Postimpressionismen – konstriktningens historia, Van Gogh, Cézanne, Seurat och kännetecken

Der Postimpressionismus ist die Kunstbewegung, die die moderne Kunst zwischen etwa 1886 und 1905 von den Lichtstudien des Impressionismus in das Zeitalter des persönlichen Ausdrucks führte. Der Name fasst eine Handvoll französischer Meister zusammen – Paul Cézanne, Vincent van Gogh, Paul Gauguin und Georges Seurat –, die jeweils die Pinselstriche und Farben des Impressionismus in eine ganz eigene Richtung weiterentwickelten. Keiner von ihnen bildete eine formelle Gruppe mit einem gemeinsamen Manifest, und dennoch zählen sie heute zu den einflussreichsten Namen der gesamten Kunstgeschichte. Ihre Werke gehören zu den weltweit am häufigsten reproduzierten Motiven, und ein Poster oder Kunstdruck mit Van Goghs Sternenhimmel oder Cézannes Stillleben gehört noch immer zu den ersten Dingen, an die viele denken, wenn das Wort Kunst fällt.

Diese Informationsseite beleuchtet die Geschichte, Techniken und bedeutendsten Künstler des Postimpressionismus ausführlich. Sie erfahren, warum der britische Kritiker Roger Fry den Begriff prägte, worin sich Pointillismus und Synthetismus unterscheiden, welche Bedeutung die Bewegung für Kubismus und Expressionismus hatte und wie die Werke des Postimpressionismus in Schweden aufgenommen wurden. Die Seite schließt mit einer Zeitleiste, einem praktischen Leitfaden dazu, wie Sie die Atmosphäre in die eigene Einrichtung übertragen können, sowie Antworten auf die häufigsten Fragen zu dieser Epoche.

Inhalt
↓ Was ist der Postimpressionismus?
↓ Historischer Hintergrund – der Bruch mit dem Impressionismus
↓ Die bedeutendsten Künstler und Werke der Bewegung
↓ Technik, Stil und künstlerische Handschrift
↓ Kultureller Einfluss und Vermächtnis
↓ Motive und Themen
↓ Der Postimpressionismus in Schweden
↓ Der Postimpressionismus in der Inneneinrichtung
↓ Zeitleiste
↓ Verwandte Bewegungen und Künstler
↓ Häufige Fragen

Was ist der Postimpressionismus?

Der Postimpressionismus ist ein Sammelbegriff für jene Generation französischer Maler, die im Anschluss an den Impressionismus arbeiteten, sich jedoch bewusst von dessen Idealen entfernten. Während die Impressionisten einen flüchtigen Augenblick von Licht und Atmosphäre einfangen wollten, suchten die Postimpressionisten nach etwas Beständigerem: Struktur, Symbolik und persönlichem Ausdruck. Die meisten Kunsthistoriker datieren die Bewegung von der Mitte der 1880er-Jahre bis etwa 1905; die Ausstellung der letzten Impressionistengruppe im Jahr 1886 gilt dabei als üblicher Ausgangspunkt.

Was die Künstler paradoxerweise verbindet, ist, dass sie so unterschiedlich sind. Cézanne baute Landschaften aus kleinen, konstruktiven Pinselstrichen auf; Van Gogh ließ die Farbe Gefühl und Bewegung tragen; Gauguin suchte das Symbolische und Traumhafte; Seurat teilte das Licht in Tausende von Punkten auf. Gemeinsam ist ihnen die Überzeugung, dass ein Kunstwerk nicht nur die äußere Wirklichkeit abbilden, sondern die innere Erfahrung des Künstlers von ihr gestalten soll.

Von Postimpressionismus als einer einheitlichen Bewegung zu sprechen, ist daher eine nachträgliche Konstruktion. Die Künstler wussten in unterschiedlichem Maß voneinander – Van Gogh und Gauguin lebten im Herbst 1888 eine Zeit lang gemeinsam in Arles –, doch sie unterzeichneten nie ein gemeinsames Programm und stellten nur selten als Gruppe aus. Es ist die Nachwelt, allen voran Roger Fry, die sie unter einem gemeinsamen Dach versammelt hat. Dieser Mangel an gemeinsamer Doktrin ist zugleich die Stärke der Bewegung: Sie umfasst alles von Seurats nahezu wissenschaftlicher Präzision bis zu Van Goghs glühender Subjektivität, und gerade deshalb wurde der Postimpressionismus zu einer so vielfältigen Quelle für die nachfolgende Kunst.

Schnellinfo: Aktiv etwa 1886–1905, hauptsächlich in Frankreich. Der Name wurde von dem Kritiker Roger Fry im Vorfeld der Ausstellung „Manet and the Post-Impressionists“ in den Grafton Galleries in London vom 8. November 1910–15. Januar 1911 geprägt. Zentrale Künstler: Paul Cézanne (1839–1906), Vincent van Gogh (1853–1890), Paul Gauguin (1848–1903), Georges Seurat (1859–1891), Paul Signac, Henri de Toulouse-Lautrec und Émile Bernard. Wichtige Techniken: Pointillismus, Synthetismus und Cloisonnismus. Cézannes „Die Kartenspieler“ wurde 2011 von Katar für etwa 250 Millionen Dollar gekauft. Das Musée d'Orsay in Paris beherbergt die weltweit größte Sammlung impressionistischer und postimpressionistischer Kunst.

Historischer Hintergrund – der Bruch mit dem Impressionismus

Um den Postimpressionismus zu verstehen, muss man verstehen, worauf er eine Antwort war. In den 1870er-Jahren hatten die Impressionisten die Malerei revolutioniert, indem sie ins Freie gingen und das Licht so malten, wie es dem Auge tatsächlich erschien, mit schnellen Pinselstrichen und reinen Farben. Mitte der 1880er-Jahre waren mehrere jüngere Künstler der Ansicht, dass diese Methode an ihre Grenzen gelangt war. Den Augenblick einzufangen reichte nicht mehr; sie wollten etwas Dauerhafteres und Persönlicheres ausdrücken.

Die letzte gemeinsame Impressionistenausstellung fand 1886 statt. Im selben Jahr zeigte Georges Seurat seine monumentale Leinwand „Ein Sonntagnachmittag auf der Île de la Grande Jatte“, ein Werk, das mit seinen Tausenden von Farbpunkten in reinen Farben den Beginn einer neuen Ära markierte. Im folgenden Jahrzehnt entwickelten Cézanne, Van Gogh und Gauguin jeweils eine eigene Bildsprache, oft voneinander isoliert, aber mit dem gemeinsamen Anspruch, die Kunst zum Träger von Idee und Gefühl zu machen.

Der Begriff „Postimpressionismus“ selbst ist jünger als die Kunst, die er beschreibt. Geprägt wurde er von dem englischen Maler und Kritiker Roger Fry, als er 1910 die Ausstellung „Manet and the Post-Impressionists“ in den Grafton Galleries in London zusammenstellte. Für das britische Publikum war es das erste Mal, dass Gemälde von Van Gogh, Cézanne, Gauguin und Seurat in größerem Umfang gezeigt wurden, und die Reaktionen waren zunächst empört. Fry stellte die jüngeren Franzosen Édouard Manet als eine Art Markenzeichen zur Seite und gab damit einer ganzen Epoche nachträglich ihren Namen.

Die bedeutendsten Künstler und Werke der Bewegung

Der Postimpressionismus hat keine einzelne Leitfigur. Stattdessen wird er von vier eigenständigen Künstlerpersönlichkeiten getragen, die zusammen beinahe alles abdecken, was die moderne Kunst später erkunden sollte. Im Folgenden finden Sie die wichtigsten Namen und ihre bekanntesten Werke.

Vincent van Gogh – Farbe als Gefühl

Der niederländische Maler Vincent van Gogh (1853–1890) verwandelte in seinen letzten Jahren Farbe und Pinselstrich in einen unmittelbaren Ausdruck seiner Stimmung. Werke wie „Sternennacht“ (1889) und die Serie mit Sonnenblumen wurden mit dicken, wirbelnden Strichen gemalt, in denen jeder Pinselstrich lebendig zu sein scheint. Obwohl er zu Lebzeiten fast keine Gemälde verkaufte, zählen seine Bilder heute zu den teuersten der Welt: „Orchard with Cypresses“ (1888) wurde am 9. November 2022 bei Christie's in New York für 117.180.000 Dollar verkauft. Nur wenige Künstler haben einen so großen Einfluss darauf ausgeübt, wie die Nachwelt die malerische Ausdruckskraft betrachtet.

Paul Cézanne – der Sucher nach Struktur

Der Franzose Paul Cézanne (1839–1906) wird oft als Vater der modernen Kunst bezeichnet. Er baute seine Landschaften, Stillleben und Figuren aus kleinen, flachen Pinselstrichen auf, die Beobachtung und Geometrie verbanden, und kehrte immer wieder zum Berg Montagne Sainte-Victoire in der Provence zurück. Seine Serie „Die Kartenspieler“ aus den 1890er-Jahren wurde auch auf dem Auktionsmarkt historisch: Eine der Versionen wurde 2011 von der Königsfamilie von Katar für rund 250 Millionen Dollar gekauft, damals der höchste Preis, der je für ein Kunstwerk gezahlt worden war. Cézannes Art, die Natur in Facetten zu vereinfachen, wies direkt auf den Kubismus voraus.

Georges Seurat und Paul Gauguin – die Punkte und der Traum

Georges Seurat (1859–1891) entwickelte den Pointillismus, die Technik, ein ganzes Bild aus kleinen Punkten reiner Farbe aufzubauen, die das Auge aus der Entfernung mischt. Sein Hauptwerk „Ein Sonntagnachmittag auf der Île de la Grande Jatte“ (1884–1886) hängt heute im Art Institute of Chicago und zählt zu den berühmtesten Gemälden des 19. Jahrhunderts. Paul Gauguin (1848–1903) schlug einen ganz anderen Weg ein und verließ die beobachtete Wirklichkeit zugunsten des Reichs der Fantasie und Symbolik. Mit seinen Reisen in die Bretagne und nach Tahiti sowie seiner flächigen, farbenfrohen Bildsprache wurde er zu einem Wegbereiter des Primitivismus und der Symbolik. Auch Henri de Toulouse-Lautrec wird mit seinen lithografischen Plakaten aus dem Pariser Nachtleben zu diesem Kreis gezählt.

Um diese Hauptgestalten herum gab es ein weiteres, breiteres Umfeld. Paul Signac systematisierte Seurats Pointillismus und wurde zu dessen wichtigstem Theoretiker, während Émile Bernard gemeinsam mit Gauguin im bretonischen Dorf Pont-Aven den Cloisonnismus entwickelte. Der autodidaktische Henri Rousseau malte am Rand der Bewegung seine traumhaften Dschungelszenen und wurde zu einem Vorbild für die Naive Malerei. Allen gemeinsam war, dass sie die Errungenschaften des Impressionismus als gegeben hinnahmen, sich jedoch weigerten, dort stehen zu bleiben – sie behandelten die Leinwand als eine Fläche mit eigenen Gesetzmäßigkeiten und nicht als ein Fenster zur Wirklichkeit.

„Statt zu versuchen, das wiederzugeben, was ich vor mir sehe, verwende ich die Farbe freier, um mich selbst mit Nachdruck auszudrücken.“ – Vincent van Gogh, in einem Brief an seinen Bruder Theo

Technik, Stil und künstlerische Handschrift

Wenn sich der Impressionismus in einer einzigen Methode zusammenfassen lässt, erfordert der Postimpressionismus mehrere. Die Künstler der Bewegung entwickelten jeweils eine eigene technische Lösung für dasselbe Grundproblem: Wie überträgt man nicht nur das Licht, sondern auch die Idee und das Gefühl auf die Oberfläche der Leinwand? Hier sind die drei wichtigsten Ansätze.

Pointillismus und Divisionismus

Seurat und Paul Signac entwickelten eine nahezu wissenschaftliche Methode: Statt die Farbe auf der Palette zu mischen, setzte man reine Punkte unvermischter Farbtöne nebeneinander, sodass das Auge sie aus der Entfernung zu hellen, vibrierenden Flächen verschmolz. Die Methode beruhte auf der zeitgenössischen Farbtheorie und wird Pointillismus oder Divisionismus genannt. Sie erforderte Geduld – eine einzige große Leinwand konnte Jahre bis zur Fertigstellung benötigen –, lieferte jedoch ein schimmerndes Ergebnis, das keine frühere Technik erreichen konnte. Eine eigene Vertiefung zu Seurat, Signac und der Wissenschaft hinter den Farbpunkten findet sich auf unserer Seite über Pointillismus und Neoimpressionismus.

Synthetismus und Cloisonnismus

Gauguin und Émile Bernard schlugen die entgegengesetzte Richtung ein. Sie vereinfachten die Motive zu großen, flachen Farbfeldern, die von dunklen Konturen umgeben waren – eine Technik, deren Bezeichnung Cloisonnismus von den Metallstegen der Emailkunst entlehnt ist. Ihr Ziel war der Synthetismus: das, was der Künstler sieht, mit dem zu verbinden, was er fühlt und denkt, anstatt die Natur getreu wiederzugeben. Das Ergebnis war dekorativ, symbolisch und oft traumhaft, mit Farben, die wegen ihrer Ausdruckskraft und nicht wegen ihrer Naturtreue gewählt wurden.

Cézannes konstruktive Pinselstriche

Cézanne entwickelte einen dritten Weg. Er setzte die Farbe in kleinen, gerichteten Strichen auf, die die Form wie eine Art Mauerwerk aufbauten, und reduzierte die Gegenstände der Natur auf Grundformen – Zylinder, Kugel und Kegel. Diese analytische Haltung zum Aufbau des Bildes machte ihn zum wichtigsten Bindeglied zwischen der Malerei des 19. Jahrhunderts und der Abstraktion des 20. Jahrhunderts. Ohne Cézanne ist der Kubismus kaum vorstellbar.

Trotz der technischen Unterschiede teilten die Künstler eine grundlegende Haltung. Alle drei Methoden - die pointillistische, die synthetistische und die konstruktive - gingen davon aus, dass der Maler das, was er sieht, aktiv interpretiert und ordnet, anstatt es passiv zu spiegeln. Die Farbe wurde eigenständig, der Pinselstrich sichtbar und die Komposition bewusst. Diese gemeinsame Befreiung von der naturgetreuen Darstellung ist der rote Faden, der eine ansonsten sehr vielseitige Bewegung zusammenhält, und sie erklärt, warum so unterschiedliche Temperamente unter ein und demselben Begriff zusammengefasst werden konnten.

Kultureller Einfluss und Erbe

Die wahre Bedeutung des Postimpressionismus liegt in dem, was er ermöglichte. In den gut zwei Jahrzehnten, in denen die Bewegung aktiv war, wurden die Grundlagen für fast die gesamte nachfolgende moderne Kunst gelegt. Cézannes Facettierung der Form führte weiter zum Kubismus von Picasso und Braque. Van Goghs emotionale Farbgebung und seine kräftigen Pinselstriche wurden zu einer direkten Inspirationsquelle für Henri Matisse und den Fauvismus ebenso wie für den deutschen Expressionismus. Gauguins Symbolik und flache Flächen wiesen sowohl auf den Symbolismus als auch auf eine frühe Moderne voraus.

Dass Roger Frys Londoner Ausstellung von 1910 empörte Reaktionen hervorrief, sagt etwas darüber aus, wie radikal diese Werke zu ihrer Zeit wahrgenommen wurden. Nur ein paar Jahrzehnte später waren dieselben Künstler Museumsklassiker. Heute beherbergt das Musée d'Orsay in Paris die weltweit größte Sammlung impressionistischer und postimpressionistischer Kunst, und die Neupräsentation von Van Goghs Werken im Museum zog 2024 innerhalb weniger Monate 793.556 Besucher an - ein Maß dafür, wie lebendig das Interesse bis heute ist. Die Motive des Postimpressionismus gehören zu den am häufigsten reproduzierten der Kunstgeschichte und schmücken alles von Postkarten bis hin zu großen Postern in modernen Wohnungen.

Das Erbe lässt sich auch in Zahlen messen. Van Goghs „Orchard with Cypresses“ erzielte 2022 117 Millionen Dollar, Cézannes „Die Kartenspieler“ 2011 etwa 250 Millionen Dollar, und Sammlungen auf der ganzen Welt wetteifern um die wenigen Werke, die auf den Markt gelangen. Die tiefste Bedeutung liegt jedoch nicht in den Preisen, sondern in den Ideen. Der Gedanke, dass ein Künstler Form und Farbe verzerren darf, um ein Gefühl auszudrücken, dass ein Bild flach und dekorativ sein darf, dass ein Motiv aus reinen Punkten oder geometrischen Blöcken aufgebaut werden darf - all das wurde gerade dank der Postimpressionisten zu Selbstverständlichkeiten der Kunst des 20. Jahrhunderts.

Motive und Themen des Postimpressionismus

Die Postimpressionisten malten im Grunde dieselben Arten von Motiven wie die Impressionisten - Landschaften, Stillleben, Porträts und Alltagsszenen -, verliehen ihnen jedoch eine neue Bedeutung. Cézannes wiederkehrende Berge, der Montagne Sainte-Victoire in der Provence, wurden zu einem Labor, in dem er untersuchte, wie sich ein Bergrücken eher aus Farbflächen als aus Linien aufbauen lässt. Van Goghs Zypressen, Olivenhaine und Sternenhimmel verwandelten sich in vibrierende, beinahe lebendige Formen. Gauguins tahitianische Frauen und bretonischen Bauern verkörperten eine Sehnsucht fort von der modernen Zivilisation hin zu etwas Ursprünglichem und Symbolischem.

Das Stillleben erhielt während dieser Epoche ein völlig neues Gewicht. War es zuvor ein Genre von geringerem Rang gewesen, machte Cézanne es zum Träger der anspruchsvollsten Fragen der Form – eine Schale Äpfel konnte ebenso viel künstlerisches Denken enthalten wie ein Historiengemälde. Auch das moderne Stadtleben wurde dargestellt: Seurats Parkszenerien und Toulouse-Lautrecs Kabaretts fingen das Paris des späten 19. Jahrhunderts ein. Diese Vielfalt der Motivwelt ist einer der Gründe, weshalb postimpressionistische Werke heute so gut als Kunstdrucke und Poster funktionieren – für jeden Raum und jeden Geschmack gibt es ein passendes Motiv.

Der Postimpressionismus in Schweden

Der französische Postimpressionismus erreichte Schweden mit einiger Verzögerung, gewann jedoch um die Jahrhundertwende 1900 an Bedeutung dafür, wie schwedische Künstler Farbe und Form betrachteten. Das Nationalmuseum in Stockholm besitzt heute eine begrenzte, aber bedeutende Auswahl impressionistischer und postimpressionistischer Kunst, und das Museum spielte eine zentrale Rolle dabei, die Epoche einem schwedischen Publikum vorzustellen. Als das Nationalmuseum 1946 eine große Van-Gogh-Ausstellung zeigte, erregte sie so viel Aufmerksamkeit, dass der Neffe des Künstlers deshalb nach Schweden reiste. Seitdem wurden französische Sammlungen der Jahrhundertwende regelmäßig in nordischen Museen gezeigt und zogen große Besucherzahlen an – ein Zeichen für das anhaltende schwedische Interesse an der Epoche.

Die schwedische Künstlergeneration um Ernst Josephson und die Opponenten hatten sich bereits in den 1880er-Jahren Paris und der französischen Freilichtmalerei zugewandt. Die Offenheit für Farbe und persönlichen Ausdruck, für die der Postimpressionismus stand, fand in der nordischen Kunst Widerhall. Wenn du die schwedische Entwicklung in ihren Zusammenhang einordnen möchtest, findest du auf unserer Seite über nordische Kunst und in unserem Überblick über den Impressionismus weitere Informationen. Der Impressionismus war die Bewegung, auf der die Postimpressionisten aufbauten und gegen die sie sich zugleich auflehnten.

Der Postimpressionismus in der Einrichtung

Nur wenige Epochen eignen sich so gut für die Wände zu Hause wie der Postimpressionismus. Die Motive sind warm, farbenfroh und auf Anhieb wiedererkennbar. Sie passen ebenso gut in einen klar und modern eingerichteten Raum wie in ein Zuhause mit eher klassischem Charakter. Van Goghs blaue und gelbe Farbtöne beleben ein Schlafzimmer, Cézannes gedämpfte Landschaften strahlen Ruhe in einem Wohnzimmer aus, und Seurats pointillistische Flächen werden in einer Küche oder einem Flur zum Gesprächsthema. Ein Kunstdruck mit einem postimpressionistischen Motiv bringt eine ganze kunsthistorische Epoche mit sich. Da die Bewegung so unterschiedliche Ausdrucksformen vereint – von Seurats kühler Punkttechnik bis zu Van Goghs glühenden Farbelwirbeln –, lässt sich leicht ein Motiv finden, das mit gerade deiner Einrichtung harmoniert, ganz gleich, ob du das Gedämpfte oder das Wagemutige bevorzugst.

Bei Bozetto findest du mehrere Zugänge zur Ästhetik dieser Epoche. Entdecke unsere Sammlung mit bekannten Künstlern für klassische Motive, Naturmotiven, die die Landschaftsmalerei des Postimpressionismus widerspiegeln, und Schwarz-Weiß-Drucken, wenn du einen reduzierteren Stil bevorzugst. Für eine schwedische Perspektive auf die Epoche eignet sich unsere schwedische Kunst besonders gut. Wenn du praktische Orientierung brauchst, haben wir Ratgeber zum Einrichten mit Postern, zum richtigen Einrahmen von Kunst und zum Gestalten einer Bilderwand.

Tipp: Die kräftigen Farben des Postimpressionismus kommen vor einem ruhigen Hintergrund am besten zur Geltung. Hänge einen farbenfrohen Van Gogh oder Gauguin an eine weiße oder sandfarbene Wand und wähle einen schlichten Eichenrahmen in einem Naturton, damit das Motiv für sich sprechen kann. Wenn du mehrere Drucke kombinieren möchtest – halte sie eher durch einen gemeinsamen Farbton oder eine gemeinsame Epoche als durch identische Rahmen zusammen.

Zeitstrahl – die wichtigsten Jahre des Postimpressionismus

Der Postimpressionismus umfasst knapp dreißig Jahre, doch nur wenige Epochen hatten einen derart konzentrierten Einfluss. Die folgende Chronologie zeigt die entscheidenden Eckpunkte, von den letzten Jahren des Impressionismus bis zu der Ausstellung, die der Bewegung ihren Namen gab.

1874 – Die erste Impressionistenausstellung findet in Paris statt und legt den Grundstein, gegen den die Postimpressionisten später rebellieren.
1886 – Die achte und letzte Impressionistenausstellung findet statt; Seurat zeigt „Ein Sonntagnachmittag auf der Île de la Grande Jatte“ und der Pointillismus wird geboren.
1888 – Van Gogh zieht nach Arles und malt Sonnenblumen und Obstgärten; Gauguin und Émile Bernard entwickeln in der Bretagne den Synthetismus.
1889 – Van Gogh malt „Sternennacht“ im Krankenhaus von Saint-Rémy.
1890 – Vincent van Gogh stirbt im Alter von 37 Jahren in Auvers-sur-Oise.
1891 – Georges Seurat stirbt im Alter von nur 31 Jahren; Gauguin reist zum ersten Mal nach Tahiti.
1895 – Cézanne erhält seine erste große Einzelausstellung beim Kunsthändler Ambroise Vollard in Paris.
1903 – Paul Gauguin stirbt auf den Marquesasinseln in Französisch-Polynesien.
1906 – Paul Cézanne stirbt in Aix-en-Provence; die darauf folgende Retrospektive von 1907 wird für die Kubisten entscheidend.
1910 – Roger Fry eröffnet in London „Manet and the Post-Impressionists“ und gibt der Epoche ihren Namen.

Verwandte Bewegungen und Künstler

Der Postimpressionismus steht mitten im Fluss der Kunstgeschichte und verbindet mehrere Epochen. Er ging aus dem Impressionismus hervor und wies seinerseits auf Kubismus, Fauvismus und Expressionismus voraus. Einer seiner wichtigsten Zweige war der Pointillismus und Neoimpressionismus rund um Seurat und Signac. Zugleich ist die Bewegung einer der ersten Schritte in jener Entwicklung, die wir im Leitfaden zum Modernismus nachzeichnen. Wenn du die Bewegung in einen größeren Zusammenhang einordnen möchtest, ist unser Überblick über die Epochen und Bewegungen der Kunstgeschichte ein guter Ausgangspunkt, und einen gebündelten Einstieg in all unsere Vertiefungen findest du in der Bozettos Wissensdatenbank. Neben den akademisch ausgebildeten Künstlern war auch der Autodidakt Henri Rousseau tätig, der bedeutendste Vertreter der Naiven Kunst.

Wer den Spuren des Postimpressionismus folgen möchte, sollte sich über die einzelnen Meister informieren: Vincent van Gogh, Paul Cézanne, Georges Seurat und Paul Gauguin. Darüber hinaus weist die Bewegung auf den Kubismus sowie auf Henri Matisse und den Fauvismus voraus. Mehr über die französischen Wurzeln der Epoche findet sich bei Wikipedia, in den Sammlungen des Musée d'Orsay und beim Art Institute of Chicago, das Seurats bekanntestes Werk zeigt.

Häufige Fragen zum Postimpressionismus

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