Kubismus – die Geschichte der Kunstbewegung, Picasso, Braque und Merkmale

Der Kubismus ist die Kunstbewegung, die mehr als jede andere die fünfhundertjährige Tradition der europäischen Kunst sprengte, die Wirklichkeit so abzubilden, wie das Auge sie sieht. Als Pablo Picasso und Georges Braque um 1907 in Paris begannen, Gesichter, Gitarren und Flaschen in facettierte Flächen aufzuspalten, schufen sie eine völlig neue Bildsprache - eine, in der ein Gegenstand gleichzeitig von vorn, im Profil und von unten gesehen werden konnte. Für Kunstliebhaber ist der Kubismus nicht nur eine historische Randnotiz, sondern der Ausgangspunkt der gesamten modernen Malerei, und die geometrischen Motive leben bis heute auf Bildern und Postern in Tausenden schwedischen Haushalten weiter.

Diese Informationsseite soll zur umfassendsten deutschsprachigen Ressource über den Kubismus werden: seine Entstehung, seine beiden Phasen, seine Pioniere, die Werke, die die Kunstgeschichte veränderten, und die Techniken, die dies ermöglichten. Wir betrachten außerdem, wie die Bewegung in Schweden aufgenommen wurde, wie viel ein kubistisches Werk heute bei einer Auktion kostet und wie du die geometrische Formensprache der Bewegung durch grafische Kunst in dein eigenes Zuhause bringen kannst. Jeder Abschnitt basiert auf überprüfbaren Fakten aus Museen wie dem Moderna Museet und dem Museum of Modern Art.

Inhalt
↓ Was ist Kubismus?
↓ Die Entstehung und Geschichte des Kubismus
↓ Die wichtigsten Werke des Kubismus
↓ Technik, Stil und Merkmale
↓ Das Erbe und der Einfluss des Kubismus
↓ Kubismus im Zuhause
↓ Zeitleiste
↓ Verwandte Kunstbewegungen
↓ Häufige Fragen zum Kubismus

Was ist Kubismus?

Der Kubismus ist eine Kunstbewegung, die um 1907 in Paris entstand und Motive in geometrische, facettierte Formen zerlegte, um sie gleichzeitig aus mehreren Blickwinkeln zu zeigen. Anstatt einen Gegenstand so wiederzugeben, wie er dem Auge in einem einzigen Augenblick erscheint, bauten die Kubisten das Bild aus Fragmenten auf, die das Objekt aus verschiedenen Richtungen beschrieben. Der einheitliche Bildraum der Renaissance, der von der Zentralperspektive ausging, wurde dadurch vollständig aufgelöst - und genau dieser Bruch ist der Grund, warum Kunsthistoriker den Kubismus als den eigentlichen Nullpunkt der modernen Kunst betrachten.

Schnellinfo: Entstehung: Paris, um 1907. Begründer: Pablo Picasso (1881–1973) und Georges Braque (1882–1963). Erstes Werk: Les Demoiselles d'Avignon (1907), 243,9 × 233,7 cm, heute im Museum of Modern Art in New York. Phasen: analytischer Kubismus (etwa 1908–1912) und synthetischer Kubismus (ab 1912). Geprägter Begriff: der Kritiker Louis Vauxcelles in der Zeitung Gil Blas am 14. November 1908. Auktionsrekord: Picassos Femme assise (1909) wurde 2016 bei Sotheby's für 63,4 Millionen Dollar verkauft - das teuerste kubistische Gemälde aller Zeiten. Schwedische Sammlung: Das Moderna Museet in Stockholm besitzt Werke von Picasso, Braque und Fernand Léger.

Der Name der Bewegung war ursprünglich ein spöttischer Ausdruck. Als Braque 1908 Landschaften im Salon d'Automne ausstellte, beschrieb der Kritiker Louis Vauxcelles sie in Gil Blas als auf „geometrische Grundformen, auf Würfel“ reduziert. Der Ausdruck blieb haften, und das Wort „cubisme“ war bereits Ende 1909 unter Malern und Kritikern allgemein gebräuchlich. Eine der einflussreichsten Strömungen des 20. Jahrhunderts erhielt ihren Namen also von einem Rezensenten, der sie eigentlich abtun wollte.

Um zu verstehen, wie radikal dieser Ansatz war, lohnt es sich, daran zu erinnern, wogegen sich der Kubismus richtete. Seit der Renaissance hatte die europäische Malerei auf der Illusion eines dreidimensionalen Raums aufgebaut, der durch ein Fenster aus einer einzigen, festen Betrachterperspektive gesehen wird. Die Kubisten lehnten diese fünfhundert Jahre alte Konvention ab. Sie erkannten, dass ein Gemälde im Grunde eine flache Oberfläche ist und der Künstler das Bild daher nach der Logik der Idee statt nach der des Auges aufbauen kann. Diese Einsicht – dass das Bild eine eigenständige Konstruktion und kein Fenster zur Wirklichkeit ist – ist vielleicht der wichtigste Beitrag des Kubismus zur Kunstgeschichte und bildet die Grundlage für fast alles, was als moderne Kunst bezeichnet wird.

Die Geburt und Geschichte des Kubismus

Die Hauptphase des Kubismus wird von 1907 bis 1914 angesetzt, als die Bewegung durch den Ausbruch des Ersten Weltkriegs unterbrochen wurde. Doch die Saat war bereits früher gesät worden. Zwei Impulse waren entscheidend: Paul Cézannes späte Landschaften, in denen die Natur auf „Zylinder, Kugel und Kegel“ vereinfacht wurde, und die Begegnung mit afrikanischer und iberischer Skulptur, deren vereinfachte, maskenhafte Gesichter Picasso in Paris studierte. Aus dieser Verbindung entstand eine Malerei, die nicht länger den Seheindruck imitieren, sondern den Aufbau der Form analysieren wollte.

Das Erbe Cézannes und die afrikanischen Masken

Paul Cézanne starb 1906, und im darauffolgenden Jahr fand in Paris eine große Gedenkausstellung statt, die für die junge Generation von entscheidender Bedeutung war. Cézannes Art, Ebenen ineinander übergehen zu lassen und dasselbe Motiv aus leicht verschobenen Blickwinkeln zu malen, wurde zu einem direkten Vorbild für die Fragmentierung des Kubismus. Zugleich verlieh die außereuropäische Kunst Picasso eine von akademischer Naturtreue befreite Formensprache – eine Formensprache, die in Les Demoiselles d'Avignon mit voller Kraft zum Durchbruch kommt.

Picasso und Braque – eine beispiellose Zusammenarbeit

Zwischen 1909 und 1914 arbeiteten Picasso und Braque so eng zusammen, dass ihre Werke zeitweise schwer voneinander zu unterscheiden sind. Braque beschrieb ihre Beziehung selbst als „zwei Bergsteiger, die am selben Seil hängen“. Sie besuchten täglich die Ateliers des jeweils anderen, prüften gegenseitig ihre Leinwände und trieben gemeinsam die Entwicklung von der Fragmentierung zur Collage voran. Diese radikale Koautorenschaft ist eine der bekanntesten kreativen Partnerschaften der Kunstgeschichte und erklärt, warum sich der Kubismus innerhalb weniger intensiver Jahre so schnell entwickeln konnte.

Nach 1912 kamen weitere Namen hinzu. Juan Gris verfeinerte den synthetischen Kubismus mit klaren Farben und einer strengen Komposition, und Fernand Léger entwickelte eine eigene, röhrenförmige Variante, die oft als „Tubismus“ bezeichnet wird. Der Krieg zerstreute den Kreis 1914 – Braque und Léger wurden eingezogen –, doch zu diesem Zeitpunkt hatte sich die Bewegung bereits weit über Paris hinaus verbreitet.

Neben Picasso und Braque gab es außerdem einen größeren Kreis sogenannter Salonkubisten, die gemeinsam ausstellten und die Bewegung öffentlich bekannt machten. Künstler wie Albert Gleizes und Jean Metzinger veröffentlichten 1912 die Schrift Du cubisme, die erste theoretische Darstellung der Bewegung, und im selben Jahr versammelte die viel beachtete Ausstellung Section d'Or in Paris eine Reihe von Kubisten. Während Picasso und Braque selbst ihre Absichten nur selten in Worten erklärten, waren es diese Theoretiker, die dem Kubismus einen intellektuellen Rahmen gaben und seine Ideen einem internationalen Publikum zugänglich machten.

Die wichtigsten Werke des Kubismus

Eine kleine Zahl von Gemälden trägt die gesamte Geschichte der Bewegung. Hier sind die Werke, an denen jede Beschreibung des Kubismus vorbeikommen muss – vom ersten Schock im Jahr 1907 bis zu den farbenprächtigen Collagen der 1910er-Jahre. Gemeinsam zeichnen sie die Entwicklung der Bewegung von der Analyse zur Synthese in weniger als einem Jahrzehnt nach.

Les Demoiselles d'Avignon (1907)

Picassos Les Demoiselles d'Avignon gilt allgemein als erstes kubistisches Gemälde und als das Werk, das die Tür zur gesamten modernen Kunst öffnete. Die Leinwand misst 243,9 × 233,7 cm und zeigt fünf Frauenfiguren, deren Körper in kantige Flächen zerlegt sind und deren Gesichter teilweise maskenhaft wirken. Das Museum of Modern Art in New York erwarb das Gemälde 1939 durch das testamentarische Vermächtnis von Lillie P. Bliss, und seither hängt es zwischen den absoluten Höhepunkten der Sammlung. Das Werk schockierte bei seiner Präsentation sogar Picassos engste Freunde, und es dauerte Jahre, bis seine Bedeutung vollständig verstanden wurde.

Femme assise und die analytische Phase

Picassos Femme assise von 1909 zeigt das Modell und die damalige Partnerin des Künstlers, Fernande Olivier, gemalt während eines Sommers im spanischen Dorf Horta de Ebro. Das Werk ist ein Schulbeispiel für den analytischen Kubismus: Gesicht und Körper sind in kleine, gedämpfte Flächen in Braun, Grau und Ocker zerlegt. Dass genau dieses Werk 2016 bei Sotheby's in London für 43,2 Millionen Pfund – umgerechnet 63,4 Millionen Dollar – verkauft wurde und damit zum teuersten kubistischen Gemälde aller Zeiten auf einer Auktion wurde, sagt etwas darüber aus, wie hoch der Markt heute die frühen Jahre der Bewegung bewertet.

Braques Collagen und die synthetische Wende

Im Jahr 1912 war Georges Braque der Erste, der ausgeschnittene Papierstücke direkt auf die Leinwand klebte – die Technik des papier collé. Mit Werken, die aus Tapetenstücken, Zeitungspapier und imitierter Holzmaserung aufgebaut waren, wandte sich der Kubismus von der Analyse der Formen ihrer erneuten Zusammensetzung zu. Die Farben wurden heller, und Buchstaben, Notenblätter und Alltagsgegenstände wurden Teil des Bildes. Braques Auktionsrekord liegt bei 10,1 Millionen Pfund für Paysage à La Ciotat (1907), erzielt bei Christie's im Jahr 2010 – eine Erinnerung daran, dass Braque trotz seiner ebenso zentralen Bedeutung wie Picasso auf dem Markt lange im Schatten seines Weggefährten stand.

"Ich male die Dinge, wie ich sie denke, nicht wie ich sie sehe." – Pablo Picasso, zitiert in John Goldings Standardwerk Cubism (1959)

Technik, Stil und Merkmale

Was macht ein Bild also kubistisch? Die Bewegung weist mehrere erkennbare Signaturen auf, die sich zwischen der analytischen und der synthetischen Phase deutlich unterscheiden. Im Folgenden gehen wir auf die wichtigsten Stilmittel ein, die allesamt bereits in der Zeit von 1908 bis 1914 etabliert waren.

Mehrere Blickwinkel gleichzeitig

Das grundlegendste kubistische Stilmittel besteht darin, einen Gegenstand aus mehreren Blickwinkeln im selben Bild zu zeigen. Eine Flasche kann sowohl von oben als auch von der Seite dargestellt werden, ein Gesicht sowohl im Profil als auch von vorn. Der Betrachter wird gezwungen, die Teile selbst zu einem Ganzen zusammenzufügen, wodurch er zu einem aktiven Mitgestalter und nicht zu einem passiven Empfänger wird. Dieses Prinzip formulierte Picasso in seiner berühmten Aussage, Gegenstände so zu malen, wie er sie dachte.

Analytischer Kubismus und die gedämpfte Palette

In der analytischen Phase, etwa von 1908 bis 1912, wurden die Motive in immer mehr und immer kleinere Flächen zerlegt, bis sie beinahe unkenntlich waren. Die Farbskala wurde bewusst auf Braun, Grau und Ocker reduziert und war nahezu monochrom, da kräftige Farben die Betrachtung der komplizierten Formen durch das Auge gestört hätten. Daher können die Bilder auf den ersten Blick schwer lesbar wirken – sie verlangen, dass man verweilt und langsam eine Gitarre, eine Zeitung oder ein Gesicht aus dem Muster der Facetten herausarbeitet.

Synthetischer Kubismus, papier collé und Collage

Ab 1912 wandte sich die Bewegung dem synthetischen Kubismus zu. Nun wurde das Bild aus bereits fertigen, vereinfachten Formen aufgebaut, und echte Materialien wurden auf die Leinwand geklebt: Zeitungsausschnitte, Tapete und imitierte Holzmaserung. Papier collé – eingeklebte Papierstücke – wurde zu einer völlig neuen Technik und zu einem direkten Vorläufer der gesamten Collagekunst des 20. Jahrhunderts. Die Farben wurden heller und die Kompositionen klarer, und die Kunst näherte sich erstmals der Abstraktion, ohne das Gegenständliche vollständig aufzugeben.

Alltagsmotive und die grafische Fläche

Die Kubisten wandten sich weder dramatischen noch erhabenen Themen zu. Im Gegenteil: Sie malten Gitarren, Flaschen, Zeitungen, Pfeifen und Café-Tische – Gegenstände des Alltags. Diese Zurücknahme des Motivs zugunsten des Eigenwerts von Form und Fläche ist ein zentraler Bestandteil des modernen Charakters des Kubismus und ein Grund dafür, dass sich die Bildsprache der Bewegung bis heute so gut in grafische Kunst und das Plakatformat übertragen lässt.

Passepartout und der flache Bildraum

Ein technisches Merkmal, das die gesamte Bewegung verbindet, ist der bewusst flache Bildraum. Während die ältere Malerei durch Perspektive und Luftperspektive Tiefe erzeugte, drängt der Kubismus den Raum so zusammen, dass Vorder- und Hintergrund zu nahezu derselben Ebene verschmelzen. Die Gegenstände scheinen nahe der Leinwandoberfläche zu schweben, und Schatten und Volumen werden eher angedeutet als beschrieben. Das Ergebnis ist ein Bild, das den Betrachter ständig daran erinnert, dass es sich eben um eine bemalte Fläche handelt – einer von mehreren Gründen, warum kubistische Werke auch im kleinen Format und als Druck ihre Wirkung bewahren.

Das Erbe und der Einfluss des Kubismus

Nur wenige Bewegungen haben so weitreichende Nachwirkungen gehabt. Bereits in den 1910er-Jahren verbreiteten sich die Ideen des Kubismus in ganz Europa in zahlreiche neue Richtungen, und heute gilt die Bewegung als grundlegend für nahezu die gesamte darauf folgende abstrakte Kunst.

Vom Futurismus zum Konstruktivismus

Der italienische Futurismus übernahm die Fragmentierung des Kubismus, lud sie jedoch mit Bewegung und Geschwindigkeit auf. In Russland bauten Konstruktivismus und Suprematismus auf den geometrischen Flächen weiter auf, und in Frankreich führten die Experimente zur reinen Abstraktion. Auch die Wege von Wassily Kandinsky und Piet Mondrian zur nichtgegenständlichen Kunst lassen sich auf die Freiheit von der Abbildung zurückverfolgen, die der Kubismus erstmals denkbar machte.

Picassos später Kubismus und Guernica

Der Kubismus starb nicht mit dem Ersten Weltkrieg. Picasso trug seine Bildsprache sein ganzes Leben mit sich, und in seinem berühmtesten Werk, Guernica von 1937, verband er die fragmentierten Formen des Kubismus mit einem aufgeladenen politischen Inhalt. Die schwarz-weiße, flächige Komposition mit einer Breite von über sieben Metern zeigt, dass die Mittel der Bewegung auch den tiefsten Ernst tragen konnten. Dass sich die Formensprache des Kubismus mit allem von Stillleben bis zu den Schrecken des Krieges aufladen ließ, ist einer der deutlichsten Beweise für ihre Tragfähigkeit als Sprache und nicht bloß als Stil.

Kubismus in Schweden und das Moderna Museet

Der Kubismus erreichte Schweden in den frühen 1910er-Jahren, vor allem durch schwedische Künstler, die nach Paris und Berlin reisten. Allen voran Gösta Adrian-Nilsson, bekannt als GAN (1884–1965), der als Pionier der schwedischen Moderne gilt. Als er 1920 nach Paris kam, lernte er Fernand Léger kennen, und in seinen ersten Jahren dort malte er eine Reihe strenger Kompositionen im Geist des synthetischen Kubismus. Sein Landsmann Otto G. Carlsund studierte an Légers Académie Moderne. Heute besitzt das Moderna Museet in Stockholm bedeutende Werke der Kubismus-Pioniere Picasso, Braque und Léger, was es zum selbstverständlichen Ort macht, um die Bewegung in Schweden aus nächster Nähe zu erleben.

Kubismus im Zuhause – ein praktischer Leitfaden

Die geometrische Formensprache des Kubismus gehört zu den dankbarsten, wenn es darum geht, sie in die Einrichtung zu integrieren, gerade weil sie grafisch und klar ist. Ein kubistisch inspiriertes Bild verleiht einem Raum Struktur und intellektuelles Gewicht, ohne die starken Farbkontraste zu erfordern, auf denen beispielsweise der Expressionismus aufbaut. Die gedämpften Erdtöne der analytischen Phase – Braun, Grau und Ocker – harmonieren außerdem ganz natürlich mit Holz, Leinen und anderen Materialien, die im skandinavischen Zuhause häufig vorkommen.

Wenn du mehr Lebendigkeit möchtest, wählst du stattdessen Motive aus der helleren Farbskala des synthetischen Kubismus oder reine geometrische Abstraktionen, die die Ideen der Bewegung weiterführen. Ein kubistisches Poster eignet sich hervorragend als Anker in einer Bildergruppe zusammen mit grafischen und abstrakten Motiven, da die facettierten Formen unterschiedliche Stile miteinander verbinden. In unserem Sortiment an abstrakten Postern und grafischen Postern findest du mehrere Motive, die an das Formgefühl der Bewegung anknüpfen.

Achten Sie auch auf das Format. Ein kubistisches Motiv mit vielen kleinen Flächen wirkt besser in einem größeren Format, damit die Details lesbar bleiben, während eine strengere geometrische Komposition auch als kleineres Bild in einer Gruppe gut funktioniert. Ein Wohnzimmer verträgt gerne ein großes, dominantes Werk über dem Sofa, während sich ein Flur oder Arbeitszimmer für eine dichtere Sammlung mehrerer kleinerer Motive in verwandten Farben eignet.

Tipp: Lassen Sie einem kubistischen Bild viel Raum. Die facettierten Formen sind visuell intensiv, daher sorgen ein schlichter, schmaler Rahmen in Schwarz oder Natur und eine ruhige Umgebung dafür, dass das Motiv atmen kann. Wenn Sie eine Sammlung zusammenstellen möchten, eignet es sich, ein geometrisches Motiv mit zwei oder drei ruhigeren Abstraktionen in derselben gedämpften Farbskala zu kombinieren – so entsteht ein durchdachtes Gesamtbild, ohne dass der Raum unruhig wirkt.

Für alle, die sich eingehender damit beschäftigen möchten, wie man Kunst aufhängt und kombiniert, haben wir mehrere Ratgeber: Erfahren Sie mehr über das Gestalten einer Bilderwand, das Einrahmen von Kunst und abstrakte Poster für noch mehr Inspiration zu einer durchdachten Einrichtung.

Zeitleiste des Kubismus

Die intensiven Entwicklungsjahre des Kubismus lassen sich in einer Chronologie von den frühen Impulsen bis zur Verbreitung der Bewegung zusammenfassen.

1906: Paul Cézanne stirbt, und eine Gedenkausstellung im darauffolgenden Jahr wird zu einer entscheidenden Inspiration für die jungen Maler in Paris.

1907: Picasso vollendet Les Demoiselles d'Avignon – das Werk, das als Ausgangspunkt des Kubismus gilt.

1908: Braque stellt Landschaften im Salon d'Automne aus; der Kritiker Louis Vauxcelles beschreibt sie am 14. November in Gil Blas als „Würfel“ und gibt der Bewegung ihren Namen.

1909: Picasso malt Femme assise in Horta de Ebro; das Wort „cubisme“ ist nun allgemein gebräuchlich. Die analytische Phase beginnt.

1910–1911: Der analytische Kubismus erreicht seinen Höhepunkt mit stark fragmentierten, fast monochromen Werken.

1912: Braque führt die Papier collé-Technik ein; der synthetische Kubismus nimmt mit Collagen und helleren Farben Gestalt an. Gleizes und Metzinger veröffentlichen Du cubisme, und Juan Gris tritt als führende Figur hervor.

1914: Der Erste Weltkrieg bricht aus; Braque und Léger werden eingezogen, und der Pionierkreis zerstreut sich.

1920er-Jahre: Die Ideen des Kubismus verbreiten sich international; in Schweden führen GAN und Otto G. Carlsund die Bewegung nach ihrer Begegnung mit Léger in Paris weiter.

1937: Picasso malt Guernica und zeigt, dass die Formensprache des Kubismus auch den tiefsten Ernst tragen kann.

Verwandte Kunstbewegungen und Künstler

Der Kubismus steht im Zentrum eines ganzen Netzwerks moderner Strömungen. Der wichtigste Begründer der Bewegung wird auf unserer Seite über Pablo Picasso vorgestellt, und es war Henri Matisse, der der Überlieferung zufolge zuerst von Braques „kleinen Würfeln“ sprach. Der weitere Weg zur gegenstandslosen Kunst wird auf den Seiten über abstrakte Kunst und den Pionier Wassily Kandinsky beschrieben, während der Surrealismus nach dem Kubismus zur führenden Avantgarde von Paris wurde. Die geometrische Formensprache des Kubismus lebte auch im dekorativen Art-Déco-Stil der 1920er-Jahre weiter. Einen Überblick darüber, wie alles zusammenhängt, findest du in unserer umfassenden Kunstgeschichte. Besuche auch unsere Wissensdatenbank mit Informationsseiten über Künstler und Bewegungen. Vertiefe dein Wissen über die Bewegung gern über Wikipedias Artikel über den Kubismus, die Sammlung des Moderna Museet und die Werkseite von Les Demoiselles d'Avignon bei MoMA. Der Dadaismus entstand parallel als provokantester Aufstand der Moderne – lies mehr über den Dadaismus.

Möchtest du eine verwandte Bewegung erkunden? Lies unsere ausführliche Darstellung über den Futurismus – die italienische Avantgardebewegung, die Geschwindigkeit und Bewegung zur Kunst machte.

Häufige Fragen zum Kubismus

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