Paul Klee – Bauhaus, die Musik der Farben und der Spaziergang der Linie
Paul Klee ist der Künstler, der die Farbe zur Musik und die Linie zu einem lebendigen Wesen machte. Über vier Jahrzehnte entwickelte er eine Bildsprache, die weder ganz abstrakt noch ganz gegenständlich ist, sondern sich im Grenzbereich dazwischen bewegt: Fische, die in einer schwarzen Nacht schwimmen, aus Farbfeldern gebildete Gesichter, Pfeile, die auf etwas Unsichtbares zeigen. Seine Kunst ist zugleich verspielt und tief durchdacht, und genau diese Verbindung hat seine Motive zu einigen der gefragtesten gemacht, wenn man nach Postern und Bildern mit Wärme und intellektuellem Gewicht sucht.
Klee hinterließ etwa 9.600 katalogisierte Werke – Gemälde, Aquarelle, Zeichnungen und Druckgrafiken –, was ihn zu einem der produktivsten Künstler des 20. Jahrhunderts macht. Er lehrte zehn Jahre lang am Bauhaus, verfasste eines der wichtigsten Lehrbücher der Moderne über die Form, wurde von den Nationalsozialisten als entartet diffamiert und malte seine stärksten Bilder, während eine unheilbare Krankheit ihm langsam die Beweglichkeit seiner Hände nahm. Diese Seite gibt einen Überblick über sein Leben, seine Hauptwerke, seine Farbenlehre, die Verbindung zu Schweden über das Moderna Museet und darüber, wie die Motive in einer schwedischen Wohnung wirken.
Inhalt
↓ Wer war Paul Klee?
↓ Das Leben – von Bern nach Locarno
↓ Paul Klees berühmteste Werke
↓ Technik, Farbenlehre und der Spaziergang der Linie
↓ Der Bauhaus-Lehrer und Theoretiker
↓ Verfolgung, Erbe und Nachwirkung
↓ Paul Klee in Schweden und den nordischen Ländern
↓ Paul Klee zu Hause – praktischer Leitfaden
↓ Zeitleiste
↓ Verwandte Künstler und Bewegungen
↓ Häufige Fragen zu Paul Klee
Wer war Paul Klee?
Paul Klee (1879–1940) war ein schweizerisch-deutscher Maler, Grafiker und Kunsttheoretiker, dessen Werk zu den eigenwilligsten der Moderne gehört. Er wurde in München ausgebildet, war während seiner wichtigsten Jahre in Deutschland tätig und beendete sein Leben im Exil in der Schweiz. Kunsthistorisch lässt er sich nicht einem einzigen Fach zuordnen: Durch die Gruppe Der Blaue Reiter war er am Durchbruch des Expressionismus beteiligt, wurde von den Surrealisten gefeiert, lehrte am Bauhaus gemeinsam mit Konstruktivisten und gilt heute als eine der frühen Hauptfiguren der abstrakten Kunst, ohne die erkennbare Figur jemals vollständig aufgegeben zu haben.
Was seine äußerst vielfältige Produktion verbindet, ist eher eine Methode als ein Stil. Klee arbeitete in Versuchsreihen, in denen jedes Bild eine Hypothese prüfte: Was geschieht, wenn die Linie selbst bestimmt? Was geschieht, wenn die Farbe ohne Konturen in Raster gelegt wird? Was geschieht, wenn Buchstaben zu Bildelementen werden? Das Werkverzeichnis, das er ab 1911 selbst führte, umfasst etwa 9.600 Arbeiten, die Jahr für Jahr sorgfältig nummeriert wurden, und bildet bis heute die Grundlage der gesamten Klee-Forschung. Kein anderer Modernist hat einen derart systematisch dokumentierten Arbeitsprozess hinterlassen.
Schnellinfo: Geboren am 18. Dezember 1879 in Münchenbuchsee bei Bern, Schweiz. Gestorben am 29. Juni 1940 in Muralto bei Locarno im Alter von 60 Jahren. Werkverzeichnis: etwa 9 600 katalogisierte Arbeiten. Lehrer am Bauhaus 1921–1931, zunächst in Weimar, ab 1926 in Dessau. Professor an der Kunstakademie Düsseldorf ab Herbst 1931, entlassen am 21. April 1933. Produktivstes Jahr: 1939 mit 1 254 registrierten Werken. Auktionsrekord: Tänzerin (1932), 6 791 965 US-Dollar bei Christie's in London 2011. Größte Sammlung der Welt: Zentrum Paul Klee in Bern, eröffnet 2005, mit etwa 40 Prozent seines gesamten Bildwerks.
Das Leben – von Bern nach Locarno
Das Musikerkind, das den Pinsel wählte
Klee wurde am 18. Dezember 1879 in Münchenbuchsee, kurz außerhalb von Bern, geboren. Sein Vater Hans Klee war deutscher Musiklehrer, seine Mutter Ida Schweizer Sängerin, und der Sohn wuchs mit der Geige in der Hand auf. Er war so begabt, dass ihm im Alter von elf Jahren eine Stelle als zusätzlicher Musiker im Berner Stadtorchester angeboten wurde. Die Musik blieb zeitlebens seine zweite Sprache – jeden Morgen spielte er Bach und Mozart, bevor er an die Staffelei trat, und beschrieb seine Gemälde selbst mit musikalischen Begriffen wie Polyphonie, Rhythmus und Tonart.
Trotz seines musikalischen Talents entschied er sich für die bildende Kunst und zog 1898 nach München, wo er an der Privatschule von Heinrich Knirr und anschließend in der Klasse von Franz von Stuck an der Kunstakademie studierte. Die Jahre nach dem Studium waren karg. Teilweise bestritt er seinen Lebensunterhalt mit Grafik, unternahm 1901–1902 eine prägende Reise nach Italien und heiratete 1906 die Pianistin Lily Stumpf, die durch ihren Unterricht lange Zeit den Familienunterhalt sicherte. Der Sohn Felix wurde 1907 geboren, und mehrere Jahre führte Klee den Haushalt, während seine Frau arbeitete.
Der Durchbruch und die Tunesienreise 1914
Der Wendepunkt kam im April 1914. Zusammen mit seinen Freunden August Macke und Louis Moilliet reiste Klee für zwei Wochen nach Tunesien. Das Licht, die kalkweißen Häuser und die satten Erdfarben in Kairouan und Hammamet brachten etwas in ihm zum Lösen. In seinem Tagebuch notierte er am 16. April: Die Farbe hatte von ihm Besitz ergriffen, er musste sie nicht länger suchen, sie und er waren eins. Von der Tunesienreise brachte er rund vierzig Aquarelle mit nach Hause, in denen sich Hausfassaden und Gärten bereits in durchscheinende Farbfelder aufzulösen begannen – seine ersten wirklich persönlichen Bilder.
Die Krankheit und die letzten Jahre
1935 erkrankte Klee an Sklerodermie, einer Autoimmunerkrankung des Bindegewebes, die die Haut allmählich verhärtet und das Schlucken, Atmen und die Feinmotorik erschwert. Die Produktion sank 1936 drastisch; in diesem Jahr registrierte er nur 25 Werke. Danach geschah etwas Ungewöhnliches in der Kunstgeschichte: Statt zu verstummen, veränderte er seine gesamte Formensprache. Die Pinselstriche wurden breit und schwarz, das Format größer, die Motive auf Zeichen reduziert. 1939 schuf er 1 254 Werke – mehr als in jedem anderen Jahr seines Lebens. Er starb am 29. Juni 1940 in einer Klinik in Muralto bei Locarno, während sein Antrag auf die Schweizer Staatsbürgerschaft noch unbearbeitet war.
Paul Klees bekannteste Werke
Senecio (1922)
Ein rundes Gesicht aus unregelmäßigen Farbfeldern in Ocker, Ziegelrot und Sandbeige, mit zwei unterschiedlich großen Augen und einem schmalen Strich als Mund. Senecio – benannt nach der Gattung der Kreuzkräuter – gehört zum Kunstmuseum Basel und ist vermutlich Klees meistvervielfältigtes Bild. Das Werk zeigt seine Grundidee in konzentrierter Form: ein erkennbares Motiv, zusammengesetzt aus rein geometrischen Farbelementen, wobei der Gesichtsausdruck eher durch kleine Abweichungen im Raster als durch Zeichnung entsteht. Das Motiv eignet sich ungewöhnlich gut als Poster, da Komposition und Farbskala auch in kleinem Format wirkungsvoll sind.
Die Zwitscher-Maschine (1922)
Vier Vögel an einer Kurbel, aufgehängt über einer blau-grauen Leere. Die Zwitscher-Maschine ist ein Aquarell und eine Ölpauszeichnung, das das Museum of Modern Art in New York 1939 erwarb – eines der ersten Klee-Werke, die in eine amerikanische Museumssammlung aufgenommen wurden. Oberflächlich ist das Bild ein Scherz über mechanischen Vogelgesang, enthält jedoch Klees wiederkehrende Sorge: die in eine Apparatur verwandelte Natur, der auf ein kurbelndes Geräusch reduzierte Gesang. Gerade diese Doppelheit zwischen kindlicher Freude und zugrunde liegendem Ernst ist typisch für ihn.
Ad Parnassum (1932)
Klees größtes Gemälde, 100 × 126 Zentimeter, und sein konsequentestes Experiment mit pointillistischer Technik. Tausende kleine Farbpunkte bauen einen Berg mit einem Tor und einer Sonne auf, inspiriert vom antiken Parnass, aber gemalt mit den Kenntnissen, die er sich während seiner Bauhaus-Jahre angeeignet hatte. Das Werk gehört dem Kunstmuseum Bern und gilt als Höhepunkt seiner sogenannten divisionistischen Periode. Der Titel spielt zudem auf Johann Joseph Fux’ musiktheoretisches Werk Gradus ad Parnassum von 1725 an – ein weiterer der musikalischen Fäden, die sich durch sein gesamtes Schaffen ziehen.
Angelus Novus (1920)
Eine kleine Ölpauszeichnung mit Aquarell, die einen Engel mit weit aufgerissenen Augen und ausgebreiteten Flügeln darstellt. Das Werk wurde 1921 von dem Philosophen Walter Benjamin gekauft, der es 1933 mit ins Exil nach Paris nahm und es zum Bild für seinen berühmten Gedanken vom Engel der Geschichte machte: eine Gestalt, die rückwärts in die Zukunft getrieben wird, während die Trümmer der Vergangenheit vor ihr wachsen. Nach Benjamins Tod gelangte das Blatt zu seinem Freund Gershom Scholem in Jerusalem und wurde 1987 dem Israel Museum geschenkt, wo es sich heute befindet. Nur wenige einzelne Kunstwerke des 20. Jahrhunderts haben eine derart umfassende philosophische Nachgeschichte erfahren.
„Kunst gibt nicht das Sichtbare wieder, sondern macht sichtbar.“ – Paul Klee, Schöpferische Konfession, 1920
Technik, Farblehre und der Spaziergang der Linie
Die Ölübertragung – eine eigene Erfindung
Um 1919 entwickelte Klee eine Technik, die er Ölfarbezeichnung, Ölübertragung, nannte. Ein Blatt Papier wurde mit schwarzer Ölfarbe präpariert und auf ein sauberes Blatt gelegt; darauf zeichnete er mit einer Nadel oder einem stumpfen Stift, wodurch die Farbe übertragen wurde und eine zitternde, teilweise unregelmäßige Linie entstand, die mit einem Bleistift nicht zu erzielen war. Anschließend wurde das Ergebnis mit Aquarellfarben koloriert. Sowohl Angelus Novus als auch Die Zwitscher-Maschine sind auf diese Weise entstanden. Die Methode gab ihm eine gezeichnete, aber dennoch halb seiner Kontrolle entzogene Linie – genau jenes Gleichgewicht zwischen Absicht und Zufall, das er anstrebte.
Das Farbfeld und das polyphone Bild
Nach der Tunisreise wurde das quadratische Farbfeld zu einem seiner wichtigsten Mittel. In Werken wie Ancient Sound von 1925 werden Quadrate in Ocker, Olivgrün, Rostrot und Schwarz ohne Konturen nebeneinandergesetzt, sodass das Bild seine Tiefe ausschließlich durch die Wechselbeziehungen der Farbvaleurs erhält. Klee nannte solche Kompositionen polyphon, ein Begriff aus der mehrstimmigen Musik: Jede Farbschicht ist eine eigenständige Stimme, und das Ganze entsteht in der Begegnung zwischen ihnen. Das erklärt unmittelbar, warum seine Gemälde so gut als grafische Motive funktionieren – die Struktur trägt das Bild auch ohne Erzählung.
Die Linie, die spazieren geht
Klees meistzitierte pädagogische Formulierung eröffnet sein Pädagogisches Skizzenbuch von 1925: eine aktive Linie, die sich frei bewegt, ein Spaziergang um des Spaziergangs willen. Der Satz ist zu einer Art Motto für die gesamte modernistische Zeichnung geworden. In der Praxis bedeutete dies, dass Klee die Linie die Form während des Zeichnens aufbauen ließ, anstatt eine vorgegebene Kontur abzuzeichnen. Diese Methode hatte enormen Einfluss auf die Surrealisten, die darin eine Vorläuferin ihres eigenen automatischen Zeichnens sahen, und später auf Künstler wie Joan Miró und Cy Twombly.
Der Bauhaus-Lehrer und Theoretiker
Zehn Jahre an der Schule in Weimar und Dessau
Walter Gropius rief Klee im Herbst 1920 ans Bauhaus in Weimar, wo er von Januar 1921 bis zum Frühjahr 1931 unterrichtete – zunächst in den Buchbinderei- und Glasmalereiwerkstätten, später in der Weberei und vor allem in der obligatorischen Formenlehre. Als die Schule 1926 nach Dessau umzog, ließ sich die Familie Klee in einem der von Gropius neu erbauten Meisterhäuser nieder, Wand an Wand mit Wassily Kandinsky und seiner Frau Nina. Die beiden Maler kannten einander seit der Zeit des Blauen Reiters in München und teilten die Auffassung, dass die bildende Kunst auf ebenso präzisen Gesetzen beruhe wie die Musik.
Pädagogisches Skizzenbuch und die Unterrichtsnotizen
1925 erschien Pädagogisches Skizzenbuch als Nummer zwei in der Reihe Bauhausbücher. Das kleine Buch behandelt Punkt, Linie, Fläche und Bewegung anhand von Diagrammen, die wie eigenständige Kunstwerke aussehen, und gehört bis heute zur Standardlektüre in Grundkursen zu Form und Komposition. Dahinter steht ein weitaus umfangreicheres Material: Klees erhaltene Unterrichtsnotizen umfassen fast 4.000 handgeschriebene Seiten und bilden die ausführlichste theoretische Grundlage, die ein modernistischer Maler hinterlassen hat. Die Bedeutung der Schule für die gesamte Tradition der grafischen Gestaltung wird auf der Seite über Bauhaus näher behandelt.
Verfolgung, Vermächtnis und Nachwirkung
Als die Nationalsozialisten an die Macht kamen, war Klee unmittelbar betroffen. Am 21. April 1933 wurde er von seiner Professur an der Kunstakademie in Düsseldorf entlassen, nachdem sein Atelier durchsucht und seine Kunst als entartet gebrandmarkt worden war. Im Dezember desselben Jahres verließ die Familie Deutschland und kehrte nach Bern zurück. Mehr als hundert seiner Werke wurden aus deutschen öffentlichen Sammlungen beschlagnahmt, und 1937 wurden einige davon in der Propagandaausstellung Entartete Kunst in München gezeigt – derselben Ausstellung, in der Marc Chagall, Max Ernst und Otto Dix an den Pranger gestellt wurden.
Paradoxerweise wurde diese Zeit zu seiner einflussreichsten. Amerikanische Maler der Nachkriegszeit studierten ihn eingehend, und seine Experimente mit Zeichen und Schrift finden sich bei Künstlern weit über Europa hinaus wieder. Heute wird der größte Teil seines Nachlasses vom Zentrum Paul Klee in Bern verwaltet, einem von Renzo Piano entworfenen Gebäude, das 2005 eröffnet wurde und rund 4.000 Werke sowie mehrere Tausend Archivalien aus dem Nachlass des Künstlers beherbergt. Das Museum feierte 2025 sein zwanzigjähriges Bestehen. 2025 und 2026 war das Interesse auch international spürbar: Das Jewish Museum in New York zeigt bis zum 26. Juli 2026 Paul Klee: Other Possible Worlds mit rund 100 Werken, und das Museo Thyssen-Bornemisza in Madrid stellte Klee gemeinsam mit Pablo Picasso aus der Sammlung Heinz Berggruen von Oktober 2025 bis Februar 2026 aus.
Paul Klee in Schweden und im Norden
Schweden hat eine längere Klee-Tradition, als viele wissen. Bereits 1961 zeigte das Moderna Museet in Stockholm eine große Einzelausstellung mit Gemälden, Zeichnungen und grafischen Blättern – eine der frühen internationalen Initiativen, die den Ruf des Museums während der Jahre von Pontus Hultén begründeten. Seitdem ist die Sammlung durch Schenkungen gewachsen: Sieben Arbeiten stammen aus der Sammlung von Carl Gemzell, und 2014 schenkte Peggy Bonnier dem Museum zwei weitere Werke.
Im Jahr 2016 zeigte das Moderna Museet die Ausstellung Klee/Aguéli, die Klees Aquarelle aus Tunesien den ägyptischen und nordafrikanischen Bildern des schwedischen Malers Ivan Aguéli gegenüberstellte. Im Vorfeld der Ausstellung wurden die Klee-Werke auf Papier des Museums vollständig konserviert und erhielten neue Montierungen und Rahmen, die nach den ursprünglichen Präsentationsprinzipien des Künstlers gestaltet waren – Klee achtete ungewöhnlich genau darauf, wie seine Blätter montiert wurden, und signierte häufig die Montierung selbst, nicht das Blatt. Das Moderna Museet Malmö präsentierte später unter dem Titel Paul Klee, Possessed by Color eine Auswahl aus der Sammlung, und die Malmö Konsthall zeigte seine Grafiken mehrfach. Die Verbindung zur nordischen Bildtradition ist indirekt, aber real: Das Interesse am Gezeichneten, Kleinteiligen und Poetischen findet sich in vielem wieder, was auf der Seite über nordische Kunst beschrieben wird.
Paul Klee zu Hause – praktischer Guide
Klees Motive gehören aus zwei Gründen zu den dankbarsten, mit denen man leben kann. Der erste ist das Format: Er arbeitete fast immer in kleinem Format, oft kleiner als 40 × 50 Zentimeter, weshalb Reproduktionen in Postergröße nahe am Maßstab der Originale liegen und nicht an Wirkung verlieren. Der zweite ist die Farbskala. Die gedämpften Ocker-, Ziegelrot- und Graublau-Töne seiner Rasterkompositionen liegen der Palette, die in der schwedischen Einrichtung dominiert – weiß gestrichenes Holz, Leinen, unbehandelte Eiche –, sehr nahe und stehen daher nur selten im Konflikt mit der Möblierung.
Die Motive teilen sich grob in drei Gruppen, die unterschiedlich wirken. Die Rasterkompositionen in Erdtönen wie Senecio und Ancient Sound eignen sich für Schlafzimmer und Essbereich, wo Ruhe und Struktur gefragt sind. Die linienbasierten Werke aus den 1920er-Jahren mit dünnen, nadelgeschriebenen Figuren auf hellem Grund wirken luftig und lassen sich gut gemeinsam mit grafischen Motiven und Fotokunst aufhängen. Die späten, grob gezeichneten Bilder von 1938–1940 mit breiten schwarzen Strichen vor kräftigen Farbflächen wirken als allein aufgehängte Bilder kraftvoll und vertragen große Formate. Wenn du eine Wand mit mehreren Klee-inspirierten Drucken gestalten möchtest, lohnt es sich, jeweils innerhalb einer der Gruppen auszuwählen – mischt man dünne Nadelschrift mit dicken schwarzen Zeichen, geraten die Motive miteinander in Konflikt. Unser Guide für Bilderwände erklärt Schritt für Schritt, wie du eine solche Gruppierung aufbaust.
Tipp: Klee montierte fast alle seine Papierarbeiten selbst mit einem breiten, hellen Kartonrand und einem sehr schmalen Rahmen. Folgen Sie seinem Prinzip: Wählen Sie einen dünnen Rahmen aus Schwarz, Eiche oder Messing und lassen Sie ein großzügiges Passepartout, gern 6–8 Zentimeter. Der helle Rand wirkt wie eine Pause zwischen den gesättigten Farben des Motivs und der Wandfarbe des Raumes und sorgt dafür, dass auch ein kleiner Druck auf einer großen Fläche geschlossen wirkt. Lesen Sie mehr in unserem Leitfaden zum Einrahmen von Kunst.
Beim Thema Licht sind Klee-Motive unkompliziert. Da die Kompositionen nur selten auf scharfen Schwarz-Weiß-Kontrasten beruhen, funktionieren sie sowohl bei Nordausrichtung als auch bei Abendbeleuchtung, unter der kontrastreichere grafische Poster hart wirken können. Ein praktischer Tipp: Hängen Sie ein von Klee inspiriertes Bild dort auf, wo man eine Weile ruhig verweilt – am Esstisch oder neben einem Lesesessel –, denn der Detailreichtum belohnt langes Betrachten. In einem Raum mit viel Textil und Holz darf man die Farbstärke erhöhen und mit farbenfrohen Motiven kombinieren; in einem streng eingerichteten Raum genügt ein einziges Bild.
Zeitleiste
1879 – Paul Klee wird am 18. Dezember in Münchenbuchsee bei Bern als Sohn eines deutschen Musiklehrers und einer Schweizer Sängerin geboren.
1898 – Zieht für ein Kunststudium nach München, zunächst zu Heinrich Knirr und ab 1900 in die Klasse von Franz von Stuck an der Kunstakademie.
1906 – Heiratet die Pianistin Lily Stumpf und lässt sich in München nieder. Im folgenden Jahr wird der Sohn Felix geboren.
1911–1912 – Trifft Kandinsky, Franz Marc und August Macke und nimmt an der zweiten Ausstellung des Blauen Reiters in München teil.
1914 – Die Tunesienreise im April gemeinsam mit Macke und Moilliet wird zu seinem entscheidenden Durchbruch in der Farbe.
1921 – Beginnt, am Bauhaus in Weimar zu unterrichten; zieht 1926 mit der Schule nach Dessau und wohnt neben Kandinsky.
1925 – Pädagogisches Skizzenbuch erscheint als Nummer zwei der Bauhausbücher und wird zur meistgelesenen Formenlehre der Moderne.
1931 – Verlässt das Bauhaus und übernimmt im Herbst eine Professur an der Kunstakademie in Düsseldorf.
1933 – Wird am 21. April vom neuen Regime entlassen und verlässt Deutschland im Dezember in Richtung Bern.
1935 – Erkrankt an Sklerodermie; im folgenden Jahr sinkt die Produktion auf 25 registrierte Werke.
1937 – Werke Klees werden in der Propagandaausstellung Entartete Kunst in München gezeigt, nachdem über hundert Arbeiten aus deutschen Sammlungen beschlagnahmt worden sind.
1939 – Schafft 1.254 Werke, mehr als in jedem anderen Jahr, in einer völlig neuen zeichnerischen Formensprache.
1940 – Stirbt am 29. Juni im Alter von 60 Jahren in Muralto bei Locarno.
2005 – Das Zentrum Paul Klee eröffnet in Bern in einem von Renzo Piano entworfenen Gebäude und versammelt rund 40 Prozent seines gesamten Schaffens.
Verwandte Künstler und Bewegungen
Klee steht im Mittelpunkt eines engmaschigen Beziehungsnetzes. Ihm am nächsten steht Wassily Kandinsky, mit dem er sowohl die Jahre beim Der Blaue Reiter als auch die Lehrtätigkeit am Bauhaus teilte, und durch ihn die gesamte Geschichte der frühen abstrakten Kunst. Seine frühen Werke gehören in den Kontext des Expressionismus, während seine Methode des automatischen Zeichnens für den Surrealismus und insbesondere für Joan Miró von entscheidender Bedeutung war. Die strenge geometrische Seite seines Schaffens weist Berührungspunkte mit De Stijl auf, obwohl Klee die Dogmatik des Neoplastizismus nie akzeptierte. Klee nahm im Februar 1912 an der zweiten Ausstellung von Der Blaue Reiter teil und steuerte zu dessen Almanach bei.
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Häufige Fragen zu Paul Klee
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