Modernismen – konströrelsens historia, rörelser och kännetecken

Modernismus ist die Sammelbezeichnung für den Umbruch, der die Kunst zwischen etwa 1860 und 1950 veränderte – jene Zeit, in der die Malerei aufhörte, die Welt abzubilden, und begann, sich selbst zu untersuchen. In knapp hundert Jahren entwickelte sich die westliche Kunst von der polierten Historienmalerei des Salons zu den getropften Leinwänden Jackson Pollocks; auf diesem Weg erfanden die Künstler Impressionismus, Kubismus, Expressionismus, Futurismus, Dadaismus, Surrealismus und Abstraktion. Fast jedes Poster oder Gemälde, das heute als modern wahrgenommen wird, hat seine Wurzeln in dieser Epoche.

Diese Seite erklärt, was der Modernismus tatsächlich war: wann er begann, welche Bewegungen er umfasste, was sie trotz ihres völlig unterschiedlichen Aussehens verbindet, wie er nach Schweden kam und warum er in den 1930er-Jahren politisch gefährlich wurde. Wir stützen uns auf Angaben des Moderna Museet in Stockholm, des Museum of Modern Art in New York, des Göteborger Kunstmuseums, des Mjellby Kunstmuseums in Halmstad und auf Auktionsdaten von Sotheby's. Zum Schluss gibt es einen praktischen Leitfaden dazu, wie modernistische Motive an der Wand in einem schwedischen Zuhause wirken.

Inhalt
↓ Was ist Modernismus?
↓ Die Geschichte des Modernismus – Paris 1863 bis New York 1945
↓ Die wichtigsten Bewegungen des Modernismus
↓ Merkmale, Techniken und Bildsprache
↓ Modernismus in Schweden
↓ Als Modernismus zur verbotenen Kunst wurde
↓ Das Erbe des Modernismus in der heutigen Bilderwelt
↓ Modernistische Motive in der Einrichtung
↓ Zeitleiste des Modernismus
↓ Verwandte Bewegungen und Künstler
↓ Häufige Fragen zum Modernismus

Was ist Modernismus?

Modernismus ist kein Stil, sondern eine Haltung. Was einen Seerosenteich von Monet mit einem schwarzen Quadrat von Malewitsch verbindet, ist nicht das Aussehen, sondern die grundlegende Einstellung: Die Aufgabe der Kunst besteht nicht mehr darin, eine sichtbare Wirklichkeit möglichst glaubwürdig wiederzugeben, sondern zu untersuchen, was ein Bild ist und was es bewirken kann. Aus dieser Haltung gingen etwa fünfzig Bewegungen hervor, die sich oft gegenseitig bekämpften, aber denselben grundlegenden Freiheitsgedanken teilten.

Die Epoche wird gewöhnlich vom Paris der 1860er-Jahre, als Édouard Manet und die Impressionisten erstmals den Pinselstrich sichtbar machten, statt ihn zu verbergen, bis etwa 1950–1970 datiert, als der abstrakte Expressionismus in New York das Projekt vollendete und die Postmoderne begann, es infrage zu stellen. In diesen Jahrzehnten verlagerte sich der Schwerpunkt der Kunst geografisch von Paris nach New York, technisch von der Ölmalerei hin zu Collage, Fotografie und gefundenen Gegenständen und inhaltlich vom Motiv zum Ausdruck.

Eine wichtige Unterscheidung: moderne Kunst bezeichnet die historische Epoche, die wir hier beschreiben, während zeitgenössische Kunst das bezeichnet, was heute geschaffen wird. Ein Gemälde aus dem Jahr 1912 ist also moderne Kunst, aber nicht zeitgenössisch. Deshalb heißt das Museum of Modern Art in New York, das am 7. November 1929 eröffnet wurde, noch immer so, obwohl seine Kernsammlung inzwischen über hundert Jahre alt ist.

Schnellinfo: Die Moderne umfasst etwa den Zeitraum 1860–1950. Als Ausgangspunkt gilt meist der Salon des Refusés in Paris im Jahr 1863, der von Napoleon III. eingerichtet wurde. Das Zentrum lag bis 1940 in Paris und danach in New York. Die Bewegung umfasst unter anderem Impressionismus, Postimpressionismus, Fauvismus, Expressionismus, Kubismus, Futurismus, Dadaismus, De Stijl, Bauhaus, Surrealismus, Suprematismus und abstrakten Expressionismus. Das Museum of Modern Art wurde am 7. November 1929 eröffnet, das Moderna Museet in Stockholm am 9. Mai 1958. Das teuerste Werk der Moderne, das bei einer Auktion verkauft wurde, ist Gustav Klimts Porträt von Elisabeth Lederer, das am 18. November 2025 bei Sotheby's für 236,4 Millionen Dollar verkauft wurde.

Die Geschichte der Moderne – Paris 1863 bis New York 1945

Im Jahr 1863 lehnte die Jury des Pariser Salons so viele eingereichte Werke ab, dass die Proteste Napoleon III. erreichten. Der Kaiser ordnete eine parallele Ausstellung für die abgelehnten Werke an, den Salon des Refusés, und dort hing unter anderem Manets Frühstück im Grünen. Das Publikum lachte, die Kritik tobte – und die Kunstgeschichte erhielt ihren Startschuss. Zum ersten Mal gab es einen öffentlichen Raum für Kunst, die der etablierte Geschmack abgelehnt hatte, und diese Möglichkeit sollten die Modernisten neunzig Jahre lang nutzen.

Der Durchbruch der Impressionisten 1874

Elf Jahre später veranstaltete eine Gruppe von Künstlern ihre eigene Ausstellung im Atelier des Fotografen Nadar am Boulevard des Capucines. Monet, Degas, Renoir, Pissarro und Berthe Morisot zeigten dort Gemälde, in denen das Licht wichtiger war als die Gegenstände. Der Kritiker Louis Leroy prägte den Begriff Impressionismus als Spott, und die Künstler nahmen ihn an. Ihr eigentlicher Beitrag waren nicht die Motive, sondern das Prinzip: dass der Künstler selbst und nicht eine Jury entscheidet, was fertig und sehenswert ist.

1907–1914 – die radikalen Jahre

Die Jahre unmittelbar vor dem Ersten Weltkrieg bilden die dichteste Phase der Moderne. Pablo Picasso malte 1907 Les Demoiselles d'Avignon und zerstörte die Zentralperspektive. Filippo Tommaso Marinetti veröffentlichte am 20. Februar 1909 in Le Figaro das futuristische Manifest. Wassily Kandinsky schuf um 1910–1913 seine ersten völlig gegenstandslosen Aquarelle. In denselben Jahren arbeitete Hilma af Klint in Stockholm still an einer Abstraktion, die niemand vor 1986 zu sehen bekommen sollte.

Armory Show 1913 – als Amerika auf die Moderne trifft

Im Februar 1913 eröffnete die International Exhibition of Modern Art in einem Regimentshaus an der Lexington Avenue in New York. Die Ausstellung zeigte 1.090 Werke von 306 Künstlern und zog allein in New York rund 87.000 Besucher an; nach der anschließenden Tournee nach Chicago und Boston hatten etwa 300.000 Amerikaner sie gesehen. Marcel Duchamps Nackte Frau, eine Treppe herabsteigend wurde zum Mittelpunkt des Skandals und in der Presse als Explosion in einer Dachfabrik beschrieben. Die Armory Show brachte das amerikanische Kunstpublikum innerhalb eines Monats drei Jahrzehnte voran und legte den Grundstein dafür, dass New York später die Hauptstadt der Kunst übernehmen würde.

Der Krieg, die Flucht und New Yorks Übernahme

Als Deutschland 1940 Frankreich besetzte, floh ein großer Teil der europäischen Avantgarde über den Atlantik. Piet Mondrian, Max Ernst, André Breton, Marc Chagall, Fernand Léger und Josef Albers landeten allesamt in den USA. Sie brachten europäische Theorie mit und trafen auf eine Generation junger amerikanischer Maler, die weder Geld für die Tradition hatte noch Respekt vor ihr. Aus dieser Begegnung entstand im New York der 1940er-Jahre der Abstrakte Expressionismus, und damit hatte sich der Schwerpunkt der Moderne endgültig von Europa wegverlagert.

Die wichtigsten Bewegungen der Moderne

Die Moderne funktioniert am besten als Karte von Bewegungen und nicht als eine einzige Entwicklungslinie. Viele von ihnen existierten gleichzeitig in verschiedenen Städten und liehen sich frei voneinander. Hier sind die wichtigen Namen und das, was jeder von ihnen beitrug.

Bewegungen der Farbe: Fauvismus und Expressionismus

Die Fauvisten um Henri Matisse und André Derain lösten die Farbe um 1905 vom Motiv. Ein Gesicht konnte grün sein, wenn es das Bild erforderte. Der deutsche Expressionismus mit den Gruppen Die Brücke in Dresden ab 1905 und Der Blaue Reiter in München ab 1911 trieb dieselbe Freiheit voran, jedoch in Richtung Angst und Spiritualität statt Freude. Edvard Munchs Der Schrei von 1893 hatte den Weg bereits gewiesen.

Bewegungen der Form: Kubismus, Futurismus und Konstruktivismus

Während die Fauvist:innen die Farbe angriffen, griff der Kubismus die Form an. Picasso und Georges Braque zerlegten zwischen 1907 und 1914 Gegenstände in Facetten und zeigten sie gleichzeitig aus mehreren Blickwinkeln. Der Futurismus in Italien fügte Geschwindigkeit und Maschinen hinzu, der russische Konstruktivismus den gesellschaftlichen Nutzen, und De Stijl in den Niederlanden reduzierte alles auf rechte Winkel und die drei Grundfarben. Alle gingen von derselben Erkenntnis aus: Das Bild ist eine konstruierte Fläche, kein Fenster.

Bewegungen der Gedanken: Dadaismus und Surrealismus

Während des Ersten Weltkriegs entstand der Dadaismus in Zürich als wütender Scherz über eine Zivilisation, die gerade gescheitert war. Marcel Duchamp stellte 1917 ein Urinal als Skulptur aus und verlagerte damit den Wert des Kunstwerks vom Handwerk auf die Idee. Aus den Ruinen des Dadaismus wuchs der Surrealismus, der seit André Bretons Manifest von 1924 den Traum und das Unbewusste bei Salvador Dalí, Joan Miró und René Magritte zu Bildmaterial machte.

Die Strömungen der Abstraktion

Der radikalste Zweig gab das Motiv vollständig auf. Kandinsky, Kasimir Malewitsch, Hilma af Klint und Mondrian gelangten in den 1910er-Jahren unabhängig voneinander und aus sehr unterschiedlichen Gründen – Theosophie, Mathematik, Spiritualität, Musik – zu einem nichtgegenständlichen Bild. Mehr dazu in unserer Übersicht über abstrakte Kunst. Dreißig Jahre später griffen Jackson Pollock und Mark Rothko den Faden in New York wieder auf und machten die abstrakte Leinwand zu etwas, in das man eintritt, statt sie nur zu betrachten.

"Kunst ist eine Lüge, die uns die Wahrheit erkennen lässt." – Pablo Picasso, in einem Interview, veröffentlicht in der Zeitschrift The Arts, Mai 1923

Merkmale, Technik und Bildsprache

Obwohl die Bewegungen unterschiedlich aussehen, gibt es wiederkehrende Merkmale, an denen modernistische Werke erkennbar sind. Es geht dabei weniger um das Motiv als darum, wie das Bild aufgebaut ist.

Die Oberfläche darf sichtbar sein

Die klassische Malerei verbarg ihre Spuren: Die Pinselstriche wurden geglättet, bis sich die Leinwand in eine Illusion verwandelte. Die Modernisten taten das Gegenteil. Monets Farbtupfer, Van Goghs reliefartige Pastosität, Cézannes eckige Pinselstriche und später Pollocks Tropfspuren machen allesamt sichtbar, dass es sich um auf eine Oberfläche aufgetragene Farbe handelt. Das ist vielleicht die wichtigste einzelne Veränderung dieser Epoche, und sie ist selbst in einer Reproduktion direkt erkennbar.

Die Perspektive wird aufgegeben

Die Zentralperspektive der Renaissance, die Filippo Brunelleschi um 1415 formuliert hatte, bestimmte fünfhundert Jahre lang den Bildaufbau. Der Kubismus schaffte sie innerhalb von sieben Jahren ab. An ihre Stelle traten flache Bildräume, gleichzeitige Ansichten und Kompositionen, die durch Farbintensität und Form statt durch Entfernung organisiert werden. Der Effekt ist, dass sich der Blick über das Bild bewegt statt in es hinein.

Neue Materialien und Techniken

Die Epoche erfand die Collage, als Braque und Picasso 1912 Tapetenstücke und Zeitungsausschnitte einklebten. Sie führte durch Man Ray und László Moholy-Nagy die Fotografie als künstlerisches Medium ein, durch Pollock Industriefarben, durch Duchamp gefundene Gegenstände und durch den späten Matisse Papierschnitte. Insgesamt wurde die Definition dessen, woraus ein Kunstwerk bestehen konnte, in diesen fünfzig Jahren stärker erweitert als in den vorangegangenen fünfhundert.

Das Manifest als Kunstform

Ein unterschätztes Merkmal ist, dass modernistische Gruppen schrieben. Marinettis futuristisches Manifest von 1909, Bretons surrealistisches Manifest von 1924, Gropius’ Bauhaus-Manifest von 1919 und die programmatischen Texte von De Stijl sind ebenso Literatur wie Kunstpolitik. Die Moderne ist die erste Epoche, in der die Künstler selbst die Theorie formulierten – und teilweise liegt genau darin der Grund, warum die Bewegungen so eindeutige Namen und Jahreszahlen haben.

Die Moderne in Schweden

Die Moderne kam mit Verzögerung nach Schweden und stieß lange auf Widerstand. Der Wendepunkt war Henri Matisses Kunstschule in Paris, an der eine Gruppe junger Schweden um 1908–1911 studierte und die Erkenntnis mit nach Hause brachte, dass die Farbe Gefühle trägt, statt die Wirklichkeit zu beschreiben.

Die Matisse-Schüler und die drei Skandalausstellungen

Sigrid Hjertén (1885–1948) und Isaac Grünewald (1889–1946) studierten beide 1910–1911 bei Matisse und gelten unter Kunsthistorikern als diejenigen, die die Moderne nach Schweden brachten. Gemeinsam mit Nils Dardel, Einar Jolin und Leander Engström veranstaltete Grünewald drei Ausstellungen bei Hallins Kunsthandel in Stockholm, die in der Presse Entsetzen auslösten, den Expressionismus jedoch in Schweden etablierten. Hjerténs Atelierinterieur von 1916 mit dem Atelier der Familie am Stadsgården und einer blauen Stadtansicht im Hintergrund gilt als eines der Schlüsselwerke der schwedischen Moderne. Das gesamte Sortiment an schwedischen Kunstwerken bei uns spiegelt diese Tradition wider.

Die Halmstadgruppe und der schwedische Surrealismus

Im Jahr 1929 wurde die Halmstadgruppe von sechs Künstlern gegründet: Sven Jonson, Waldemar Lorentzon, Stellan Mörner, Axel Olson, Erik Olson und Esaias Thorén. Unter dem Einfluss von Gösta Adrian-Nilsson, bekannt als GAN, arbeiteten sie sich durch Kubismus, Purismus und Futurismus und fanden schließlich zu einem eigenwilligen schwedischen Surrealismus. Ihre Werke werden dauerhaft im Mjellby Kunstmuseum in Halmstad gezeigt, das aus dem eigenen Ausstellungslokal der Gruppe hervorging.

Moderna Museet – vom Exerzierhaus zum europäischen Schwergewicht

Das Moderna Museet wurde am 9. Mai 1958 im alten Exerzierhaus auf Skeppsholmen eröffnet, nach jahrzehntelangen Diskussionen über ein schwedisches Museum für Kunst des 20. Jahrhunderts. Im selben Jahr schenkte der Verein für zeitgenössische Kunst 150 Werke skandinavischer Künstler. Der eigentliche Durchbruch kam 1963 mit der Kampagne „Das Museum unserer Wünsche“, als die Regierung fünf Millionen Kronen für den Ankauf von Werken unter anderem von Giacomo Balla, Francis Picabia, Kurt Schwitters und Giorgio de Chirico bereitstellte. Heute umfasst die Sammlung etwa 6.000 Gemälde, 25.000 Grafiken, 400 Kunstvideos und 100.000 Fotografien. Das Museum war stets eng mit den Künstlern selbst verbunden – Andy Warhol erhielt hier 1968 seine erste Einzelausstellung in einem europäischen Museum. Im Jahr 2026 zeigt das Museum unter anderem einen Überblick über die schwedische Nachkriegszeit aus der eigenen Sammlung.

Als die Moderne Kunst verboten wurde

Das Freiheitsprojekt der Moderne machte sie zu einer Bedrohung für autoritäre Regime. Am 19. Juli 1937 wurde in München die Ausstellung Entartete Kunst eröffnet, in der etwa 650 bis 740 Werke unter anderem von Kirchner, Nolde, Kandinsky, Klee und Chagall mit höhnischen Texten versehen wurden, um den Verfall der Kunst zu beweisen. Die Ausstellung war eine der meistbesuchten der Geschichte, doch ihr Zweck war die Verurteilung. Parallel dazu beschlagnahmte das Regime etwa 16.000 Werke aus deutschen Museumssammlungen. Teile wurden im Ausland gegen Devisen verkauft, andere verbrannt.

Die Kampagne hatte drei nachhaltige Folgen. Erstens wurde eine ganze Generation von Künstlern ins Exil vertrieben, was den Aufstieg New Yorks beschleunigte. Zweitens verschwanden Werke, deren Provenienz von Museen und Restitutionsjuristen noch fast neunzig Jahre später untersucht wird. Drittens wurde die Moderne nach 1945 in der westlichen Welt als Kunst der Demokratie gefestigt – eine Position, die sie während des Kalten Krieges in ganz Europa und den USA zur staatlichen Kulturpolitik machte. Auch die Sowjetunion verbot ihre eigene Avantgardekunst ab Mitte der 1930er-Jahre praktisch zugunsten des sozialistischen Realismus, wodurch Konstruktivismus und Suprematismus zum Schweigen gebracht wurden.

Das Erbe der Moderne in der heutigen Bilderwelt

Die Experimente der Moderne haben Werbung, Film, Grafikdesign, Möbeldesign und die alltägliche visuelle Kultur weit stärker beeinflusst, als den meisten bewusst ist. Das von Walter Gropius 1919 in Weimar gegründete und 1933 vom Regime geschlossene Bauhaus formulierte jene Designlogik, die noch immer alles von Möbelkatalogen bis zu Benutzeroberflächen prägt: Funktion vor Ornament, serifenlose Schriften, geometrische Klarheit. Die Raster und Primärfarben von De Stijl lassen sich direkt bis ins moderne Webdesign verfolgen, und die Bildlogik des Surrealismus lebt in Werbefilmen und Musikvideos weiter.

Was den Markt betrifft, ist die Moderne die Epoche, die die höchsten Preise erzielt. Klimts Porträt von Elisabeth Lederer, das zwischen 1914 und 1916 gemalt und am 18. November 2025 bei Sotheby's für 236,4 Millionen Dollar verkauft wurde, ist das teuerste modernistische Werk, das jemals auf einer Auktion verkauft wurde, und das zweitteuerste Kunstwerk überhaupt. Dass gerade diese Epoche die Spitzenpreise dominiert, sagt etwas darüber aus, wie zentral sie für unsere Sicht auf Bilder geworden ist.

Für diejenigen, die Kunst für ihr Zuhause kaufen, bedeutet dieses Erbe vor allem zwei Dinge. Modernistische Motive sind gestalterisch robust, weil sie auf klaren Formen und Farbverhältnissen statt auf Detailreichtum beruhen, und sie sind historisch tief verankert, sodass sie nach einigen Jahren nicht veraltet wirken. Wir haben die gefragtesten Werke in der Kollektion mit Kunstwerken berühmter Künstler zusammengestellt.

Modernistische Motive in der Einrichtung

Modernistische Kunst wirkt an der Wand aus einem einfachen Grund besonders gut: Sie wurde dafür geschaffen, aus der Entfernung betrachtet zu werden. Eine kubistische Komposition oder ein Farbfeld von Rothko funktioniert vom drei Meter entfernten Sofa aus genauso gut wie aus der Nähe, während ein detailreiches Stillleben aus dem 17. Jahrhundert dazu einlädt, näher heranzutreten. Dadurch ist die Moderne eine gute Wahl für Räume, in denen man Kunst im Vorübergehen betrachtet.

Nach Farbtemperatur auswählen, nicht nach Epoche

Bewegungen zu mischen ist völlig in Ordnung – das haben die Künstler selbst getan. Entscheidend dafür, ob eine Wand als Einheit wirkt, ist die Farbtemperatur. Ein fauvistisches Motiv in warmem Orange und Grün, ein Matisse-Papierschnitt und eine warmgraue Abstraktion harmonieren hervorragend. Wenn du dieser Gruppe eine kühlblaue konstruktivistische Komposition hinzufügst, wird die Einheit gestört. Orientiere dich an zwei oder drei wiederkehrenden Farbtönen und lass die Formensprache innerhalb dieses Rahmens frei variieren. Mit unseren abstrakten Postern und grafischen Postern lässt sich eine solche Gruppe leicht zusammenstellen.

Format und Rahmen für modernistische Motive

Geometrische und abstrakte Motive vertragen größere Formate besser als figurative. Eine kubistische oder suprematistische Komposition in 70×100 cm erhält die ruhige Fläche, die sie braucht, während dasselbe Bild in 30×40 cm oft unruhig wirkt. Die Rahmenwahl sollte zurückhaltend sein: schmaler schwarzer Rahmen oder helle Eiche, bei papierbasierten Motiven am besten mit Passepartout. Ein schwerer Goldrahmen verleiht dem Bild einen Museumscharakter und wirkt dem modernen Ausdruck entgegen. Schau dir gern minimalistische Poster an, wenn du ein kraftvolles modernistisches Bild mit etwas Ruhigem daneben ausbalancieren möchtest.

Tipp: Wenn du ein ausdrucksstarkes modernistisches Bild allein an eine Wand hängst, versuche, es fünf bis zehn Zentimeter unterhalb der üblichen Augenhöhe von 145 cm zu platzieren. Modernistische Kompositionen haben oft ihren Schwerpunkt in der oberen Hälfte, und eine etwas niedrigere Platzierung lässt das Bild verankert statt schwebend wirken. Diese Regel gilt besonders über einem Sofa oder einer Kommode, wo der Abstand zur Möbeloberkante etwa 20–25 cm betragen sollte.

Zeitleiste der Moderne

1863 – Der Salon des Refusés wird in Paris auf Anordnung Napoleons III. eröffnet. Manets Frühstück im Grünen sorgt für einen Skandal.
1874 – Die erste eigene Ausstellung der Impressionisten beim Fotografen Nadar in Paris.
1905 – Die Fauvist*innen stellen im Salon d'Automne aus; die Gruppe Die Brücke wird in Dresden gegründet.
1907 – Picasso malt Les Demoiselles d'Avignon. Der Kubismus beginnt.
1909 – Marinetti veröffentlicht am 20. Februar in Le Figaro das futuristische Manifest.
1913 – Die Armory Show in New York zeigt 1.090 Werke von 306 Künstlern vor rund 300.000 Amerikanern.
1915 – Malewitsch stellt Schwarzes Quadrat in Petrograd aus und begründet den Suprematismus.
1916 – Der Dadaismus entsteht im Cabaret Voltaire in Zürich. Sigrid Hjertén malt Atelierinterieur.
1919 – Walter Gropius gründet das Bauhaus in Weimar.
1924 – André Breton veröffentlicht in Paris das surrealistische Manifest.
1929 – Das Museum of Modern Art eröffnet am 7. November in New York. Die Halmstadgruppe wird in Schweden gegründet.
1937 – Die Ausstellung Entartete Kunst eröffnet am 19. Juli in München; rund 16.000 Werke werden aus deutschen Sammlungen beschlagnahmt.
1940–1945 – Europäische Künstler fliehen in die USA. Der abstrakte Expressionismus entsteht in New York.
1958 – Das Moderna Museet eröffnet am 9. Mai auf Skeppsholmen in Stockholm.
1963 – Museum unserer Wünsche; der schwedische Staat stellt fünf Millionen Kronen für den Ankauf modernistischer Werke bereit.

Verwandte Strömungen und Künstler

Modernismus ist ein Sammelbegriff, und jede Strömung darunter hat ihre eigene Geschichte. Beginnen Sie mit dem Impressionismus, der den Grundstein legte, und gehen Sie weiter zum Postimpressionismus, in dem Cézanne den Kubismus vorbereitete. Für den geometrischen Zweig gibt es De Stijl und Bauhaus, und für die Schlussphase den abstrakten Expressionismus. Zu den Randfiguren der Moderne gehört auch der Naivismus, der autodidaktische Künstler wie Henri Rousseau in die Kunstgeschichte aufnahm und zu einer wichtigen Inspirationsquelle für die Avantgarde in Paris wurde. Einen Überblick über die gesamte Kunstgeschichte finden Sie in unserem Leitfaden zu den Epochen und Strömungen der Kunst.

Wenn du tiefer in einzelne Künstler und ihre Rolle in dieser Epoche eintauchen möchtest, haben wir unter anderem über Sonia Delaunay und den Orphismus, über Brâncuși und die moderne Skulptur, über die Göteborgskoloristerna und über die Forschung dahinter, warum abstrakte Kunst persönlich wird geschrieben. Alle unsere Informationsseiten über Künstler und Kunstrichtungen sind in der Wissensdatenbank gesammelt.

Häufige Fragen zur Moderne

Der Modernismus ist die Epoche, die uns lehrte, dass ein Bild nichts darstellen muss, um etwas zu bedeuten – und diese Erkenntnis bildet noch immer die Grundlage für fast alle Kunstwerke, die wir an unsere Wände hängen. Entdecke die gesamte Auswahl in unseren abstrakten Postern oder lies in der Wissensdatenbank mehr über die einzelnen Strömungen.

Quellen und weiterführende Informationen: Wikipedia über Modernismus, Moderna Museet in Stockholm und Encyclopædia Britannica über Modernismus.