Manierismus – die Geschichte der Kunstrichtung, El Greco, Parmigianino und Merkmale

Der Manierismus ist die Kunstbewegung, die entsteht, sobald die Ideale der Renaissance von Harmonie, Ausgewogenheit und Naturtreue bereits erreicht sind – und eine neue Generation von Künstlern beschließt, bewusst gegen sie zu verstoßen. Zwischen etwa 1520 und 1600 werden Körper zu absurden Proportionen verlängert, die Farben kühl und säuerlich, der Raum zusammengedrängt und die Kompositionen drehen sich in Spiralen, die den Blick nie wirklich zur Ruhe kommen lassen. Das Ergebnis sind einige der rätselhaftesten und modernsten Gemälde der Kunstgeschichte: Parmigianinos Madonna mit dem langen Hals, El Grecos flammende Heilige und Arcimboldos aus Früchten und Gemüse gebildete Gesichter.

Lange wurde der Manierismus als Verfallsperiode abgetan, als künstliche Zwischenphase zwischen Raffaels Tod und Caravaggios Durchbruch. Im 20. Jahrhundert wurde dieses Urteil vollständig revidiert. Heute wird der Manierismus stattdessen als die erste bewusst antinaturalistische Bewegung der westlichen Kunst verstanden – als eine Epoche, in der der Künstler erstmals offen seine eigene Handschrift, seine eigene maniera, über die Glaubwürdigkeit des Motivs stellt. Dieser Leitfaden behandelt die Geschichte, Merkmale und Meisterwerke des Manierismus sowie die schwedischen Sammlungen, in denen Sie die Bewegung tatsächlich aus nächster Nähe sehen können.

Inhalt
↓ Was ist der Manierismus?
↓ Die Geschichte des Manierismus – von der Plünderung Roms zu den Höfen Europas
↓ Meisterwerke und Motive des Manierismus
↓ Technik und Stil – figura serpentinata, Farbe und Raum
↓ Der Manierismus in Schweden – Kriegsbeute und königliche Sammlungen
↓ Das Erbe und der Einfluss des Manierismus
↓ Der Manierismus im eigenen Zuhause
↓ Zeitleiste des Manierismus
↓ Verwandte Bewegungen und Künstler
↓ Häufige Fragen zum Manierismus

Was ist der Manierismus?

Der Manierismus ist eine Kunstrichtung in Malerei, Skulptur und Architektur, die sich um 1520 in Italien herausbildet und bis etwa 1600 weite Teile Europas dominiert. Der Name leitet sich vom italienischen Wort maniera ab, ungefähr „Art“ oder „Stil“, das Giorgio Vasari in seinem Künstlerlexikon Le vite de' più eccellenti pittori, scultori e architettori von 1550 wiederholt verwendete. Für Vasari war maniera ein Lob: Der fähige Künstler verfügte über eine eigene, wiedererkennbare Handschrift. Erst viel später bekam das Wort einen negativen Beiklang.

Als Epochenbezeichnung wurde der Begriff von dem italienischen Kunsthistoriker Luigi Lanzi in Storia pittorica della Italia von 1792 geprägt, zunächst eindeutig abwertend: Die Manieristen wurden als Künstler beschrieben, die Michelangelos und Raffaels Kunstgriffe imitierten, ohne die dahinterliegende Natur zu verstehen. Diese Bewertung hielt sich mehr als hundert Jahre. Erst in den 1920er-Jahren, als deutsche Kunsthistoriker wie Walter Friedlaender und Max Dvořák die Epoche neu bewerteten, wurde der Manierismus als eigenständige und bewusst experimentelle Bewegung anerkannt.

Der Kern des Manierismus ist also eine bewusste Abweichung. Während die Hochrenaissance nach Ausgewogenheit, klarer Räumlichkeit und idealisierten, aber glaubwürdigen Körpern strebte, wählen die Manieristen Instabilität, Enge und Übertreibung. Die Figuren erhalten verlängerte Gliedmaßen und kleine Köpfe, das Licht wird flach und unlogisch, die Farben changieren in Rosa, Gelb und Giftgrün, und die Komposition wird bis an die Grenze des Erträglichen gefüllt. Die Kunst wird intellektuell, elegant und etwas schwer zugänglich – geschaffen für höfische Umgebungen und gebildete Auftraggeber statt für volkstümliche Altarbilder.

Schnellwissen: Der Manierismus wirkte etwa von 1520 bis 1600, ausgehend von Florenz, Rom und Mantua. Der Name stammt vom italienischen maniera, das Giorgio Vasari 1550 in Le vite verwendete, während der Epochenbegriff 1792 von Luigi Lanzi geprägt wurde. Zentrale Künstler sind Pontormo (1494–1557), Rosso Fiorentino (1494–1540), Parmigianino (1503–1540), Agnolo Bronzino (1503–1572), Giuseppe Arcimboldo (1526–1593) und El Greco (1541–1614). Schlüsselwerke: Madonna mit dem langen Hals (1534–1540, Uffizien in Florenz), Das Begräbnis des Grafen Orgaz (1586–1588, Santo Tomé in Toledo) und Vertumnus (etwa 1590, Schloss Skokloster). Den Auktionsrekord der Bewegung hält El Grecos Der betende Dominikus, 2013 bei Sotheby's in London für 9,2 Millionen Pfund verkauft. Zwei der weltweit bekanntesten manieristischen Gemälde befinden sich in Schweden, beide Kriegsbeuten aus dem Dreißigjährigen Krieg.

Die Geschichte des Manierismus – von der Plünderung Roms zu den Höfen Europas

Der Manierismus entsteht in einem Vakuum. Im Jahr 1520 stirbt Raffael, erst 37 Jahre alt, mitten in der Arbeit an den Stanzen des Vatikans. Michelangelo ist weiterhin tätig, wird jedoch zunehmend zurückgezogen. Leonardo ist seit einem Jahr tot. Die nachfolgende Generation erbt eine Kunst, die bereits ihre Vollendung erreicht zu haben scheint – und die sich daher nur erneuern lässt, indem man sie aufbricht.

Sacco di Roma 1527 – der Schock, der eine Generation prägte

Am 6. Mai 1527 wurde Rom von den meuternden Söldnern Kaiser Karls V. gestürmt. Die Plünderung dauerte monatelang, Papst Clemens VII. wurde in der Engelsburg belagert und die Künstlerkolonie der Stadt zerstreut. Rosso Fiorentino wurde gefangen genommen und floh weiter nach Frankreich, Parmigianino verließ die Stadt und kehrte nach Norden zurück. Das Ereignis gilt gemeinhin als das Ende des Selbstvertrauens der Hochrenaissance. Die Unruhe, die Enge und die psychische Instabilität, die die manieristische Malerei prägen, werden häufig gerade vor diesem Hintergrund gelesen, zusammen mit der Spaltung der Kirche durch die Reformation, die der wichtigste Auftraggeber der Kunst gewesen war.

Florenz unter den Medici – Laboratorium der Hofkunst

In Florenz wird der Manierismus eng mit der Familie Medici verbunden. Cosimo I. macht Bronzino zum Hofmaler, und die kühlen, emailleglänzenden Porträts der herzoglichen Familie werden ebenso sehr zur Bildpolitik wie zur Malerei. 1563 gründet Vasari im Auftrag Cosimos die Accademia delle Arti del Disegno – Europas erste eigentliche Kunstakademie. Dass die Zeichnung, disegno, zum intellektuellen Fundament der Kunst erhoben wird, ist selbst ein manieristisches Programm: Die Idee geht der Beobachtung voraus.

Die Ausbreitung nach Europa

Von Italien aus verbreitet sich der Stil mit den Künstlern selbst weiter. Rosso Fiorentino und Francesco Primaticcio bauen ab den 1530er-Jahren am französischen Hof die sogenannte Schule von Fontainebleau auf. Giulio Romano gestaltet zwischen 1524 und 1534 für Federico II. Gonzaga den Palazzo Te in Mantua. Bartholomeus Spranger und Arcimboldo wirken am Hof Kaiser Rudolfs II. in Prag, das gegen Ende des 16. Jahrhunderts zu Europas vielleicht exzentrischstem Kunstzentrum wird. Und in Spanien entwickelt der in Griechenland geborene Domenikos Theotokopoulos – El Greco – den Manierismus nach seinem Umzug nach Toledo 1577 zu etwas ganz Eigenem weiter.

Meisterwerke und Motive des Manierismus

Der Manierismus verfügt nicht über ein einheitliches Motivregister, wie es beispielsweise der Impressionismus mit Landschaft und Augenblick hat. Verbunden wird er stattdessen durch eine Haltung: Religiöse Szenen, mythologische Allegorien und höfische Porträts werden alle mit derselben verdrehten Eleganz behandelt.

Parmigianino – Madonna mit dem langen Hals

1534 für die Grabkapelle der Familie Tagliaferri in der Kirche Santa Maria dei Servi in Parma in Auftrag gegeben, bis zum Tod des Künstlers 1540 gemalt und nie vollendet. Der Hals, die Finger und die Oberschenkel der Madonna sind weit über das anatomisch Plausible hinaus verlängert, das Jesuskind ist unverhältnismäßig groß und scheint aus ihrem Schoß zu gleiten, und im Hintergrund erhebt sich eine Reihe von Säulen, die nirgendwohin führt. Als das Werk 1542 endlich in der Kapelle aufgestellt wurde, meißelte man am Fuß der Säulen eine Inschrift ein, wonach ein unglückliches Schicksal Francesco Mazzola aus Parma daran gehindert habe, das Werk zu vollenden. Das Gemälde befindet sich heute in den Uffizien in Florenz und gilt als deutlichstes Manifest des Manierismus.

Pontormo – Die Kreuzabnahme

Gemalt 1525–1528 für die Cappella Capponi in Santa Felicita in Florenz. Hier gibt es weder ein Kreuz noch eine Leiter oder eine markierte Bodenlinie – nur ein Geflecht aus Körpern in Rosa, Hellblau und Blassgrün, das vor einem fast leeren Hintergrund schwebt. Die Farbskala ist zuckrig und unwirklich, und der Raum ist vollständig aufgehoben. Das Werk gilt gewöhnlich als das erste durch und durch manieristische Altarbild und zeigt, wie schnell die neue Generation die Perspektivkiste der Renaissance aufgab.

Bronzino – Allegorie mit Venus und Amor

Diese rätselhafte Allegorie aus der Zeit um 1545, die sich heute in der National Gallery in London befindet, wurde vermutlich als diplomatisches Geschenk Cosimos I. an den französischen König Franz I. gemalt. Die Haut ist zu Porzellan geglättet, die Körper sind kühl-erotisch, und um die zentrale Gruppe drängen sich Figuren, die als Eifersucht, Betrug, die Zeit und der Wahnsinn gedeutet wurden. Keine Interpretation hat unter den Forschern uneingeschränkte Zustimmung gefunden – und gerade die kalkulierte Unverständlichkeit ist Teil des Konzepts. Manieristische Kunst war dazu bestimmt, am Hof diskutiert zu werden.

El Greco – Das Begräbnis des Grafen Orgaz

El Grecos monumentales Altarbild von 1586–1588 hängt noch immer an seinem ursprünglichen Ort in der Kirche Santo Tomé in Toledo. Die untere Hälfte zeigt die Beisetzung in zeitgenössischer spanischer Kleidung, die obere einen Himmel, in dem sich die Wolken wie Stoffstücke zu drehen scheinen und die Figuren zu Flammen gestreckt werden. Der Übergang zwischen den beiden Sphären erfolgt ohne jede logische räumliche Verbindung – ein Kunstgriff, der für einen Renaissancekünstler undenkbar, für einen Manieristen jedoch selbstverständlich war. El Grecos Auktionsrekord wurde 2013 aufgestellt, als Der betende Dominikus bei Sotheby's in London für 9,2 Millionen Pfund verkauft wurde.

"Er war ein guter Mann, aber er verstand nichts vom Malen." – El Greco über Michelangelo, überliefert von Francisco Pacheco in Arte de la pintura (1649)

Technik und Stil – figura serpentinata, Farbe und Raum

Die Merkmale des Manierismus lassen sich ziemlich genau beschreiben, und sie kehren unabhängig davon wieder, ob das Werk in Florenz, Prag oder Toledo gemalt wurde. Drei Kunstgriffe sind entscheidend.

Die lang gezogene Figur und die figura serpentinata

Der Begriff figura serpentinata, die schlangenartige Figur, beschreibt einen Körper, der sich um seine eigene Achse windet, sodass der Betrachter um ihn herumgehen oder ihn spiralförmig erfassen muss. Giambolognas Marmorgruppe Der Raub der Sabinerinnen von 1583, die in der Loggia dei Lanzi in Florenz aufgestellt ist und aus einem einzigen, gut vier Meter hohen Marmorblock gehauen wurde, ist das vollendete Beispiel: Die Gruppe hat keine eindeutig vorgegebene Vorderseite. In der Malerei entspricht diesem Kunstgriff die Darstellung lang gezogener Hälse, verlängerter Unterschenkel und kleiner, zurückgelehnter Köpfe – Proportionen, die eher elegant als korrekt sind.

Die kühle und säuerliche Farbskala

Die Manieristen arbeiteten mit cangiantismo, einer Technik, bei der eine gefaltete Stofffläche zwischen zwei völlig unterschiedlichen Farbtönen wechselt, anstatt zum Schatten hin dunkler zu werden – ein Rosa, das in Hellgrün umschlägt, ein Gelb, das violett wird. In Verbindung mit einem flachen, nahezu schattenlosen Licht verleiht dies den Bildern ihren charakteristischen synthetischen Ton. Das ist das genaue Gegenteil der dramatischen Lichtführung, die Caravaggio um 1600 einführen sollte.

Der beengte Raum

Die Zentralperspektive der Renaissance konstruierte das Bild wie eine Kiste mit klarer räumlicher Tiefe. Die Manieristen füllen stattdessen die Bildfläche bis an die Ränder mit Figuren, lassen den Horizont verschwinden und rücken das Hauptmotiv aus der Mitte. In Pontormos Altarbild gibt es keinen Boden, auf dem man stehen könnte. Bei Bronzino ist der Hintergrund eine Wand aus Körpern. Die Wirkung ist zugleich klaustrophobisch und dekorativ, und sie erklärt, warum manieristische Bilder trotz ihres Detailreichtums oft ungewöhnlich grafisch wirken.

Arcimboldo und das zusammengesetzte Porträt

Giuseppe Arcimboldo trieb das manieristische Spiel mit diesem Kunstgriff weiter als alle anderen. Seine Porträts sind aus Früchten, Gemüse, Fischen, Büchern oder Tieren aufgebaut, die zu einem glaubwürdigen Profilgesicht zusammengefügt werden. Der Jurist von 1566, heute in der Sammlung des Nationalmuseums, setzt den Kopf eines Amtsträgers aus gerupftem Geflügel und gebratenem Fisch zusammen. Die Bilder waren zugleich höfische Unterhaltung und gelehrtes Rätsel, und sie haben Arcimboldo zu einem der Manieristen gemacht, die uns besonders unmittelbar zeitgenössisch erscheinen.

Der Manierismus in Schweden – Kriegsbeute und königliche Sammlungen

Dass Schweden eine der bemerkenswertesten Sammlungen manieristischer Kunst in Europa besitzt, ist nicht kenntnisreichen Ankäufen, sondern dem Dreißigjährigen Krieg zu verdanken. Als schwedische Truppen 1648 Prag einnahmen, wurden große Teile der berühmten Kunstkammer Kaiser Rudolfs II. als Kriegsbeute nach Stockholm gebracht. Auch die Plünderung Münchens trug dazu bei, dass manieristische Werke aus Mitteleuropa in schwedische Sammlungen gelangten.

Vertumnus im Schloss Skokloster

Arcimboldos Vertumnus aus der Zeit um 1590 zeigt Kaiser Rudolf II. als den römischen Gott der Jahreszeiten, dessen Gesicht aus Birnen, Äpfeln, Trauben, Mais und Kohl zusammengesetzt ist. Das Gemälde befindet sich im Schloss Skokloster am Mälarsee und ist mit Abstand das berühmteste Objekt des Schlosses. Dass das bedeutendste Einzelwerk aus der kaiserlichen Prager Sammlung heute in einem schwedischen Schloss des 17. Jahrhunderts hängt, ist eine unmittelbare Folge der Plünderung von 1648.

Manieristen des Nationalmuseums

Im Nationalmuseum in Stockholm befindet sich Arcimboldos Der Jurist (1566), das 1866 aus den Sammlungen des Schlosses Gripsholm für das Museum erworben wurde. In der spanischen Abteilung hängt El Grecos Peter und Paul, mit den überlängten Gestalten und dem flimmernden Pinselduktus, die seine reife Schaffensperiode kennzeichnen. Zusammen mit den Parmigianino-Zeichnungen in der grafischen Sammlung des Museums macht dies das Nationalmuseum zum selbstverständlichen Ausgangspunkt für alle, die Manierismus vor Ort in Schweden sehen möchten, ohne nach Florenz oder Toledo reisen zu müssen.

Das Erbe und der Einfluss des Manierismus

Der Weg zum Barock

Um die Wende zum 17. Jahrhundert wird Europa der manieristischen Eleganz überdrüssig. Die Kirche der Gegenreformation verlangt nach Bildern, die unmittelbar zum Betrachter sprechen, und diese Nachfrage wird vom Barock erfüllt. Doch der Bruch ist nicht vollständig: Der Sinn des Barock für dramatische Bewegung, diagonale Kompositionen und theatralische Inszenierung ist zu einem großen Teil ein Erbe der spiralförmig gedrehten Figuren der Manieristen. Was die Manieristen um des Auges willen taten, tat der Barock um des Gefühls willen.

Die Wiederentdeckung im 20. Jahrhundert

Die eigentliche Rehabilitierung des Manierismus kommt mit der Moderne. Als Walter Friedlaender 1914 begann, die Epoche neu zu bewerten, und die deutschsprachige Kunstgeschichte in den 1920er-Jahren folgte, waren die Künstler bereits vorausgegangen: Paul Cézanne bewunderte El Greco, und Pablo Picasso studierte ihn 1907 im Vorfeld von Les Demoiselles d'Avignon eingehend. Die überlängten Körper, die willkürliche Farbgebung und der aufgehobene Raum erwiesen sich als erstaunlich nah an dem, was der Expressionismus und der Kubismus vierhundert Jahre später suchten. Ein Maß für diese Neubewertung: Die große Überblicksausstellung Maniera. Pontormo, Bronzino and Medici Florence im Städel Museum in Frankfurt 2016 war die erste große deutsche Ausstellung überhaupt, die dem florentinischen Manierismus gewidmet war.

Manierismus heute

Das Interesse ist weiterhin groß. Das Prado in Madrid zeigte 2025 die Ausstellung El Greco. Santo Domingo el Antiguo, in der die Teile des Altaraufsatzes dank einer Leihgabe der Himmelfahrt aus dem Art Institute of Chicago erstmals seit fast zweihundert Jahren wieder zusammengeführt wurden. Dass ein vierhundert Jahre alter manieristischer Altar eine internationale Großausstellung tragen kann, sagt einiges darüber aus, wie sehr sich der Status der Bewegung seit Lanzis Urteil von 1792 verändert hat.

Manierismen im eigenen Zuhause

Manieristische Kunst eignet sich aus einem technischen Grund ungewöhnlich gut als Poster: Sie ist von Anfang an grafisch aufgebaut. Das flache Licht, die gefüllte Bildfläche und die klaren Konturen sorgen dafür, dass die Motive auch im Druck ihre Wirkung behalten – anders als beispielsweise bei der Barockmalerei, deren gesamte Wirkung auf tiefen Öllasuren beruht.

Farbskala und Kombination

Die manieristische Palette – Blassrosa, Hellgrün, Goldbraun und kühles Blau – lässt sich überraschend leicht in einem nordisch eingerichteten Raum einsetzen. Die Motive harmonieren gut mit Leinen, gekalkten Wänden und unbehandeltem Holz. Wenn Sie die dekorative Wirkung abmildern möchten, passt eine manieristische Figurenstudie hervorragend zu schwarz-weißen Postern, die dem Auge zwischen den intensiveren Motiven eine Pause gönnen. Wenn Sie stattdessen den sakralen Ernst von El Greco suchen, können Sie mit Motiven aus der Kategorie Sakral daran anknüpfen.

Format, Platzierung und Rahmenwahl

Manieristische Werke sind oft hoch und schmal – im Format eines Altarbilds. Dadurch eignen sie sich für eine schmale Wand neben einem Türrahmen oder in einem Flur, wo ein breites Landschaftsformat selten Platz findet. Wählen Sie lieber 50×70 oder 70×100 als ein kleines Format: Die Verdrehungen der Figuren brauchen Raum, um erfasst zu werden. Ein schmaler, dunkler Rahmen aus dem Sortiment der Rahmen fasst die kühle Farbskala ein, ohne mit ihr zu konkurrieren. Weitere Motive dieser Art finden Sie unter Kunstwerken bekannter Künstler. Wenn Sie unsicher sind, wie Sie mehrere Motive miteinander aufhängen, finden Sie eine Anleitung in unserem Ratgeber zur Bilderwand sowie praktische Tipps zur Rahmung im Artikel über das Einrahmen von Kunst.

Tipp: Hängen Sie niemals zwei manieristische Figurendarstellungen direkt nebeneinander. Die Kompositionen sind bereits bis zum Rand gefüllt, und zwei solche Bilder nebeneinander lassen beide an Wirkung verlieren. Lassen Sie stattdessen ein manieristisches Motiv als alleinigen Mittelpunkt stehen und umgeben Sie es mit ruhigeren, leereren Bildern – einem Stillleben, einer grafischen Form oder einem typografischen Bild. Der Kontrast sorgt dafür, dass die verdrehte Figur hervortritt, statt unterzugehen.

Weitere Ideen, wie einzelne Kunstwerke in verschiedenen Räumen platziert werden können, finden Sie in den Ratgebern zu Postern fürs Wohnzimmer und zur Auswahl der richtigen Kunst für verschiedene Räume.

Zeitleiste des Manierismus

1520 – Raffael stirbt im Alter von 37 Jahren in Rom. Die Hochrenaissance verliert ihre führende Gestalt, und eine neue Generation übernimmt.

1524–1534 – Giulio Romano baut und dekoriert den Palazzo Te in Mantua für Federico II. Gonzaga, mit dem Saal der Giganten als prunkvollstem Raumerlebnis des Manierismus.

1525–1528 – Pontormo malt Die Kreuzabnahme für die Capponi-Kapelle in Santa Felicita, Florenz.

1527 – Sacco di Roma. Die Truppen Karls V. plündern Rom und zerstreuen die Künstlerkolonie der Stadt.

1534–1540 – Parmigianino arbeitet an Madonna mit dem langen Hals, die bei seinem Tod 1540 unvollendet bleibt.

1536–1541 – Michelangelo malt Das Jüngste Gericht an die Altarwand der Sixtinischen Kapelle, ein Werk, das für die Figurendarstellung der Manieristen entscheidend wird.

1540–1543 – Benvenuto Cellini fertigt für Franz I. das goldene Salzfass Saliera an, heute im Kunsthistorischen Museum in Wien.

1545 – Bronzino malt Allegorie mit Venus und Amor, vermutlich als diplomatisches Geschenk für den französischen Hof.

1550 – Vasari veröffentlicht Le vite mit dem Begriff maniera als künstlerischem Ideal. Eine erweiterte Ausgabe folgt 1568.

1563 – Die Accademia delle Arti del Disegno wird in Florenz gegründet – Europas erste Kunstakademie.

1566 – Arcimboldo malt Der Jurist, heute im Nationalmuseum in Stockholm.

1577 – El Greco lässt sich nach Jahren in Venedig und Rom in Toledo nieder.

1583 – Giambolognas Raub der Sabinerinnen wird in der Loggia dei Lanzi in Florenz aufgestellt.

1586–1588 – El Greco malt Das Begräbnis des Grafen Orgaz für die Kirche Santo Tomé in Toledo.

um 1590 – Arcimboldo malt Vertumnus für Rudolf II. in Prag.

1600 – Caravaggios Werke in San Luigi dei Francesi in Rom markieren den Durchbruch des Barock und das Ende des Manierismus.

1648 – Schwedische Truppen plündern Prag und bringen die Sammlung Rudolfs II. nach Stockholm. Vertumnus gelangt schließlich auf Schloss Skokloster.

1792 – Luigi Lanzi prägt den Begriff manierismo in abwertendem Sinne.

1920er-Jahre – Der Manierismus wird von deutschsprachigen Kunsthistorikern neu bewertet und als eigenständige Bewegung anerkannt.

2016 – Das Städel Museum in Frankfurt zeigt Maniera. Pontormo, Bronzino and Medici Florence, Deutschlands erste große Überblicksausstellung zum Manierismus.

Häufige Fragen zum Manierismus

Wann war der Manierismus?

Der Manierismus wird normalerweise auf die Zeit von etwa 1520, dem Todesjahr Raffaels, bis etwa 1600 datiert, als Caravaggios Werke in Rom den Durchbruch des Barock markieren. Die Bewegung entstand in Florenz und Rom und verbreitete sich in der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts nach Frankreich, in die Niederlande, nach Böhmen und Spanien. In einigen Ländern, besonders nördlich der Alpen, blieb der Stil bis in die 1620er-Jahre lebendig.

Was kennzeichnet die manieristische Kunst?

Die deutlichsten Merkmale sind überdehnte Körperproportionen mit langen Hälsen und Gliedmaßen, spiralförmig verdrehte Figuren nach dem Prinzip figura serpentinata, eine kühle und säuerliche Farbpalette mit wechselnden Farbtönen in den Stofffalten sowie ein zusammengedrängter Bildraum, in dem die Perspektive aufgehoben wird und die Fläche bis an die Ränder gefüllt ist. Die Kompositionen sind oft bewusst unausgewogen, und das Motiv wird selten in der Mitte platziert.

Woher stammt das Wort Manierismus?

Das Wort stammt vom italienischen maniera, was Art oder Stil bedeutet. Giorgio Vasari verwendete den Begriff 1550 in seinem Künstlerlexikon Le vite positiv, um die persönliche Handschrift eines Künstlers zu beschreiben. Als Epochenbezeichnung wurde manierismo erstmals 1792 von Luigi Lanzi geprägt, und zwar abwertend für Künstler, denen man vorwarf, Michelangelo ohne eigene Beobachtung nachzuahmen.

Wer sind die wichtigsten Künstler des Manierismus?

In Italien Jacopo Pontormo, Rosso Fiorentino, Parmigianino, Agnolo Bronzino, Giulio Romano, Giorgio Vasari sowie die Bildhauer Giambologna und Benvenuto Cellini. An den europäischen Höfen Francesco Primaticcio in Frankreich sowie Giuseppe Arcimboldo und Bartholomeus Spranger in Prag. In Spanien El Greco, der gewöhnlich als persönlichster und einflussreichster Vertreter der Bewegung gilt.

Wo kann ich in Schweden manieristische Kunst sehen?

Schloss Skokloster am Mälarsee besitzt Arcimboldos Vertumnus von etwa 1590, eines der bekanntesten Werke der Bewegung. Das Nationalmuseum in Stockholm besitzt Arcimboldos Der Jurist von 1566, das 1866 vom Schloss Gripsholm erworben wurde, sowie El Grecos Petrus und Paulus in der spanischen Abteilung. Dass sich die Werke hier befinden, ist auf die Kriegsbeute aus dem Dreißigjährigen Krieg zurückzuführen, vor allem auf die Plünderung Prags im Jahr 1648.

Was ist der Unterschied zwischen Manierismus und Barock?

Beide arbeiten mit Bewegung und Diagonalen, doch der Zweck unterscheidet sich. Der Manierismus ist intellektuell, dekorativ und auf ein gebildetes Hofpublikum ausgerichtet; er will mit Eleganz und Rätselhaftigkeit beeindrucken. Der Barock ist emotional und an alle gerichtet; er will überzeugen und ergreifen. Technisch gesehen hat der Manierismus ein flaches, nahezu schattenloses Licht und säuerliche Farbtöne, während der Barock auf tiefen Schatten und starken Lichtkontrasten beruht.

Warum galt der Manierismus lange als Verfallsperiode?

Seit Lanzis Urteil von 1792 und während des gesamten 19. Jahrhunderts wurde Kunst an Naturtreue und klassischer Harmonie gemessen. Nach diesem Maßstab erschienen die Manieristen als gekünstelte Nachahmer Michelangelos. Die Neubewertung kam erst in den 1910er- und 1920er-Jahren, als die Moderne selbst die Naturtreue aufgegeben hatte und Kunsthistoriker wie Walter Friedlaender und Max Dvořák die Verzerrungen des Manierismus als bewusste Entscheidungen statt als Mängel lesen konnten.

Wenn du etwas von der verdrehten Eleganz des Manierismus in dein eigenes Zuhause holen möchtest, findest du klassische Motive unter Kunstwerken berühmter Künstler – von Renaissance und Manierismus bis zur Moderne des 20. Jahrhunderts, gedruckt auf alterungsbeständigem Papier in Formaten von 21×30 bis 70×100 Zentimetern.