Die Präraffaeliten – die Geschichte der Kunstbewegung, Rossetti, Millais und die britische Traumkunst

Die Präraffaeliten zählen zu den faszinierendsten Kunstbewegungen des 19. Jahrhunderts – eine Gruppe junger britischer Maler, die sich 1848 gegen die akademischen Konventionen ihrer Zeit auflehnten und eine von leuchtenden Farben, botanischer Genauigkeit und literarischer Dramatik erfüllte Kunst schufen. Ihre Gemälde gehören heute zu den meistreproduzierten der Welt: die ertrinkende Ophelia im Schilf, die rothaarige Frau im weißen Kleid in einem Boot, Rittersagen und mittelalterliche Träume, die mit einer Detailfülle wiedergegeben sind, die nur wenige Bewegungen davor oder danach erreicht haben.

Der Name bedeutet wörtlich „vor Raffael“. Die sieben Gründer wandten sich von der polierten, formelhaften Kunst ab, die die Royal Academy pries, und wandten sich der italienischen Kunst vor der Hochrenaissance zu – der aufrichtigen Naturtreue und den klaren Farben des 15. Jahrhunderts. Das Ergebnis war eine der eigenwilligsten Bildwelten der europäischen Kunstgeschichte und eine Bewegung, deren Einfluss von den Textilien William Morris’ bis zu den Fantasy-Illustrationen der Gegenwart reicht. Diese Seite führt durch die Geschichte der Präraffaeliten, ihre wichtigsten Werke und die Technik hinter den Bildern, stellt die Frauen vor, die sowohl malten als auch Modell standen, und zeigt, wie präraffaelitische Kunst im schwedischen Zuhause eingesetzt werden kann.

Inhalt
↓ Was sind die Präraffaeliten?
↓ Die Geschichte hinter der Bruderschaft
↓ Die wichtigsten Werke
↓ Technik und künstlerische Signatur
↓ Die Frauen, Modelle und Künstlerinnen
↓ Die zweite Generation und das Erbe
↓ Die Präraffaeliten in Schweden und im Norden
↓ Präraffaelitische Kunst für zu Hause
↓ Zeitleiste
↓ Verwandte Kunstbewegungen
↓ Häufige Fragen

Was sind die Präraffaeliten?

Die Präraffaeliten oder die Präraffaelitische Bruderschaft (Pre-Raphaelite Brotherhood, abgekürzt PRB) waren eine Vereinigung von sieben britischen Künstlern und Schriftstellern, die 1848 in London gegründet wurde. Den Kern bildeten drei Malereistudenten der Royal Academy: Dante Gabriel Rossetti, John Everett Millais und William Holman Hunt. Ihnen schlossen sich William Michael Rossetti, James Collinson, Frederic George Stephens und der Bildhauer Thomas Woolner an. Die Bruderschaft wurde im Elternhaus von Millais in der Gower Street 83 in London offiziell gegründet.

Was sie verband, war ihre Unzufriedenheit mit der akademischen Kunst. Die Royal Academy bevorzugte einen idealisierten, dunkel lackierten Malstil, der auf Raffael und die italienische Hochrenaissance zurückging. Die Präraffaeliten wollten stattdessen zu der Frische und Aufrichtigkeit zurückkehren, die sie in der Kunst vor Raffael sahen – bei den italienischen Meistern des 15. Jahrhunderts und in der spätmittelalterlichen Bildtradition. Ihr Programm war dreifach: der britischen Kunst neues Leben einzuhauchen, sie ebenso kraftvoll wie die Werke der Frührenaissance zu machen und sowohl die Natur als auch echte Gefühle ohne akademische Beschönigung darzustellen.

Kurzinfos: 1848 in London gegründet. Sieben Mitglieder in der Bruderschaft. Gründer: Dante Gabriel Rossetti (20 Jahre alt), John Everett Millais (19 Jahre alt) und William Holman Hunt (21 Jahre alt). Sie signierten ihre ersten Werke bei der Ausstellung von 1849 mit den Initialen "PRB". Sie ließen sich von der italienischen Kunst vor Raffael (15. Jahrhundert) inspirieren. Der Kritiker John Ruskin wurde zum wichtigsten Fürsprecher der Bewegung. Das Ashmolean Museum in Oxford besitzt eine der bedeutendsten Sammlungen präraffaelitischer Kunst der Welt.

Die Geschichte hinter der Bruderschaft

Die Gründer waren auffallend jung, als sie im Herbst 1848 ihr Bündnis schlossen. Millais war erst 19 Jahre alt, Rossetti 20 und Holman Hunt 21 – eine Gruppe begabter Studenten, die mit jugendlichem Selbstvertrauen beschloss, die gesamte britische Kunst zu reformieren. Schon im folgenden Jahr, 1849, stellten die drei führenden Mitglieder ihre ersten bedeutenden Werke aus, alle mit den rätselhaften Buchstaben PRB nach der Signatur versehen. Zunächst wusste niemand außerhalb der Gruppe, wofür die Initialen standen, und als das Geheimnis gelüftet wurde, deutete man sie als Beleidigung einer 350 Jahre alten Maltradition.

Die Aufnahme war eisig. Die Kritiker nannten den Stil roh, plump und absichtlich hässlich, und Millais’ biblische Szene mit dem jungen Jesus in der Schreinerwerkstatt wurde von dem Schriftsteller Charles Dickens als abstoßend verurteilt. Der Wendepunkt kam, als der einflussreiche Kunstkritiker John Ruskin 1851 in Briefen an die Zeitung The Times für die Bewegung eintrat. Ruskins Autorität bewahrte die Bruderschaft davor, im Keim erstickt zu werden, und verschaffte den jungen Malern den nötigen Freiraum. Die Bruderschaft selbst blieb jedoch in ihrer ursprünglichen Form nicht lange bestehen – bereits Mitte der 1850er-Jahre gingen die Mitglieder getrennte Wege. Millais wurde schließlich in die Akademie aufgenommen, gegen die er einst rebelliert hatte, und wurde deren Präsident, während Rossetti sich in eine stärker verträumte, mittelalterlich inspirierte Richtung zurückzog, aus der die zweite Generation der Bewegung hervorgehen sollte.

Hinter dem Aufbegehren stand auch der Zeitgeist. Großbritannien durchlief in den 1840er-Jahren eine rasche Industrialisierung, und für die jungen Künstler erschienen die schmutzigen Fabriken und massenproduzierten Waren der modernen Welt als Verlust von Authentizität und Schönheit. Indem sie zu den Idealen des Mittelalters und der frühen Renaissance zurückkehrten, verliehen sie der Sehnsucht nach einer einfacheren, beseelteren Existenz Ausdruck. Die Bruderschaft gab sogar eine eigene Zeitschrift heraus, The Germ, die 1850 ihre Ideen über Kunst, Poesie und Natur einem kleinen, aber begeisterten Leserkreis vermittelte. Obwohl die Zeitschrift nur in vier Ausgaben erschien, zeigt sie, wie bewusst die jungen Künstler daran arbeiteten, ein vollständiges künstlerisches Programm zu formulieren und nicht nur einen neuen Malstil.

Die wichtigsten Werke

Die Bildwelt der Präraffaeliten ist sofort erkennbar: satte Farben, minutiös dargestellte Natur und Motive aus der Bibel, Shakespeare, den Legenden des Mittelalters und der zeitgenössischen Poesie. Einige Werke wurden so beliebt, dass sie heute als Reproduktionen in Haushalten auf der ganzen Welt hängen.

Ophelia von John Everett Millais

Millais’ Ophelia (1851–1852) ist vielleicht das bekannteste Werk der Bewegung und eine Ikone der britischen Kunst. Das Motiv stammt aus Shakespeares Hamlet: Die wahnsinnige Ophelia treibt singend ihrem Tod im Wasser entgegen, umgeben von Blumen mit sorgfältig ausgewählter symbolischer Bedeutung. Millais malte die üppige Vegetation vor Ort am Fluss Hogsmill in Surrey mit nahezu botanischer Genauigkeit. Heute hängt das Gemälde in der Tate Britain in London, wohin es als Teil von Sir Henry Tates Schenkung an die Nation gelangte. Das Werk ist eine vollendete Zusammenfassung all dessen, was die Präraffaeliten anstrebten: Naturtreue, literarische Dramatik und eine leuchtende Farbigkeit.

Die Dame von Shalott von John William Waterhouse

Obwohl John William Waterhouse Jahrzehnte nach der Auflösung der Bruderschaft malte, zählt sein The Lady of Shalott (1888) zu den Höhepunkten der präraffaelitischen Bildwelt. Das Motiv basiert auf Alfred Tennysons Gedicht von 1832 und zeigt die verfluchte Dame, die in einem Kahn auf Camelot und ihren Tod zutreibt. Waterhouse malte insgesamt drei Versionen der Gestalt – 1888, 1894 und 1915 – und die erste wurde 1894 von Sir Henry Tate der Öffentlichkeit geschenkt. Die rothaarige Frau im weißen Gewand knüpft bewusst an Millais Ophelia an und ist zu einem der meistreproduzierten Bilder des Genres geworden.

Das Licht der Welt von William Holman Hunt

William Holman Hunts The Light of the World (1853) ist eines der meistverbreiteten religiösen Bilder des 19. Jahrhunderts und zeigt Christus, der an eine überwucherte Tür ohne Klinke klopft – ein Sinnbild für die Seele, die von innen öffnen muss. Das Original hängt in der Seitenkapelle des Keble College in Oxford. Hunt malte später eine Version, die sich heute in der Manchester Art Gallery befindet, sowie rund fünfzig Jahre später eine dritte, die in der St.-Pauls-Kathedrale in London ausgestellt ist. Hunt war von den Gründern derjenige, der den ursprünglichen Idealen der Bruderschaft sein ganzes Leben lang am treuesten festhielt.

Rossettis Frauenporträts

Dante Gabriel Rossetti entwickelte einen eigenen, sinnlichen Bildtypus mit großartigen Frauengestalten aus Mythos und Poesie. Proserpine (1871), das die gefangene Unterweltsgöttin mit dem Granatapfel in der Hand zeigt, befindet sich im Ashmolean Museum in Oxford. Beata Beatrix (1864–1870), ein ergreifendes Erinnerungsbild seiner verstorbenen Ehefrau Elizabeth Siddal in der Gestalt von Dantes Beatrice, ist in der Tate Britain zu sehen. Rossettis Werke legten den Grundstein für die zweite Generation der Bewegung und ihre traumgesättigte, dekorative Ästhetik.

"Wenn sie so weitermachen, können sie in unserem England den Grundstein für eine Kunstschule legen, die edler ist als alles, was die Welt seit dreihundert Jahren gesehen hat." – John Ruskin, zur Verteidigung der Präraffaeliten in The Times, 1851

Technik und künstlerische Handschrift

Was ein präraffaelitisches Gemälde sofort erkennbar macht, ist die Verbindung aus wissenschaftlicher Genauigkeit und emotionaler Intensität. Die Künstler arbeiteten häufig im Freien, direkt vor der Natur, und stellten jedes Blatt, jede Blüte und jede Wasserspiegelung mit einer naturgetreuen Präzision dar, die radikal mit der zeitgenössischen Gewohnheit brach, stilisierte Landschaften im Atelier zu malen.

Farbe und Licht auf feuchtem weißem Grund

Um ihre charakteristische Leuchtkraft zu erreichen, entwickelten die Präraffaeliten eine besondere Technik: Sie malten dünne, durchscheinende Farbschichten auf einen feuchten, strahlend weißen Grund. Das Licht wurde dadurch durch die Farbe zurückreflektiert und verlieh den Bildern eine juwelenartige Intensität, die sie von der braunen, nachgedunkelten akademischen Kunst unterschied. Das Ergebnis waren Farben, die auch nach mehr als 170 Jahren noch ungewöhnlich frisch wirken.

Naturtreue bis ins kleinste Detail

Ruskins Aufforderung, der Künstler solle in die Natur gehen, „ohne etwas zu verwerfen und ohne etwas auszuwählen“, wurde zum Leitmotiv. Millais verbrachte Monate damit, die Vegetation in Ophelia zu malen, und Hunt reiste bis zum Toten Meer, um eine Landschaft mit korrekter Geografie darzustellen. Diese Besessenheit vom Wirklichen führt dazu, dass präraffaelitische Werke noch heute fast wie botanische Tafeln studiert werden können.

Symbolik und literarische Motive

Fast jedes Detail in einem präraffaelitischen Bild trägt Bedeutung. Die Blumen um Ophelia sind der viktorianischen Tradition der Blumensprache entnommen, in der Mohn Tod und Veilchen Treue bedeutet. Die Motive stammen aus Shakespeare, Dante, Tennyson, Keats und der Bibel, wodurch die Malerei zu einer Form visueller Literatur wurde. Ein präraffaelitisches Gemälde zu „lesen“ ist daher ebenso sehr ein erzählerisches wie ein visuelles Erlebnis.

Die Frauen, Modelle und Künstlerinnen

Keine Kunstbewegung ist so eng mit ihren weiblichen Gestalten verbunden wie die Präraffaeliten. Die rothaarigen, verträumten Frauen auf den Gemälden waren reale Personen, und mehrere von ihnen waren weit mehr als passive Modelle – sie waren Künstlerinnen und Dichterinnen aus eigenem Recht.

Elizabeth Siddal

Elizabeth Siddal wurde mit neunzehn Jahren in einem Hutgeschäft entdeckt und zum berühmtesten Modell der Bewegung. Sie stand Millais für Ophelia Modell und lag dabei stundenlang in einer Badewanne mit Wasser, das den Fluss darstellen sollte; die Wärmelampen erloschen, das Wasser wurde eiskalt und sie erkrankte schwer. Doch Siddal war auch Künstlerin. John Ruskin war von ihren Zeichnungen so beeindruckt, dass er ihr ein jährliches Stipendium von 150 Pfund anbot, und sie war die einzige Frau, die auf der präraffaelitischen Ausstellung von 1857 ausstellte. Im Jahr 1860 heiratete sie Dante Gabriel Rossetti.

Jane Morris und die späteren Musen

Die zweite Generation der Bewegung kreiste um Jane Morris, die Ehefrau von William Morris und Rossettis große Inspirationsquelle. Mit ihrem wallenden dunklen Haar und ihrer melancholischen Haltung prägte sie in unzähligen späteren Werken Rossettis das präraffaelitische Frauenideal. Die Frauen im Umfeld der Bruderschaft – Siddal, Jane Morris, Fanny Cornforth und andere – werden in den letzten Jahren zunehmend als eigenständige Akteurinnen und nicht nur als Modelle gewürdigt, was die Interpretation der Bewegung verändert hat.

Die zweite Generation und ihr Vermächtnis

Als sich die ursprüngliche Bruderschaft Mitte der 1850er-Jahre auflöste, entstand um Dante Gabriel Rossetti und zwei jüngere Bewunderer – Edward Burne-Jones und William Morris – eine zweite Welle des Präraffaelismus. Diese Generation verlagerte den Schwerpunkt von fotografischer Naturtreue hin zu einer dekorativeren, traumhaften und mittelalterlich-romantischen Ästhetik, die für die gesamte europäische Formkunst von enormer Bedeutung werden sollte.

Morris & Co und Arts and Crafts

1861 gründete William Morris zusammen mit Rossetti, Burne-Jones und mehreren anderen die Firma Morris, Marshall, Faulkner & Co, die 1875 in Morris & Company umorganisiert wurde. Die Werkstatt stellte Glasmalereien, Möbel, Textilien und Tapeten mit botanischen Motiven her und wurde zum eigentlichen Ausgangspunkt der Arts-and-Crafts-Bewegung. Indem die zweite Generation der Präraffaeliten das mittelalterliche Handwerk als Gegengewicht zur Massenproduktion des Industrialismus wiederbelebte, verwandelte sie einen Malstil in eine umfassende Lebenshaltung rund um Kunst, Handwerk und Inneneinrichtung.

Burne-Jones und der Symbolismus

Edward Burne-Jones entwickelte eine schwebende, zeitlose Bildwelt, bevölkert von Rittern, Göttinnen und Märchengestalten, die um die Jahrhundertwende eine Brücke zwischen dem Präraffaelismus und dem europäischen Symbolismus schlug. Seine großen, teppichartigen Leinwände mit blassen Figuren in märchenhaften Landschaften beeinflussten Künstler weit über Großbritannien hinaus und trugen dazu bei, dass die präraffaelitische Traumästhetik bis ins 20. Jahrhundert fortlebte.

Die Präraffaeliten in Schweden und im Norden

Lange waren die Präraffaeliten beim breiten schwedischen Publikum erstaunlich unbekannt, obwohl ihre traumgesättigte Ästhetik deutliche Berührungspunkte mit der nordischen Kunst der Jahrhundertwende und dem Symbolismus aufweist. Das änderte sich im Frühjahr 2009, als das Nationalmuseum in Stockholm am 26. Februar die große Ausstellung Die Präraffaeliten eröffnete. Zum ersten Mal widmete sich im Norden eine eigene Ausstellung der Bewegung; sie umfasste rund 220 Werke und wurde dank großzügiger Leihgaben führender britischer Museen ermöglicht.

Zehn Jahre später, im Herbst 2019, zeigte Prins Eugens Waldemarsudde in Stockholm eine Ausstellung über Edward Burne-Jones (1833–1898) – die erste monografische Ausstellung mit einem präraffaelitischen Künstler in Skandinavien. Dass gerade Waldemarsudde, gegründet vom malenden Prinzen Eugen, sich dieses Themas annahm, ist passend, da die nordische Nationalromantik und der Symbolismus die Liebe der Präraffaeliten zu Märchen, Natur und melancholischem Licht teilen. Für schwedische Betrachter ist es leicht, die Verwandtschaft zwischen Burne-Jones’ Ritterwelt und John Bauers verzaubertem Märchenwald zu erkennen. Wer sich vertiefen möchte, kann Bozettos Auswahl an schwedischer Kunst erkunden.

Präar​affaelitische Kunst im Zuhause

Wenige Kunstrichtungen eignen sich so gut für Reproduktionen wie die präraffaelitische Malerei. Die kräftigen Farben, die klaren Motive und der erzählerische Charakter sorgen dafür, dass ein Poster lange betrachtet werden kann und sich gut an einem Ort aufhängen lässt, an dem der Blick zur Ruhe kommen kann. Ein präraffaelitisches Bild passt besonders gut in Räume, die Ruhe und Zeit zum Nachdenken bieten, etwa ins Schlafzimmer, in die Leseecke oder in den Flur, wo es Besucher empfängt.

Die Motivwelt ist vielfältig: Die botanisch detailgetreuen Blumenmotive knüpfen an das heutige Interesse an Postern mit Blumenmotiven und Naturmotiven an, während die dramatischen Szenen und Frauenporträts zu unseren gefragtesten Werken von bekannten Künstlern gehören. Ein präraffaelitisches Bild mit seinen satten Grün- und Rottönen harmoniert wunderbar mit natürlichen Materialien wie Eiche, Leinen und Messing und passt ebenso gut in ein modernes wie in ein traditioneller eingerichtetes Zuhause.

Tipp: Präraffaelitische Motive enthalten oft sattes Grün und warme Rottöne. Wählen Sie einen schlichten Rahmen aus dunklem Holz oder mattem Schwarz, um die mittelalterliche Stimmung zu verstärken, und lassen Sie das Bild allein mit viel freiem Raum darum herum hängen, statt es dicht zu gruppieren – diese Bilder erzählen eine Geschichte und verdienen Raum zum Atmen. Lesen Sie mehr in unserem Guide zum Einrahmen von Kunst.

Zeitleiste

Die Geschichte des Präraffaelismus reicht von den Jahren des Aufbruchs 1848 bis zur späten Blüte der zweiten Generation um die Jahrhundertwende. Die folgende Chronologie zeigt die wichtigsten Meilensteine der Bewegung:

1848 – Die Präraffaelitische Bruderschaft wird in London von Rossetti, Millais, Hunt und vier weiteren Mitgliedern gegründet.
1849 – Die ersten Werke werden mit den geheimnisvollen Initialen „PRB“ ausgestellt.
1850 – Millais’ Gemälde mit dem jungen Jesus in der Schreinerwerkstatt wird von der Kritik, unter anderem von Charles Dickens, scharf verurteilt.
1851 – John Ruskin verteidigt die Bewegung in The Times und wendet die öffentliche Meinung.
1852 – Millais vollendet Ophelia mit Elizabeth Siddal als Modell.
1853 – Hunt malt The Light of the World; die Bruderschaft beginnt sich aufzulösen.
1857 – Siddal wird zur einzigen Frau, die auf der präraffaelitischen Ausstellung ausstellt.
1861 – William Morris gründet Morris, Marshall, Faulkner & Co, den Auftakt zu Arts and Crafts.
1871 – Rossetti malt Proserpine, eine der Ikonen der zweiten Generation.
1888 – Waterhouse malt die erste Version von The Lady of Shalott.
2009 – Das Nationalmuseum in Stockholm zeigt die erste eigene Ausstellung der Bewegung in den nordischen Ländern.

Verwandte Kunstrichtungen

Der Präraffaelitismus steht in engem Dialog mit mehreren anderen Epochen und Kunstrichtungen. Er entwickelte sich aus der und im Gegensatz zur Romantik und teilte ihre Liebe zur Natur und zum Gefühlvollen, während seine Naturtreue Berührungspunkte mit dem Realismus aufweist. Durch die traum- und mythenreiche Bildwelt der zweiten Generation weist die Bewegung auf den Symbolismus voraus, und über William Morris’ Möbel und Textilien ist sie eng mit William Morris und Arts and Crafts verbunden. Einen umfassenderen Überblick darüber, wie diese Bewegungen zueinander in Beziehung stehen, bietet unser Leitfaden zur Kunstgeschichte. Entdecken Sie weitere Künstler und Epochen in unserer gesammelten Wissensdatenbank.

Häufig gestellte Fragen zu den Präraffaeliten

Möchtest du die Farbintensität und die Freude am Erzählen der präraffaelitischen Bildwelt in dein Zuhause bringen? Entdecke unsere Auswahl an Werken von bekannten Künstlern und unsere Poster mit Blumenmotiven und lies gern weiter, wie du mit Postern dekorieren und eine Bilderwand gestalten kannst. Mehr zum Thema findest du bei der schwedischen Wikipedia, bei Tate, beim Nationalmuseum und bei Prins Eugens Waldemarsudde.