Kunstgeschichte – kompletter Leitfaden zur Geschichte der Kunst, Epochen und Strömungen

Kunstgeschichte ist eine Reise, die in der Dunkelheit beginnt – mit brennenden Fackeln, die vor 33.000 Jahren die Höhlenwände in Südfrankreich erhellten. Dann führt sie durch das Ägypten der Pharaonen, Michelangelos Sixtinische Kapelle, Monets Seerosenteiche in Giverny und Mark Rothkos leuchtende Farbfelder – und landet schließlich im schwedischen Wohnzimmer, wo ein Poster mit einem historischen Kunstwerk an der Wand Tausende Jahre menschlicher Geschichte in sich tragen kann. Im Jahr 2026 bestätigt einer der deutlichsten Einrichtungstrends, was wir schon lange ahnen: Wir wenden uns zunehmend Kunst mit Geschichte und Tiefe zu, Motiven, die ein Erbe und eine Bedeutung jenseits des anonym Dekorativen in sich tragen.

Dies ist dein vollständiger Leitfaden zur Kunstgeschichte – ein Überblick über die großen Epochen, ihre wichtigsten Künstler und vor allem: wie du die besten Ausdrucksformen der Kunstgeschichte in dein Zuhause holst. Von den Höhlenmalereien in Chauvet über die Geometrie der Bauhausschule, die Licht-Experimente des Impressionismus und die kontemplative Stille des abstrakten Farbfelds.

Inhalt
↓ Was ist Kunstgeschichte – und warum ist sie heute wichtig?
↓ Die Wiege der Kunst – 40.000 Jahre menschlicher Schaffenskraft
↓ Renaissance und Barock – der Triumph der Technik
↓ Romantik, Realismus und der Durchbruch des Impressionismus
↓ Die Kunstrevolution des 20. Jahrhunderts – Kubismus, Bauhaus und abstrakte Kunst
↓ Kunstgeschichte im Zuhause – welche Epochen eignen sich als Wandkunst?
↓ Zeitleiste – die wichtigsten Epochen der Kunstgeschichte
↓ Verwandte Künstler und Kunstrichtungen
↓ Häufige Fragen zur Kunstgeschichte

Was ist Kunstgeschichte – und warum ist sie heute wichtig?

Schnellfakten: Ältestes bekanntes Kunstwerk: Chauvet-Höhle, Südfrankreich, ca. 33.000 v. Chr. · Lascaux-Höhlen ca. 15.000 v. Chr. – 600 Tierdarstellungen, die bei Lampen mit Tierfett geschaffen wurden · Epizentrum der Renaissance: Florenz und Rom, 1400–1600 · Debüt des Impressionismus: 15. April 1874, Paris, 30 Künstler · Nationalmuseum Stockholm: Die Zeitleiste – Dauerausstellung über 500 Jahre Kunstgeschichte · Göteborgs Kunstmuseum 2026: Körper. Ideal, Blick, Freiheit – 100 Werke aus fünf Jahrhunderten Kunstgeschichte · Trend 2026: Historische Kunst ist das am schnellsten wachsende Segment im Bereich Wanddekoration in Schweden

Kunstgeschichte ist die Disziplin, die Kunst im Laufe der Zeit untersucht und interpretiert: wie sie entstanden ist, was sie vermittelt, wie sie von ihrer Zeit geprägt wurde und wie sie wiederum die Gesellschaft geprägt hat. Doch Kunstgeschichte ist auch eine Möglichkeit zu verstehen, was wir als Spezies schätzen, fürchten, lieben und zu kontrollieren versuchen. Sie ist das ehrlichste Tagebuch der Menschheit.

Es geht nicht nur darum, Epochen und Künstlernamen auswendig zu lernen. Jede Bewegung innerhalb der Kunstgeschichte reagiert auf etwas Konkretes in ihrer Zeit: Die Renaissance reagierte nach der theologischen Dominanz des Mittelalters auf die Sehnsucht nach den humanistischen Idealen der Antike. Der Impressionismus reagierte auf den Aufstieg der Fotografie – die Malerei musste die Wirklichkeit nicht mehr exakt abbilden und erhielt stattdessen die Freiheit, den Augenblick zu interpretieren. Die Bauhaus-Schule reagierte in den 1920er-Jahren auf die Anforderungen der Industrialisierung: Gestaltung für das Zeitalter der Massenproduktion. Diese Zusammenhänge zu verstehen, macht Kunstgeschichte auf eine Weise lebendig, die kein Galerieetikett ersetzen kann.

Das Nationalmuseum in Stockholm zeigt in seiner Dauerausstellung Tidslinjen, wie schwedische und europäische Künstler diese Bewegungen über 500 Jahre hinweg beeinflussten und von ihnen beeinflusst wurden. Es ist ein konkreter Beweis dafür, dass Kunstgeschichte kein abgeschlossenes Kapitel ist – sie ist ein fortlaufender Dialog. Und 2026, wenn das Kunstmuseum Göteborg die Ausstellung Kropp. Ideal, blick, frihet mit 100 Werken aus fünf Jahrhunderten Kunstgeschichte eröffnet, ist die Kunstgeschichte im schwedischen Kulturleben lebendiger als seit Langem. Mehr erfahren Sie auf der Website des Kunstmuseums Göteborg.

Die Wiege der Kunst – 40.000 Jahre menschlicher Schaffenskraft (40.000 v. Chr.–400 n. Chr.)

Prähistorische Kunst: die Höhlenmalereien von Chauvet und Lascaux

Die ältesten bekannten Kunstwerke, die wir kennen, wurden vor schätzungsweise 33.000–30.000 Jahren in der Chauvet-Höhle im Süden Frankreichs geschaffen. Die Künstler – Angehörige der Aurignacien-Kultur, Europas erste anatomisch modernen Menschen – verwendeten Holzkohle und roten Ocker, um Löwen, Nashörner und Bären mit einer stilistischen Sicherheit zu zeichnen, die die Archäologen schockierte, als die Höhle 1994 entdeckt wurde. Einige Figuren wurden mit einer Schablonentechnik geschaffen: Die Hand wurde gegen die Wand gedrückt und Farbe darum herumgeblasen – einer der ältesten bekannten künstlerischen Handgriffe der Geschichte. Andere Tiere in der Höhle sind mit doppelten Konturen gezeichnet, um im flackernden Fackellicht einen Bewegungseffekt zu erzeugen.

Die Höhle von Lascaux in der Dordogne, datiert auf etwa 15.000 v. Chr., ist jünger, aber ebenso bemerkenswert: 600 Tiermotive, die bei Lampen aus Tierfett geschaffen wurden, mit einer Perspektive und einem Bewegungssinn, von denen man kaum glauben kann, dass sie von Jägern der Eiszeit stammen. Die Künstler von Lascaux wussten, wie flackerndes Licht die Illusion von Bewegung erzeugt – eine Erkenntnis über die Wahrnehmung, die moderne Filmregisseure und Animatoren noch immer nutzen.

Ägyptische Kunst: drei Jahrtausende Beständigkeit

Die ägyptische Kunst erstreckt sich über drei Jahrtausende und ist eines der beständigsten visuellen Systeme der Geschichte. Die hierarchische Größenordnung – der Pharao am größten, die Diener am kleinsten – bestimmte den Bildraum. Profil- und Frontalansicht wurden funktional statt naturalistisch kombiniert: das Gesicht im Profil, das Auge von vorn, die Schultern von vorn, die Beine im Profil. Es war ein intellektuelles System, das zeigen sollte, was der Künstler über den Körper wusste, und nicht, was das Auge sah. Ägyptische Kunst war nicht aus Unfähigkeit unrealistisch – sie war bewusst konzeptionell und funktionierte 3.000 Jahre lang.

Das klassische Erbe des antiken Griechenlands und Roms

Das antike Griechenland hinterließ der Kunstgeschichte eines ihrer beständigsten Vermächtnisse: das klassische Ideal. Ab ca. 800 v. Chr. waren Skulptur und Keramik von einem Streben nach perfekten menschlichen Proportionen geprägt. Polyklets kanonische Regeln für das Ideal des Körpers, die er im 5. Jahrhundert v. Chr. in der Schrift Kanon formulierte, beeinflussten europäische Künstler und Bildhauer mehr als 2.000 Jahre lang. Die Römer kopierten und verbreiteten das griechische Erbe, fügten ein pragmatisches Interesse an Porträts hinzu und schufen jene Bildkultur, die die Renaissance später mit bemerkenswerter Intensität wiederbelebte.

Mittelalter und Gotik: die Architektur des Lichts

Zwischen der Antike und der Renaissance liegt ein Jahrtausend, das oft zu schnell abgehandelt wird. Die Kunst des Mittelalters war zunächst romanisch – schwere Mauern, Rundbögen und dunkle Kirchenräume –, wandelte sich jedoch ab den 1140er-Jahren durch die Gotik, die mit Spitzbogen, Kreuzrippengewölbe und Strebebogen die Wand öffnete und durch Glas ersetzte. Die Weihe des umgebauten Chors von Saint-Denis außerhalb von Paris im Jahr 1144 gilt als Ausgangspunkt der Epoche, und die Kathedrale von Chartres bewahrt bis heute 167 mittelalterliche Glasfenster. Es war ebenfalls die Gotik, die mit Giottos Fresken in Padua um 1305 Körpervolumen und Raumtiefe in die Malerei einführte – der Schritt, der die Renaissance möglich machte. In Schweden wird die Epoche durch die Dome von Uppsala und Linköping sowie durch den Wandmaler Albertus Pictor vertreten.

Renaissance und Barock – der Triumph der Technik im Dienste der Kunst (1400–1750)

Die Renaissance (ca. 1400–1600) wird gewöhnlich als das große Erwachen der Kunstgeschichte beschrieben – eine Wiederbelebung der Ideale der Antike nach der spirituell geprägten Ikonografie des Mittelalters. Das Epizentrum waren Florenz und Rom, mit Fürstenhäusern wie der Familie Medici als Mäzenen der künstlerischen Genies jener Zeit. Leonardo da Vinci, Michelangelo Buonarroti und Raffael Sanzio sind die Namen, die zum Sinnbild der Epoche geworden sind, doch die Bewegung war breiter und tiefgründiger als diese drei Genies. Erfahren Sie mehr auf unserer vertiefenden Informationsseite über die Renaissance.

Leonardos Mona Lisa (ca. 1503–1519) und seine Sfumato-Technik – Farben und Konturen in einem subtilen Dunst ohne harte Kanten miteinander verschmelzen zu lassen – veränderten die Wahrnehmung von Licht und Atmosphäre durch europäische Maler. Michelangelos Deckenmalerei in der Sixtinischen Kapelle (1508–1512), die er liegend auf Gerüsten während vier intensiver Jahre ausführte, setzte in der Kunst einen neuen Maßstab für dramatische Körperlichkeit. Die von dem Architekten Filippo Brunelleschi in Florenz im frühen 15. Jahrhundert systematisierte Perspektivlehre gab Künstlern ein geometrisches Werkzeug an die Hand, um auf einer zweidimensionalen Fläche eine dreidimensionale Illusion zu schaffen – ein technischer Durchbruch, dessen Folgen kaum überschätzt werden können.

Im Norden entwickelte sich die Renaissance mit eigenen Akzenten. Albrecht Dürer führte in Nürnberg die italienische Perspektivlehre in das deutschsprachige Europa ein. Jan van Eycks flämische Ölmalerei – mit einer technischen Präzision und einem Lichtreichtum, die noch immer verblüffen – zeigt, dass die Renaissance eher ein europäisches als ein italienisches Phänomen war.

Der Barock (ca. 1600–1750) nahm die technischen Errungenschaften der Renaissance auf und maximierte sie: Dramatik, Kontrast, Bewegung und Gefühl ersetzten die harmonische Ruhe. Michelangelo Merisi da Caravaggio revolutionierte die europäische Malerei mit seinem Chiaroscuro – einem intensiven Kontrast zwischen gleißendem Licht und tiefster Dunkelheit –, der religiöse Motive bis an die Grenze des Theatralischen dramatisierte. Im Norden blühten Rembrandt van Rijns psychologische Porträts, in denen das Licht eher von innen als von einer äußeren Lichtquelle zu kommen schien, sowie Johannes Vermeers Interieurmalerei mit ihrer majestätischen Alltäglichkeit und ihrem Perlmuttlicht. Über das Erbe dieser Künstler erzählen wir mehr auf den Informationsseiten über Van Gogh und Monet, deren Kunst direkt auf das Erbe der Barockbewegung reagierte und mit ihm brach.

Der Durchbruch von Romantik, Realismus und Impressionismus (1800–1905)

Die Kunstgeschichte des 19. Jahrhunderts ist die Geschichte davon, wie eine Bewegung nach der anderen die vorherige mit zunehmender Intensität und Deutlichkeit herausforderte. Die Romantik (ca. 1800–1850) wandte sich gegen den Rationalismus der Aufklärung und feierte Gefühle, die Natur und das Erhabene. Caspar David Friedrich – eine zentrale Figur der Romantik – stellte einsame Figuren mächtigen Landschaften gegenüber, in Kompositionen, die uns noch immer das Gefühl vermitteln, vor dem Unbegreiflichen zu stehen. Der Wanderer über dem Nebelmeer (1818) ist vielleicht das meistreproduzierte Bild der Kunstgeschichte von menschlicher Einsamkeit in der Natur.

Der Realismus (ca. 1840–1880) tilgte mit entschlossener Ehrlichkeit die Idealisierung der Romantik. Gustave Courbet und Jean-François Millet malten Bauern, Steinhauer und arme Menschen mit einer schonungslosen Direktheit, die die Pariser Salons schockierte. Es war ein kunstpolitischer Akt: die unteren Klassen zu würdigen Motiven für großformatige, ernsthafte Kunst zu erheben.

"Jede Kunstbewegung ist eine Antwort auf ihre Zeit – ein Spiegel dessen, was eine Zivilisation schätzt, fürchtet und über sich selbst zu verstehen versucht."

Der Impressionismus veränderte die Kunstgeschichte auf eine Weise, wie es kaum eine andere Bewegung so radikal getan hat. Am 15. April 1874 eröffneten dreißig Künstler – darunter Claude Monet, Auguste Renoir, Edgar Degas und Berthe Morisot – eine Ausstellung im Atelier des Fotografen Nadar in Paris. Ein Kritiker, Louis Leroy, verwendete Monets Gemälde Impression, Sonnenaufgang (1872) als sarkastische Bezeichnung für die gesamte Gruppe. Die Ironie der Geschichte besteht darin, dass der Spitzname als Ehrenname bestehen blieb. Das Prinzip der Bewegung bestand darin, die Veränderlichkeit des Lichts und die Stimmung des Augenblicks einzufangen, statt die exakte Wirklichkeit wiederzugeben. Kurze, sichtbare Pinselstriche, unerwartet helle Farben und das Malen im Freien waren die technischen Kennzeichen. In Schweden brachte uns die Bewegung eine nordische Variante mit Künstlern wie Anders Zorn und Bruno Liljefors. Die vollständige Geschichte des Impressionismus und seine Künstler beschreiben wir auf unserer Faktenseite über den Impressionismus. Mehr darüber, wie du impressionistische Motive für dein Zuhause auswählst, findest du in unserem Ratgeber zu Monet-Gemälden.

Der Postimpressionismus (ca. 1880–1910) führte die Kunstgeschichte noch einen Schritt weiter: Van Gogh steigerte die Intensität von Farbe und Bewegungsgefühl bis an ihre psychologische Grenze. Paul Cézanne legte den Grundstein für die analytische Bildzerlegung des Kubismus. Paul Gauguin floh nach Tahiti und suchte nach einem primitiven Ursprung der Kunst. Es war eine Generation, die die Freiheit des Impressionismus aufgriff und sie in jeweils eine radikal persönliche Vision weiterentwickelte – und genau diese persönliche Stimme macht den Postimpressionismus heute zu einem der beliebtesten Motive in schwedischen Haushalten.

Die Kunstrevolution des 20. Jahrhunderts – Kubismus, Bauhaus und abstrakte Kunst (1900–1980)

Die Kunstgeschichte des 20. Jahrhunderts ist chaotisch, vielstimmig und unwiderstehlich lebendig – die gesamte Epoche wird meist unter dem Begriff Modernismus zusammengefasst. Pablo Picasso und Georges Braque zerlegten die einheitliche Form von Objekten und präsentierten sie gleichzeitig aus mehreren Blickwinkeln – der Kubismus (ca. 1907–1920) stellte die Grundlage der westlichen Illusion einer einzigen, einheitlichen Perspektive infrage. Picassos Les Demoiselles d'Avignon (1907) gilt als das Werk, das üblicherweise als Ausgangspunkt bezeichnet wird: fünf nackte Figuren mit Gesichtern, die von afrikanischer Maskenkunst inspiriert sind, dargestellt in einem Bildraum ohne einheitliche Perspektive. Es war ein kunsthistorisches Erdbeben, dessen Nachwirkungen bis heute anhalten.

Der Expressionismus nutzte Verformung und intensive Farben, um innere Zustände statt der äußeren Wirklichkeit auszudrücken. Edvard Munchs Der Schrei (1893), bekannt in vier Versionen, ist zu einem der meistreproduzierten Werke der Kunstgeschichte geworden - eine visuelle Metapher für Angst, die ihre Zeit überdauert. Henri Matisses Fauvismus trieb die Farbe zu ihrer reinsten expressiven Kraft. Mehr darüber erfährst du auf den Faktaseiten über Henri Matisse und Edvard Munch.

Bauhaus, Hilma af Klint und abstrakte Kunst: Design trifft Gefühl

Die Bauhaus-Schule (Weimar und Dessau, 1919–1933) verband Kunst, Handwerk und Industriedesign mit pädagogischen Prinzipien, die bis heute modern sind. Wassily Kandinsky und Paul Klee lehrten dort. Die Bauhaus-Ästhetik - geometrische Formen, Primärfarben, Funktionalität und ein ehrlicher Umgang mit dem Material - zählt zu den einflussreichsten Bewegungen der gesamten Kunstgeschichte und lebt in allem weiter, von moderner Architektur über Grafikdesign bis hin zu den Postern von heute. Erfahre mehr über die Geschichte des Bauhauses und darüber, wie du damit einrichtest, in unserem Ratgeber zu Bauhaus-Postern und Einrichtung.

Hilma af Klint schuf bereits 1906 vollständig abstrakte Werke - Jahre bevor Kandinsky seine Theorien zur abstrakten Kunst veröffentlichte und Jahre bevor Mondrian zu seinen Kompositionen gelangte. Ihre Paintings for the Temple (1906–1915), 193 Werke, die sie auf ihren ausdrücklichen Wunsch 20 Jahre lang verborgen hielt, schreiben die kunsthistorische Erzählung darüber neu, wer tatsächlich ein Pionier der abstrakten Bewegung war. Erfahre mehr über ihre kunsthistorische Bedeutung auf unserer ausführlichen Faktaseite über Hilma af Klint.

Mark Rothko und die Bewegung des Abstrakten Expressionismus im New York der Nachkriegszeit führten die Abstraktion zu ihrem logischen Höhepunkt: Kunst muss nichts anderes darstellen als das Gefühl, das sie beim Betrachter hervorruft. Rothkos große, schwebende Farbfelder - in tiefen Rot-, Schwarz- und Orangetönen - erzeugen eine kontemplative Stille, die in kaum einem anderen künstlerischen Ausdruck zu finden ist. Die Pop-Art (Andy Warhol, Roy Lichtenstein) kehrte anschließend die gesamte Logik der Bewegung um und erhob die Massenkultur - Suppendosen, Comic-Panels - zum Status von Kunstwerken. Vertiefe dein Wissen über die Bewegung auf unserer Faktaseite über Pop-Art. Jede Bewegung entfernte die Kunstgeschichte einen Schritt weiter von der Darstellung und führte sie einen Schritt tiefer in die Frage, was Kunst eigentlich ist.

Kunstgeschichte zu Hause – welche Epochen eignen sich am besten als Wandkunst?

Tipp: Wähle Kunst mit historischem Ursprung danach aus, worüber du tatsächlich etwas weißt. Forschungen zeigen, dass Kunst, über die wir Gästen etwas erzählen können – über ihre Epoche, ihren Künstler oder ihren Kontext –, ein tieferes Raumgefühl und mehr Persönlichkeit schafft als Kunst, die ausschließlich wegen ihrer Farbe ausgewählt wurde. Kunstgeschichte bietet dem Gespräch einen Ausgangspunkt.

Im Jahr 2026 weisen schwedische Einrichtungstrends deutlich in Richtung historischer Kunst und Motive mit Geschichte. Es ist eine Bewegung weg von anonymer Massenproduktion und hin zu dem, was ein Erbe in sich trägt. Welche Epochen eignen sich am besten für ein modernes Zuhause?

Impressionistische Motive von Monet, Renoir und Pissarro schaffen helle, offene Räume mit einer sanften Farbpalette – Lavendel, Sonnengelb, Grün und Blau –, die in nahezu jedem Raum und zu jedem Einrichtungsstil funktionieren. Der nostalgische Wiedererkennungswert ist hoch, und die Motive sind zeitlos. In Bozettos Sortiment an Werken berühmter Künstler findest du impressionistische Favoriten.

Bauhaus und grafische Moderne – Kandinsky, Klee, Moholy-Nagy – eignen sich perfekt für Büros, Homeoffices und moderne Wohnzimmer. Die geometrischen Formen und Primärfarben verleihen Energie und Präzision, die die oft neutralen Farbschemata moderner Räume ergänzen. Bozettos Bauhaus-Kollektion vereint zeitlose Favoriten.

Retro- und Vintage-Drucke – Poster sowie Reise- und Produktwerbung aus den 1920er- bis 1960er-Jahren – passen in Küche, Esszimmer und Flur. Sie vermitteln Geschichten und Atmosphäre, mit denen anonyme Drucke nicht mithalten können. Stöbere bei Bozetto in den Retro- und Vintage-Postern. Wenn du verstehen möchtest, wie du die richtige Wahl triffst, lies unseren Leitfaden zu Retro- und Vintage-Postern im Zuhause.

Abstrakte Kunst – Rothko, af Klint, Miró – wirkt eher als Stimmungsmacher denn als erkennbares Motiv. Rothkos Farbfelder schaffen Ruhe und Kontemplation und gehören zu den wirkungsvollsten Kunstepochen für Schlafzimmer und Lesebereiche. Entdecke abstrakte Poster aus Bozettos Auswahl. Wenn du verstehen möchtest, warum abstrakte Kunst das Wohlbefinden tatsächlich verbessern kann, lies unsere ausführliche Analyse über Kunst und Wohlbefinden.

Nordische Kunstgeschichte – Carl Larsson, Elsa Beskow, Anders Zorn – verleiht einem Zuhause eine tiefe kulturelle Verwurzelung, und jedes Motiv erzählt eine Geschichte über das schwedische Leben und den Wandel der Jahreszeiten. Schwedische Kunstwerke bei Bozetto versammeln diese Motive und sind ein natürlicher Ausgangspunkt für alle, die Kunst mit einer authentisch nordischen Geschichte suchen.

Zeitleiste – die wichtigsten Epochen der Kunstgeschichte

Ein chronologischer Überblick über die Kunstgeschichte – von der prähistorischen Zeit bis zur zeitgenössischen Kunst:

ca. 33.000 v. Chr. – Chauvet-Höhle, Frankreich: älteste bekannte Kunstwerke, aurignacienzeitliche Kultur, Kohle und Ocker
ca. 15.000 v. Chr. – Höhle von Lascaux, Dordogne: 600 Tierdarstellungen, Tierfettlampen, Perspektive und Bewegung
ca. 3.000 v. Chr. – Kunst der ägyptischen Dynastien: hierarchische Komposition, Hieroglyphen, religiöse Funktion
ca. 800 v. Chr. – Das antike Griechenland: klassische Ideale, menschliche Proportionen, der Kanon des Polyklet
ca. 200 v. Chr. – Römische Kunst: Porträts, Mosaike, die visuelle Sprache des Imperiums
400–1140 – Frühmittelalter und Romanik: Ikonografie, Gold, Rundbögen und schwere Mauern
1140–1500 – Gotik: Kathedralen, Glasmalereien, Giotto und Albertus Pictor; Licht, räumliche Tiefe und Spitzbogen
1400–1600 – Renaissance: Leonardo, Michelangelo, Raphael; Perspektive und Humanismus
1600–1750 – Barock: Caravaggio, Rembrandt, Vermeer; Dramatik und Chiaroscuro
1730–1780 – Rokoko: Leichtigkeit, Pastelltöne, die Eleganz der französischen Hofkultur
1800–1850 – Romantik: Friedrich, Delacroix; Natur, Gefühl und das Erhabene
1840–1880 – Realismus: Courbet, Millet; politisch und anti-idealisierend
15. April 1874 – Debüt des Impressionismus: Monet, Renoir, Pissarro; Licht und Augenblick in Paris
1880–1910 – Postimpressionismus: Van Gogh, Cézanne, Gauguin; individuelle Stimme
1905–1920 – Fauvismus und Expressionismus: Matisse, Munch; intensive Farbe und Gefühl
1906–1915 – Hilma af Klint: Paintings for the Temple – abstrakte Kunst vor allen anderen
1907–1920 – Kubismus: Picasso, Braque; multiple Perspektiven, aufgebrochene Form
1919–1933 – Bauhaus: Kandinsky, Klee; Kunst, Handwerk und Industriedesign, Weimar und Dessau
1924–1940 – Surrealismus: Dalí, Miró, Magritte; der Traum und das Unbewusste als künstlerisches Material
1945–1970 – Abstrakter Expressionismus: Rothko, Pollock, de Kooning; Gefühl jenseits der Darstellung
1960–1980 – Pop-Art: Warhol, Lichtenstein; Massenkultur zur Kunst erhoben
1980–heute – Zeitgenössische Kunst: Installation, digitale, politische und globale Vielfalt ohne eine dominante Bewegung

Die Kunstgeschichte auf Wikipedia und die Zeitleiste des Nationalmuseums bieten weitere Vertiefung für alle, die tiefer einsteigen möchten.

Verwandte Künstler und Kunstrichtungen

Die Kunstgeschichte ist ein Netzwerk aus Einflüssen, Reaktionen und Vermächtnissen. Das größte Universalgenie der Renaissance war Leonardo da Vinci. Im Folgenden finden Sie Infoseiten zu zentralen Künstlern und Kunstrichtungen – jede Seite geht ausführlicher auf ihr jeweiliges Thema ein und ordnet es in den Gesamtkontext der Kunstgeschichte ein:

Gotik – Kathedralen, Glasmalereien und Merkmale · Renaissance – da Vinci, Michelangelo und die Kunst der Epoche · Barock – Caravaggio, Rembrandt und die Kunst der Dramatik · Impressionismus – Geschichte, Künstler und Merkmale · Romantik – Friedrich, die Natur und das Erhabene · Nordische Kunst – Geschichte und skandinavische Bildtradition · Henri Matisse – Fauvismus und Papierschnitte · Vincent van Gogh – Postimpressionismus und Meister der Intensität · Hilma af Klint – die verborgene Pionierin der abstrakten Kunst · Gustav Klimt – die Wiener Secession und Der Kuss · Claude Monet – Seerosen, Giverny und der Künstler des Lichts · Pop-Art – Warhol, Lichtenstein und die Populärkultur

Sehen Sie sich die gesamte Bozettos Wissensdatenbank an – mit einem umfassenden Überblick über Künstler, Kunstrichtungen und Einrichtungsratgeber.

Häufige Fragen zur Kunstgeschichte

Möchten Sie mehr über die Kunstgeschichte entdecken – von der Lichtrevolution des Impressionismus bis zu den Wegbereitern der abstrakten Kunst? Bozettos Sortiment an Werken berühmter Künstler ermöglicht es Ihnen, Kunstgeschichte nach Hause zu holen – in Formaten und Qualität, die zu jedem Raum und jeder Wand passen. Jeder Poster ist ein Kapitel des langen kunsthistorischen Dialogs, der vor 33.000 Jahren an einer Höhlenwand in Südfrankreich begann.