Porträtmalerei – die Geschichte des Genres, Meister und die Kunst des Porträts

Porträtmalerei ist der Zweig der Kunst, der sich der Darstellung eines bestimmten Menschen widmet – seines Gesichts, seiner Haltung und seiner Stellung in der Welt. Keine andere Gattung hat die westliche Bildkunst so treu begleitet: von den mit Wachs gemalten Mumienporträts im ägyptischen Fayum aus dem 2. Jahrhundert n. Chr. über Jan van Eycks leuchtendes Ölporträt in Brügge von 1434 bis hin zu Anders Zorns Königsporträts und Frida Kahlos selbstprüfenden Gesichtern. Ein Porträt ist niemals nur ein Aussehen. Es ist ein Dokument darüber, wer sichtbar sein durfte, wie Macht aussah und was ein Gesicht vermeintlich erzählen konnte.

Dieser Leitfaden behandelt die gesamte Geschichte der Porträtmalerei, die Techniken, die sie ermöglichten, die Meister, die die Gattung erneuerten, und die besondere schwedische Tradition rund um die Staatliche Porträtsammlung auf Schloss Gripsholm – die älteste nationale Porträtgalerie der Welt mit knapp 5.300 Werken. Außerdem erhalten Sie konkrete Ratschläge dazu, wie Porträtkunst als Motiv an der Wand in einer modernen Wohnung wirkt, welche Formate ein Gesicht am besten zur Geltung bringen und warum das Porträt nach wie vor zu den gefragtesten Motivkategorien unter Kunstinteressierten gehört.

Inhalt
↓ Was ist Porträtmalerei?
↓ Die Geschichte des Porträts – vom Fayum bis zur Fotografie
↓ Meister und Schlüsselwerke der Porträtmalerei
↓ Technik, Komposition und Bildsprache
↓ Das Selbstporträt – der Künstler als Motiv
↓ Das Porträt in Schweden – Gripsholm, Roslin und Zorn
↓ Das moderne Porträt nach der Fotografie
↓ Porträtkunst an der Wand – praktischer Leitfaden
↓ Zeitleiste der Porträtmalerei
↓ Verwandte Künstler und Bewegungen
↓ Häufige Fragen zur Porträtmalerei

Was ist Porträtmalerei?

Porträtmalerei wird durch ihre Absicht definiert: Das Bild soll eine bestimmte, identifizierbare Person darstellen. Dadurch unterscheidet sich das Porträt von der Genremalerei, in der die Figuren anonyme Typen sind, und von der Historien- oder religiösen Malerei, in der die Gestalten eher Rollen der Erzählung als Individuen darstellen. Nach kunsthistorischer Konvention nimmt das Porträt in der akademischen Gattungshierarchie, die von der französischen Kunstakademie in den 1660er-Jahren formuliert wurde, unmittelbar nach der religiösen und historischen Malerei den höchsten Rang ein – höher als Landschaft und Stillleben, aber niedriger als die sogenannte Historienmalerei.

Die Funktion ist seit Jahrtausenden dieselbe. Das Porträt soll abbilden, erinnern und ehren. Vor dem Durchbruch der Fotografie im Jahr 1839 war die Malerei der einzige zuverlässige Weg, ein Gesicht über die Zeit hinweg zu bewahren, und wohlhabende Auftraggeber erwarteten, deutlich wiedererkannt zu werden – gern etwas verschönert. Diese Erwartung trieb eine technische Meisterschaft in der Darstellung von Haut, Stoff, Metall und Blick voran, wie sie nur wenige andere Gattungen erforderten.

Kurzinfos: Älteste bekannte porträtähnliche Darstellungen: mit Gips überzogene Schädel aus der Levante, etwa 9000–6000 v. Chr. · Älteste erhaltene Gruppe gemalter Porträts: etwa 1.000 Fayum-Porträts aus dem römischen Ägypten, 100–300 n. Chr. · Technischer Durchbruch: Jan van Eycks Ölgemälde, Brügge, 1434 · Älteste nationale Porträtgalerie der Welt: Staatliche Porträtsammlung, gegründet 1822, Schloss Gripsholm · Umfang der Sammlung: knapp 5.300 Werke · Teuerstes in der Neuzeit auf einer Auktion verkauftes Porträt: Picassos Femme à la montre, 139,4 Millionen Dollar, Sotheby's New York, November 2023 · Rembrandts Selbstporträts: etwa 40 Gemälde, 31 Radierungen und insgesamt rund 70 Werke.

Die vier Grundformate des Porträts

Die Gattung wird traditionell danach eingeteilt, wie viel vom Körper zu sehen ist. Das Kopfporträt zeigt nur Gesicht und Hals und konzentriert alle Informationen auf den Blick. Das Brustbild, die häufigste Form in der europäischen Malerei, reicht bis zu den Schultern oder zur Brust und bietet Raum für Kragen, Schmuck und Gewanddetails, die die gesellschaftliche Stellung signalisieren. Das Halbfigurenporträt reicht bis zur Taille und erlaubt die Darstellung der Hände - eines der schwierigsten und ausdrucksstärksten Elemente der Porträtmalerei. Das Ganzfigurenporträt, häufig in Lebensgröße, war im 17. und 18. Jahrhundert ein Statusmotiv, das Fürsten, dem Adel und hohen Amtsträgern vorbehalten war.

Gruppenporträt und Doppelporträt

Das Gruppenporträt entwickelte sich im 17. Jahrhundert am stärksten in der niederländischen Republik, wo bürgerliche Vereinigungen - Schützengilden, Chirurgenzünfte und Wohltätigkeitsvorstände - kollektive Bilder von sich selbst in Auftrag gaben. Rembrandts Nachtwache aus dem Jahr 1642, 363 × 437 Zentimeter groß und heute das meistbesuchte Werk des Rijksmuseums, ist das bekannteste dieser Werke. Das Doppelporträt, etwa van Eycks Arnolfini-Porträt, lädt das Bild dagegen mit der Beziehung zwischen zwei Personen und den sie umgebenden Gegenständen auf.

Die Geschichte des Porträts - vom Fayum bis zur Fotografie

Die Geschichte des Porträts beginnt lange vor der Malerei, wie wir sie kennen. Die ältesten Objekte, die gewöhnlich als Porträts gelten, sind mit modelliertem Gips bedeckte menschliche Schädel, die in der Levante gefunden und auf die Zeit zwischen 9000 und 6000 v. Chr. datiert wurden. Die Absicht bestand wahrscheinlich darin, die Gesichtszüge des Verstorbenen zu bewahren. Derselbe Impuls - ein Gesicht in der Welt zu bewahren - kehrt danach in jeder Epoche wieder.

Die Fayum-Porträts - die erhaltenen Gesichter der Antike

Die einzige größere erhaltene Sammlung von Gemälden aus der Tafelmalerei-Tradition der klassischen Antike sind die Fayum-Porträts aus dem römischen Ägypten. Etwa 1.000 solcher Porträts wurden gefunden, die meisten in der Oase Fayum, und sie werden ungefähr auf die Zeit von 50–300 n. Chr. datiert. Sie wurden in Enkaustik - mit heißem, mit Bienenwachs vermischtem Pigment - oder in Tempera auf dünnen Tafeln aus importiertem Lindenholz oder einheimischem Sykomorenholz gemalt und über dem Gesicht der mumifizierten Person befestigt. Mehrere von ihnen befinden sich heute im British Museum, darunter ein um 300–325 n. Chr. in Enkaustik ausgeführtes Frauenporträt aus Hawara. Was den Betrachter besonders beeindruckt, ist der Realismus: Es sind Individuen, keine Typen, die zurückblicken.

Mittelalter und frühe Renaissance

Im europäischen Mittelalter verschwand das individuelle Porträt nahezu vollständig. Das Bild diente der Kirche, und die dargestellte Person trat als Stifter in einer Ecke des Altarbildes auf, statt selbst das Motiv zu sein. Mit der späteren Phase der Gotik und der italienischen Frührenaissance kehrt das eigenständige Porträt zurück, zunächst im Profil nach dem Vorbild antiker Münzbilder, dann in Dreiviertelansicht, die dem Gesicht Volumen und dem Blick eine Richtung verleiht.

Van Eyck und die Revolution der Ölfarbe

Der entscheidende technische Sprung erfolgte in den Niederlanden. Jan van Eycks Porträt von Giovanni di Nicolao Arnolfini und seiner Frau, 1434 gemalt und heute mit der Inventarnummer NG186 in der National Gallery in London geführt, misst nur 82 × 60 Zentimeter, birgt jedoch eine Detailfülle, die keine frühere Technik ermöglicht hatte. Die lange Trocknungszeit der Ölfarbe erlaubte es van Eyck, durchscheinende Lasuren aufzubauen, sodass Messing, Pelz, Wolle und Glas jeweils ihren eigenen Oberflächencharakter erhielten. Über dem Spiegel steht die berühmte Signatur: Johannes de Eyck fuit hic. 1434 – Jan van Eyck war hier.

„Jan van Eyck war hier. 1434.“ – Die Signatur über dem Spiegel im Arnolfini-Porträt, National Gallery, London

Meister der Porträtmalerei und Schlüsselwerke

Einige Künstler haben geprägt, wie wir ein gemaltes Gesicht überhaupt betrachten. Sie kehren in jedem Überblick über die Kunstgeschichte wieder, nicht weil sie am produktivsten waren, sondern weil sie die Grenze dessen verschoben, was ein Porträt enthalten konnte.

Leonardo da Vinci und die Mona Lisa

Kein einzelnes Gemälde hat die Stellung des Porträts so geprägt wie Leonardo da Vincis Mona Lisa, begonnen um 1503. Der Louvre hatte 2024 etwa 8,7 Millionen Besucher, und schätzungsweise 20.000 Menschen pro Tag passieren den Saal, in dem das Gemälde hängt. Der Andrang wurde so groß, dass Präsident Emmanuel Macron 2025 Pläne für eine eigene Galerie für das Werk ankündigte. Leonardos Beitrag zur Gattung war technischer Natur: Sfumato, der kaum wahrnehmbare Übergang zwischen Licht und Schatten, verlieh dem Gesicht eine Beweglichkeit, durch die der Ausdruck je nach Standort des Betrachters zu wechseln scheint.

Rembrandt und die Psychologie

Rembrandt van Rijn verwandelte das Porträt von einer Darstellung in eine Charakterstudie. Mit Chiaroscuro - starken Kontrasten zwischen Licht und Dunkelheit - hob er das Gesicht vor einem unbestimmten Hintergrund hervor und ließ den Rest zurücktreten. Seine späten Porträts älterer Modelle, mit dicker und bewegter Farbe gemalt, gelten oft als psychologischer Höhepunkt des Genres. Rembrandt arbeitete im holländischen Goldenen Zeitalter, als ein kaufkräftiges Bürgertum erstmals in großem Umfang Porträts in Auftrag gab.

Vermeer und das stille Gesicht

Johannes Vermeers Mädchen mit dem Perlenohrring, um 1665 gemalt, ist streng genommen kein Auftragsbildnis, sondern eine sogenannte Tronie - eine Charakterstudie ohne namentlich benanntes Modell. Das Gemälde wurde dem Mauritshuis in Den Haag 1902 vermacht und ist seitdem zum Signaturwerk des Museums geworden, das oft als Mona Lisa des Nordens bezeichnet wird. Es zeigt, wie schmal die Grenze zwischen Porträt und Figurenstudie sein kann und wie viel ein einziger Lichtreflex in einem Auge tragen kann.

Klimt, Modigliani und das moderne Gesicht

Gustav Klimts letztes Porträt, Dame mit Fächer, stand auf der Staffelei, als er 1918 starb. Als es im Juni 2023 bei Sotheby's in London verkauft wurde, erzielte es 85,3 Millionen Pfund, entsprechend 108,4 Millionen Dollar - der höchste Preis, der für ein Kunstwerk auf einer Auktion in Europa bezahlt wurde. Amedeo Modigliani ging in die entgegengesetzte Richtung und reduzierte das Gesicht auf ein Oval, einen langen Hals und oft pupillenlose Augen - ein Porträt, das eine Person beschreibt, ohne ihr Aussehen zu beschreiben.

Technik, Komposition und Bildsprache

Die Entwicklung der Porträtmalerei ist in hohem Maße eine Materialgeschichte. Die Enkaustik verlieh den Fayum-Porträts ihre satte, beinahe fotografische Oberfläche, war jedoch schwierig zu handhaben. Tempera, bei der Pigmente in Eigelb gebunden werden, dominierte das mittelalterliche Italien und erzeugt eine trockene, matte Oberfläche mit kurzer Trocknungszeit, die zu kurzen Pinselstrichen zwingt. Die Ölfarbe, die sich in den Niederlanden in den 1420er-Jahren etablierte, veränderte alles: Sie trocknet langsam, kann in transparenten Schichten aufgetragen werden und ermöglicht weiche Übergänge.

Beleuchtung und Dreiviertelansicht

Die häufigste Porträtbeleuchtung in der europäischen Malerei kommt von oben links in einem Winkel von etwa 45 Grad. Dadurch entsteht ein Schattendreieck unter dem entfernteren Auge, und die Nase wird modelliert, ohne das Gesicht zu durchtrennen. Die Dreiviertelansicht – der Kopf leicht vom Betrachter abgewandt, während der Blick zurückkehrt – wurde im 16. Jahrhundert zum Standard, weil sie die klaren Konturen des Profils mit dem direkten Kontakt der Frontalansicht verbindet. Die gerade Frontalansicht war lange heiligen Gestalten und Regenten vorbehalten, gerade weil sie konfrontativ wirkt.

Attribute und die stille Symbolik

Ein historisches Porträt wird ebenso sehr durch das gelesen, was die Person umgibt. Ein Buch bedeutet Gelehrsamkeit, ein Hund Treue, eine abgeschnittene Blume Vergänglichkeit, eine Sanduhr die verrinnende Zeit. Im Arnolfini-Porträt fungieren der Hund, das Licht in der Krone und das runde Glas des Spiegels allesamt als Bedeutungsträger. Dieselbe Technik findet sich in der Stilllebenmalerei, in der die Gegenstände allein die Botschaft tragen.

Hände, Stoff und Haut

Die Hände sind der schwierigste Teil eines Porträts und das, was geschickte Maler von Meistern unterscheidet. Anders Zorn löste das Problem mit breiten, sicheren Pinselstrichen, wobei eine Hand mit fünf Strichen angedeutet werden konnte. Zorns begrenzte Palette – Bleiweiß, gelber Ocker, Zinnober und Beinschwarz oder Schwarz – ist heute als Zorn-Palette bekannt und wird noch immer im Porträtunterricht verwendet, gerade weil sie dazu zwingt, mit wenigen Farben glaubwürdige Hauttöne zu erzeugen.

Das Selbstporträt – der Künstler als Motiv

Das Selbstporträt ist der verletzlichste Zweig der Porträtgattung. Der Künstler ist zugleich Auftraggeber, Modell und Ausführender, und das Ergebnis fällt selten so schmeichelhaft aus wie bei einem Auftragsbild. Rembrandt machte das Selbstporträt zu einem Lebensprojekt: Insgesamt nähert sich die Zahl seiner Selbstbildnisse der Hundert, darunter mehr als vierzig Gemälde, einunddreißig Radierungen und eine Reihe von Zeichnungen. In chronologischer Reihenfolge betrachtet, bilden sie eine visuelle Autobiografie vom selbstbewussten Jugendlichen bis zum verarmten Greis.

Frida Kahlo trieb das Prinzip weiter. Von ihren etwa 143 bekannten Gemälden sind 55 Selbstporträts, die größtenteils während Krankheits- und Bettlägerigkeitsperioden entstanden. Vincent van Gogh malte in nur vier Jahren mehr als dreißig Selbstporträts, hauptsächlich weil er es sich nicht leisten konnte, Modelle zu bezahlen. Allen dreien gemeinsam ist, dass das Selbstporträt zu einer Möglichkeit der Untersuchung und nicht der Darstellung wird.

Der Spiegel als Voraussetzung

Das Selbstporträt im modernen Sinne wurde erst möglich, als im 15. Jahrhundert in Venedig hochwertige Planspiegel hergestellt wurden. Zuvor war die Spiegelfläche konvex und verzerrte das Bild – eine Einschränkung, die Parmigianino in seinem Selbstporträt im konvexen Spiegel von 1524 zum Motiv machte, in dem die Hand im Vordergrund größer und das Gesicht kleiner erscheint. Die Technik erklärt auch, warum ältere Selbstporträts so häufig eine Person zeigen, die leicht zur Seite blickt: Der Maler schaut in den Spiegel, nicht auf uns.

Das Porträt in Schweden – Gripsholm, Roslin und Zorn

Schweden verfügt über eine der stärksten institutionellen Porträttraditionen der Welt. Die Staatliche Porträtsammlung wurde im Sommer 1822 von Karl XIV. Johan auf Initiative unter anderem des geschichtsinteressierten Oberkämmerers Adolf Ludvig Stierneld gegründet und gilt als älteste nationale Porträtgalerie der Welt. Die Sammlung hat ihre Wurzeln in der Kunstsammlung Gustav Wasas, umfasst heute knapp 5.300 Werke und wird vom Nationalmuseum verwaltet. Sie wird im Schloss Gripsholm in Mariefred gezeigt, und die Sammlung wurde 2022 200 Jahre alt.

Alexander Roslin und der Glanz des 18. Jahrhunderts

Alexander Roslin, 1718 in Malmö geboren und ab 1752 in Paris tätig, wurde zu einem der gefragtesten Porträtmaler Europas. Sein bekanntestes Werk, Die Dame mit dem Schleier von 1768, zeigt seine Ehefrau Marie-Suzanne Giroust – selbst eine herausragende Pastellmalerin und Mitglied der französischen Kunstakademie. Das Gemälde war im Winter 2025/26 Teil der Porträtausstellung des Nationalmuseums, in der Werke aus der Staatlichen Porträtsammlung gemeinsam mit Gemälden und Skulpturen aus den übrigen Sammlungen des Museums gezeigt wurden.

Zorn und die schwedische Porträtschule

Anders Zorn war um die Jahrhundertwende 1900 einer der bestbezahlten Porträtmaler der Welt und porträtierte zu Lebzeiten unter anderem drei amerikanische Präsidenten sowie zwölf Angehörige von Königshäusern. Die Zornsammlungen in Mora verwalten sein Wohnhaus und Atelier. Neben Zorn zählen Ernst Josephson und Nils Dardel zu den schwedischen Künstlern, die dem Porträt eine deutlich persönliche Ausrichtung gaben – Josephson durch einen intensiven Blick und psychologische Spannung, Dardel durch stilisierte Eleganz.

Das moderne Porträt nach der Fotografie

Als Louis Daguerre 1839 der Öffentlichkeit die Daguerreotypie präsentierte, veränderten sich die Bedingungen für Porträts innerhalb eines Jahrzehnts. Die Fotografie war schneller, günstiger und genauer als die Malerei, und die Porträt-Daguerreotypie traf den breiten Auftragsmarkt hart. Viele professionelle Porträtmaler wechselten einfach den Beruf und eröffneten ein Fotostudio.

Das Ergebnis war nicht der Tod des Porträts, sondern seine Befreiung. Als die Ähnlichkeit nicht mehr die Aufgabe der Malerei war, konnten Farbe, Form und Gefühl die Oberhand gewinnen. Paul Cézanne baute Gesichter aus geometrischen Farbflächen auf, Pablo Picasso zerlegte sie in Facetten des Kubismus, und Egon Schiele verdrehte den Körper zu einem nervösen Linienspiel. Der Markt bestätigt, dass das Genre seine Stellung behauptet hat: Picassos Porträt Femme à la montre von 1932 wurde im November 2023 bei Sotheby's in New York für 139,4 Millionen Dollar verkauft und war damit das teuerste Kunstwerk des Jahres.

Das Porträt als grafische Ikone

In der Nachkriegszeit hielt das Porträt Einzug in die Massenkultur. Andy Warhol fertigte Siebdrucke von Marilyn Monroe in wiederholten Farbvarianten an und machte das Porträt zu einer Serie statt zu einem einzigartigen Original. Damit schloss die Pop-Art den Kreis: Das Gesicht wurde wieder zu einem Zeichen für Status, genau wie auf den Adelsporträts des 17. Jahrhunderts, nun jedoch durch den Bilderfluss der Medien statt durch den Geldbeutel des Auftraggebers.

Porträtkunst an der Wand – praktischer Leitfaden

Ein Porträt verhält sich anders als eine Landschaft oder ein grafisches Motiv in einem Raum. Der Blick schafft Präsenz und zieht Aufmerksamkeit auf sich, wodurch die Platzierung wichtiger ist als bei den meisten anderen Motiven. Die Aufhängehöhe sollte dem Museumsstandard folgen: Die Mitte des Motivs sollte sich etwa 145–150 Zentimeter über dem Boden befinden, was der Augenhöhe eines stehenden Erwachsenen entspricht. Hängt das Porträt über einem Sofa oder einer Kommode, sollten stattdessen etwa 20–25 Zentimeter zwischen der Oberkante des Möbelstücks und der Unterkante des Motivs liegen.

Porträts funktionieren selten am besten im meistfrequentierten Bereich eines Raumes. Ein Blick, der einem jedes Mal beim Vorbeigehen begegnet, kann aufdringlich wirken. Dafür kommt ein Porträt in einem Flur, in einem Treppenaufgang oder an einer kurzen Wand, die aus einiger Entfernung betrachtet wird, besonders gut zur Geltung, wo das Gesicht als fesselndes Motiv wirken kann. Ein Format um 50 × 70 Zentimeter ist für ein einzelnes Kopf- oder Brustporträt oft genau richtig, während Halbfiguren und Ganzfiguren von 70 × 100 Zentimetern oder größer profitieren.

Tipp: Wenn du mehrere Porträts zusammenhängst, sollten die Blickrichtungen nach innen zur Mitte der Gruppe weisen statt nach außen. Zwei Gesichter, die voneinander wegschauen, lassen die Anordnung auseinanderfallen, während zwei Gesichter, die sich leicht nach innen wenden, sie miteinander verbinden. Verwende für die gesamte Gruppe dasselbe Rahmenmaterial, auch wenn die Motive aus verschiedenen Epochen stammen; Der Rahmen, nicht das Motiv, schafft den Zusammenhang. Unser Sortiment an Rahmen ist in Eiche, Schwarz und Weiß erhältlich, sodass eine ganze Wand einheitlich gestaltet werden kann.

Rahmen, Passepartout und Glas

Klassische Porträts profitieren fast immer von einem Passepartout. Der weiße Rand wirkt als Pause zwischen Motiv und Rahmen und gibt dem Gesicht Raum, wodurch verhindert wird, dass das Bild beengt wirkt. Ein Rand von fünf bis sieben Zentimetern reicht für das Format 50 × 70. Für dunkle, kontrastreiche Porträts im Barockstil eignen sich schwarze oder dunkel gebeizte Eiche am besten, während helle Pastellporträts des 18. Jahrhunderts und nordische Motive mit unbehandelter Eiche harmonieren. Praktische Tipps zur Montage und Rahmenwahl findest du in unserem Guide zum Einrahmen von Kunst.

Porträts in einer Bildergruppe

Bei einer Gruppierung mehrerer Motive sollte in der Regel nur ein Porträt dominieren. Die übrigen Bilder dürfen gerne ruhiger sein – Landschaften, botanische Tafeln oder abstrakte Motive –, damit das Gesicht seine Rolle als Mittelpunkt der Gruppe behält. Die Prinzipien für Aufbau und Abstände erläutern wir in unserem Guide zur Bilderwand. Wenn du über den Untergrund nachdenkst, findest du einen Vergleich im Artikel über Poster oder Leinwand; wer die Motivwahl grundsätzlich durchdenken möchte, findet außerdem den Guide zur richtigen Kunst für das Zuhause.

Zeitleiste der Porträtmalerei

Um 9000–6000 v. Chr. — Modellierte Schädel in der Levante, die frühesten Darstellungen, die üblicherweise als Porträts gelten.

50–300 n. Chr. — Die Fayum-Porträts werden im römischen Ägypten gemalt. Etwa 1.000 Exemplare sind erhalten, mehrere davon im British Museum.

1434 — Jan van Eyck vollendet das Arnolfini-Porträt in Brügge. Die Möglichkeiten der Ölmalerei setzen sich durch.

Um 1503–1519 — Leonardo da Vinci arbeitet an der Mona Lisa und entwickelt das Sfumato.

1524 — Parmigianino malt sein Selbstporträt in einem konvexen Spiegel und macht die Verzerrung des Spiegels zum Motiv.

1642 — Rembrandt vollendet Die Nachtwache, das berühmteste Werk der Gruppenporträtmalerei.

Um 1665 — Vermeer malt Das Mädchen mit dem Perlenohrring, das 1902 dem Mauritshuis vermacht wird.

1768 — Alexander Roslin malt Die Dame mit dem Schleier in Paris.

1822 — Karl XIV. Johan gründet die Staatliche Porträtsammlung auf Schloss Gripsholm.

1839 — Die Daguerreotypie wird vorgestellt. Die Porträtfotografie verändert den Kunstmarkt grundlegend.

1917–1918 — Klimt arbeitet an Dame mit Fächer, die bei seinem Tod auf seiner Staffelei stehen bleibt.

1962 — Andy Warhol beginnt seine Serie von Siebdrucken der Marilyn Monroe.

2023 — Klimts Dame mit Fächer wird in London für 85,3 Millionen Pfund verkauft; Picassos Femme à la montre in New York für 139,4 Millionen Dollar.

Verwandte Künstler und Strömungen

Das Porträt durchquert im Grunde jede Epoche der Kunstgeschichte, und das Genre lässt sich am besten gemeinsam mit den Strömungen verstehen, die es geprägt haben. Die italienische Renaissance gab dem Porträt seine moderne Form, der Barock sein dramatisches Licht und der Impressionismus seinen gelösten Pinselstrich. Wer das Genre bis ins 20. Jahrhundert verfolgen möchte, findet im Expressionismus und in der Moderne die natürlichen nächsten Schritte.

Wenn du unsere gesamte Bibliothek mit vertiefenden Beiträgen über Künstler, Epochen und Gattungen sehen möchtest, findest du sie gesammelt in der Wissensdatenbank. Einen kürzeren Überblick über die Epochen der Kunst in chronologischer Reihenfolge findest du in unserem Leitfaden zur Kunstgeschichte. Wer die nordische Tradition bevorzugt, kann über nordische Kunst und Vilhelm Hammershøi weiterlesen.

Häufige Fragen zur Porträtmalerei

Wenn du ein Porträt oder ein klassisches Kunstmotiv an deiner eigenen Wand aufhängen möchtest, findest du unsere Interpretationen der berühmtesten Werke der Kunstgeschichte unter den bekannten Künstlern und in der Kollektion klassische Kunst. Wer die nordische Linie sucht, findet unter schwedische Kunst eine große Auswahl, wobei Zorn, Larsson und Josephson zu den Motiven gehören, die am häufigsten wiederkehren.