Vorteil selbst damit, dass er sich dem Gemälde näher fühlte, beinahe als wäre er ein Teil davon. Praktisch bedeutete dies, dass die Schwerkraft zu einem Werkzeug wurde: Die Farbe verlässt den Stab oder die Dose und fällt herab, und die Dicke der Linie wird durch Abstand und Geschwindigkeit statt durch die Breite des Pinsels gesteuert. Erst wenn die Leinwand fertig war, wurde sie aufgespannt und zugeschnitten – ein Schritt, bei dem Krasner oft mitwirkte und festlegte, wo der Rand verlaufen sollte.

Lackfarbe, Stäbe und Bratenspritzen

Pollock verwendete keine Künstlerfarben, sondern alkydbasierte Haushalts- und Autolacke, vor allem Produkte von Duco und Devoe & Raynolds, die er manchmal so verdünnte, dass sie frei flossen. Zu seinen Werkzeugen gehörten gehärtete Pinsel, Malstäbe, Kellen und Küchenutensilien wie Bratenspritzen. Restauratoren fanden später Zigarettenstummel, Streichhölzer, Münzen, Nägel und Schlüssel, die in die Farbschichten eingebettet waren – Spuren eines Ateliers, in dem alles, was auf dem Boden lag, in dem Gemälde landen konnte. Die Materialauswahl ist auch der Grund dafür, dass die Werke schwer zu erhalten sind: Alkydlack altert anders als Ölfarbe und kann in einem anderen Tempo reißen als die darunterliegende Leinwand.

Rhythmus, Kontrolle und Fraktale

Was von außen wie Chaos aussieht, ist das Ergebnis einer körperlichen Technik, die Pollock einübte. Der Filmemacher und Fotograf Hans Namuth dokumentierte ihn im Herbst 1950 bei der Arbeit, sowohl in Fotografien als auch auf Film, und das Material zeigt einen Künstler, der sich langsam bewegt und ebenso oft innehält, wie er Farbe schleudert. Richard Taylors Analyse in Nature aus dem Jahr 1999 wies in dieselbe Richtung: Die Muster folgen einer fraktalen Struktur, die sich auf mehreren Maßstabsebenen wiederholt – etwas, das sich nur schwer zufällig erzeugen lässt. Die Geschwindigkeit des Handgelenks, die Viskosität der Farbe und der Abstand zur Leinwand wirken zusammen und ergeben eine Linie, die sich mit einem Pinsel nicht nachahmen lässt.

Lee Krasner und der Kreis des abstrakten Expressionismus

Pollock arbeitete nicht im luftleeren Raum. Die amerikanische Nachkriegskunst wurde von einem engen Kreis aus Künstlern, Galeristen und Kritikern in New York vorangetrieben, und der Wendepunkt, den Pollocks Drip Paintings darstellen, wäre ohne sie weder entstanden noch wahrgenommen worden. Die Bewegung als Ganzes wird auf der Seite zum abstrakten Expressionismus näher beschrieben.

Lee Krasner – Künstlerin, nicht nur Ehefrau

Lee Krasner (1908–1984) war eine etablierte Künstlerin mit einer fundierten Ausbildung an der National Academy of Design, als sie Pollock 1941 kennenlernte. Sie war bei Hans Hofmann ausgebildet worden und verfügte über Kenntnisse der europäischen Moderne, die Pollock fehlten. Nach ihrer Heirat 1945 arbeiteten sie im selben Haus, jedoch in unterschiedlichen Räumen, und sie malte ihr ganzes Leben weiter – ihre Collageserie aus den 1950er-Jahren zählt heute zu den stärksten Arbeiten dieser Periode. Krasner verwaltete außerdem Pollocks Nachlass nach seinem Tod und legte den Grundstein für die Pollock-Krasner Foundation, die seit 1985 Stipendien an Künstler vergibt. Das Metropolitan Museum of Art zeigt die Ausstellung "Krasner and Pollock: Past Continuous" vom 4. Oktober 2026 bis zum 31. Januar 2027 mit über 120 Werken von mehr als 80 Leihgebern – die erste größere Präsentation eines der beiden in New York seit über zwanzig Jahren.

Peggy Guggenheim und Betty Parsons

Peggy Guggenheim gab Pollock 1943 seinen ersten Vertrag mit einer garantierten monatlichen Vergütung, wodurch er praktisch von Lohnarbeit befreit wurde. Als sie 1947 nach Venedig zog, übernahm die Galeristin Betty Parsons, und bei ihr wurden die Drip Paintings im Januar 1948 erstmals gezeigt. Die Ausstellung verkaufte sich schlecht, erzielte jedoch eine entscheidende kritische Wirkung. Clement Greenberg schrieb bereits 1943 über Pollock und entwickelte in den folgenden zehn Jahren eine umfassende Theorie über die Entwicklung der modernen Malerei, in der gerade Pollocks Flächigkeit und Allover-Oberfläche den Endpunkt bildeten.

Rothko, de Kooning und die New Yorker Schule

Um 1950 versammelte der amerikanische Nachkriegsextpressionismus Künstler mit sehr unterschiedlichen Ausdrucksformen unter demselben Etikett. Willem de Kooning arbeitete gestisch, hielt jedoch an der Figur fest, während Mark Rothko in die entgegengesetzte Richtung ging und große, schwebende Farbfelder ohne jede Spur von Bewegung schuf. Dass sie dennoch zusammengehören, liegt an einem gemeinsamen Anspruch: die Malerei zu einer unmittelbaren Erfahrung statt zu einer Abbildung zu machen. Ihre Wurzeln liegen im europäischen Surrealismus und dessen Automatismus, der in New York Fuß fasste, als Künstler wie André Breton, Max Ernst und Roberto Matta vor dem Krieg flohen und sich in der Stadt niederließen.

Das Erbe, der Markt und Pollock in Schweden

Pollock kam am 11. August 1956 in der Nähe seines Hauses in Springs alkoholisiert von der Straße ab und starb. Er war 44 Jahre alt. Das Museum of Modern Art hatte bereits eine kleinere Überblicksausstellung geplant und machte daraus eine Gedenkausstellung, die im Dezember desselben Jahres eröffnet wurde. Posthum wuchs sein Ansehen rasch, teilweise aus kulturpolitischen Gründen: Die amerikanische Nachkriegsmoderne tourte als Beweis für ein freies Kunstleben durch Europa, und Pollock wurde ihr meistzitierter Name.

Hans Namuth und das Bild des Künstlers

Hans Namuths Fotografien und Filme vom Herbst 1950 prägten das Bild Pollocks ebenso stark wie die Gemälde selbst. Die Sequenz, in der er von unten gefilmt auf Glas malt, wurde zu einer der meistreproduzierten Darstellungen eines Künstlers im 20. Jahrhundert. Die Kehrseite war, dass die Aufmerksamkeit ihn auf eine Rolle festlegte. Nach den Dreharbeiten brach er eine mehrjährige Nüchternheit ab, und seine Produktion ging stark zurück: von rund fünfzig Gemälden im Jahr 1950 auf eine Handvoll pro Jahr in den letzten Schaffensperioden.

Preise und Sammlermarkt

Der Markt für Pollock ist äußerst dünn, da sich fast alle größeren Werke in Museumssammlungen befinden. Die beiden höchsten Preise wurden beide in privaten Verkäufen erzielt: Number 17A für 200 Millionen Dollar im Jahr 2015 und Number 5, 1948 für rund 140 Millionen Dollar im Jahr 2006. Der höchste öffentlich erzielte Auktionspreis liegt deutlich darunter – Number 19, 1948 wurde im Mai 2013 bei Christie's in New York für 58,4 Millionen Dollar verkauft. Der Unterschied sagt etwas darüber aus, wie wenige Werke tatsächlich in Umlauf sind.

Pollock in Schweden

Schweden war früh dabei. Das Moderna Museet in Stockholm zeigte vom 27. Februar bis zum 15. April 1963 unter der Leitung des Museumsdirektors Pontus Hultén eine Einzelausstellung mit Pollocks Malerei – nur sieben Jahre nach dem Tod des Künstlers und lange bevor mehrere größere europäische Museen dasselbe taten. Das Museum besitzt außerdem The Wooden Horse: Number 10 A von 1948, ein ungewöhnliches Werk, bei dem ein Holzkopf eines Spielzeugpferdes mitten auf der getropften Oberfläche befestigt ist – eines der wenigen Male, dass Pollock einen erkennbaren Gegenstand im Bild belassen hat. 2012 wurden vier seiner Gemälde aus den Jahren 1947–1949 in der Ausstellung Explosion! Malerei als Handlung gezeigt. Die Werkangaben finden sich in der öffentlich zugänglichen Sammlungsdatenbank des Museums bei Moderna Museet; einen Überblick über das künstlerische Schaffen im musealen Kontext bietet das Museum of Modern Art.

Abstrakter Expressionismus als Kunst für das Zuhause

Pollocks eigene Werke befinden sich in Museumssammlungen und sind aus urheberrechtlichen Gründen nicht frei als Reproduktionen erhältlich. Die von ihm begründete Formsprache – die gestische Linie, die gleichmäßig gefüllte Fläche, die Farbe als Körper statt als Beschreibung – ist jedoch einer der nützlichsten Ausgangspunkte überhaupt, wenn es darum geht, Kunst für eine Wohnung auszuwählen. Der Grund lässt sich einfach formulieren: Ein Bild ohne Motiv konkurriert nicht mit den übrigen Inhalten des Raumes. Es bringt Farbe und Bewegung ins Spiel, ohne eine Geschichte zu erzählen, die jedes Mal gelesen werden muss, wenn man daran vorbeigeht. Im Sortiment von Bozetto an abstrakten Postern findest du solche Motive in mehreren Größen.

Die Größe bestimmt die Wirkung

Der häufigste Fehler bei gestischer Abstraktion ist die Wahl eines zu kleinen Formats. Pollocks Leinwände aus dem Jahr 1950 sind aus gutem Grund zwischen zwei und fünf Meter breit: Die dicht gefüllte Allover-Fläche braucht Raum, damit die Linien zu einem Rhythmus statt zu einem Wirrwarr werden. Zu Hause bedeutet das, dass eine abstrakte Komposition, die allein hängen soll, selten kleiner als 50 × 70 Zentimeter sein sollte und dass 70 × 100 Zentimeter über einem Sofa oder Bett oft eine stärkere Wirkung erzielen als drei kleinere Motive nebeneinander. Plane ein, dass das Kunstwerk ungefähr zwei Drittel der Breite des Möbelstücks abdeckt.

Farbtemperatur und Licht

Die von Pollock verwendete Emaillefarbe erzeugte eine glänzende, teilweise metallische Oberfläche, die sich je nach Lichteinfall verändert. In einer Wohnung bedeutet das: Abstrakte Motive in warmen Erdtönen, Braun, Ocker und Ziegelrot kommen in Räumen mit begrenztem Tageslicht gut zur Geltung, während kühlere Kompositionen in Blau und Grau mehr Licht benötigen, um nicht schwer zu wirken. Ein Poster in Schwarz-Weiß ist die sicherste Wahl, wenn der Raum bereits viele Farben in Textilien und Möbeln aufweist. Wenn die Kunst stattdessen die kräftigste Farbe des Raumes sein soll, funktioniert eine klare farbenfrohe Komposition am besten auf einer ansonsten ruhigen Fläche.

Gestik mit Grafik kombinieren

Der abstrakte Expressionismus kommt oft in Gesellschaft von etwas Strengerem am besten zur Geltung. Eine Kombination aus einem gestischen Motiv und zwei rein grafischen Postern ergibt eine zusammenhängende Bildergruppe, ohne eintönig zu wirken – nach demselben Prinzip, nach dem Museen Pollock in der Nähe geometrischer Abstraktion ausstellen. Praktische Ratschläge zum Aufbau einer solchen Gruppierung finden sich im Leitfaden zum Gestalten einer Bilderwand, und eine speziell zu diesem Motivtyp vertiefende Erklärung im Leitfaden zu abstrakten Postern.

Rahmen und Passepartout

Gestische Motive wirken mit einem schmalen Rahmen besonders gut, der nicht mit den Linien konkurriert. Schwarze Eiche oder weiß lasierte Eiche mit höchstens drei Zentimetern Breite genügt, und ein vier bis fünf Zentimeter breites Passepartout gibt dem Bild Luft, ohne es kleiner wirken zu lassen. Vermeiden Sie breite Goldrahmen – sie schaffen eine museale Rahmung, die das Motiv in eine Epoche zieht, der es nicht angehört. Mehr über dieses Abwägen finden Sie in den Artikeln über das Einrahmen von Kunst und über die Auswahl der richtigen Kunst für das Zuhause.

Tipp: Hängen Sie ein gestisches abstraktes Motiv dort auf, wo Sie schräg daran vorbeigehen statt direkt darauf zuzugehen – in einem Flur, entlang einer Treppe oder neben einer Sitzgruppe. Pollocks Leinwände waren dafür gedacht, in Bewegung betrachtet zu werden, und eine Komposition ohne Mittelpunkt wirkt besser, wenn man ihr im Vorbeigehen begegnet. Platzieren Sie die Bildmitte etwa 145 Zentimeter über dem Boden; das entspricht der normalen Augenhöhe eines stehenden Erwachsenen.

Zeitleiste über Jackson Pollocks Leben

1912 – Paul Jackson Pollock wird am 28. Januar in Cody, Wyoming, als jüngster von fünf Söhnen geboren.

1930 – Zieht nach New York und beginnt, bei Thomas Hart Benton an der Art Students League zu studieren.

1935 – Wird im Rahmen des Federal Art Project, eines Teils der WPA, angestellt und erhält bis 1942 eine feste monatliche Vergütung.

1936 – Nimmt an David Alfaro Siqueiros’ experimenteller Werkstatt in New York teil und lernt flüssige Industriefarbe kennen.

1943 – Peggy Guggenheim gibt ihm einen Vertrag, ermöglicht ihm im November seine erste Einzelausstellung in der Art of This Century und erteilt ihm den Auftrag für Mural.

1945 – Heiratet Lee Krasner im Oktober und zieht im November nach Springs auf Long Island.

1947 – Beginnt, systematisch auf der am Boden liegenden Leinwand mit gegossener Farbe zu arbeiten; der Durchbruch der Drip-Painting-Technik.

1949 – Die Zeitschrift Life veröffentlicht im August eine vierseitige Reportage, die ihn landesweit bekannt macht.

1950 – Malt Autumn Rhythm, One: Number 31 und Lavender Mist; Hans Namuth dokumentiert die Arbeit in Film und Fotografie.

1952 – Malt Blue Poles; Harold Rosenberg veröffentlicht im Dezember in ARTnews seinen Essay über Action Painting.

1956 – Stirbt am 11. August im Alter von 44 Jahren bei einem Autounfall in Springs. Das MoMA eröffnet im Dezember eine Gedenkausstellung.

1963 – Das Moderna Museet in Stockholm zeigt unter der Leitung von Pontus Hultén vom 27. Februar bis zum 15. April eine Einzelausstellung.

1973 – Die National Gallery of Australia kauft Blue Poles für 2 Millionen Dollar – damals ein Rekord für ein amerikanisches Gemälde.

2015 – Number 17A wechselt in einem privaten Verkauf für 200 Millionen Dollar den Besitzer.

2026 – Das Metropolitan Museum of Art eröffnet am 4. Oktober die Ausstellung „Krasner and Pollock: Past Continuous“.

Verwandte Künstler und Bewegungen

Jackson Pollock steht im Zentrum eines Netzes künstlerischer Positionen, das sich sowohl zurück als auch nach vorn verfolgen lässt. Rückwärts führen die Spuren zu den Pionieren der abstrakten Kunst der 1910er-Jahre, wobei Wassily Kandinsky und Hilma af Klint als Erste das Motiv vollständig aufgaben, sowie zur automatischen Zeichnung der Surrealisten, der Pollock während der Kriegsjahre in New York begegnete. Vorwärts führen sie zu Mark Rothkos Farbfeldern und zum Minimalismus der 1960er-Jahre, der sich gerade gegen die gestische Handschrift richtete. Betrachtet man ihn in einem größeren Zusammenhang, gehört er zur Moderne, die das gesamte 20. Jahrhundert prägte. Einen grundlegenden biografischen Überblick gibt es auch bei Wikipedia. Weitere Vertiefungen zu Künstlern und Kunstrichtungen sammeln wir in Bozettos Wissensdatenbank.

Häufige Fragen zu Jackson Pollock

Wenn du die Formensprache des abstrakten Expressionismus weiterentwickeln möchtest, findest du gestische und farbenfrohe Motive unter unseren abstrakten Postern sowie vertiefende Informationen zu einzelnen Meistern in der Kollektion mit bekannten Künstlern. Beginne mit einem großen Motiv auf der Fläche, an der du am häufigsten vorbeikommst – dort kommt eine Komposition ohne Mittelpunkt am besten zur Geltung.