Sigrid Hjertén – schwedische Moderne, Expressionismus und Meisterin der Farbe

Sigrid Hjertén ist die kompromissloseste Koloristin der schwedischen Kunst. In einem dreißigjährigen Berufsleben verwandelte sie den Blick aus einem Fenster auf Södermalm in einen der ausdrucksstärksten Bildräume der nordischen Moderne – und verwendete dabei eine Farbpalette, für die die Kritiker ihrer Zeit keine Worte fanden. Heute hängen ihre Werke im Moderna Museet und im Nationalmuseum, ihre Gemälde erzielen bei Auktionen zweistellige Millionenbeträge, und ihre Motive sind in schwedischen Wohnräumen längst selbstverständlich – sowohl als Originale in Museumssälen als auch als Kunstdrucke an der Wand.

Dennoch ist die Geschichte Hjerténs ebenso sehr eine Geschichte des verspäteten Erfolgs. Sie war die einzige Frau in den Gruppen, die die Moderne in der schwedischen Malerei vorantrieben, stellte 106-mal aus und schrieb bereits in ihren Zwanzigern über Kunst in der Tagespresse. Doch zu Lebzeiten wurde sie oft als Anhängsel ihres Mannes Isaac Grünewald betrachtet, und als sie 1948 starb, hatte sie seit zwölf Jahren nicht mehr gemalt. Diese Seite zeichnet ihr Leben, ihre wichtigsten Werke und ihre technischen Kniffe nach, beleuchtet die medizinische Tragödie am Ende und zeigt, wie ihre Bildwelt heute in einem Wohnraum wirkt.

Inhalt
↓ Wer war Sigrid Hjertén?
↓ Von Sundsvall in Matisses Atelier
↓ Hjerténs wichtigste Werke
↓ Farbe, Perspektive und künstlerische Handschrift
↓ De Unga, De Åtta und die schwedische Avantgarde
↓ Die letzten Jahre und das Schweigen
↓ Nachwirkung, Museumssammlungen und Marktwert
↓ Sigrid Hjertén zu Hause – praktischer Leitfaden
↓ Zeitleiste
↓ Verwandte Künstler und Strömungen
↓ Häufig gestellte Fragen zu Sigrid Hjertén

Wer war Sigrid Hjertén?

Sigrid Maria Hjertén wurde am 27. Oktober 1885 in Sundsvall geboren und starb am 24. März 1948 in Stockholm. Sie war schwedische Malerin und ausgebildete Textilkünstlerin und eine der drei oder vier Personen, die um 1910 mehr als andere die kontinentale Farbmalerei in die schwedische Kunst einführten. Ihre Bilder zeichnen sich durch satte, ungebrochene Farbflächen aus, durch eine Perspektive, die sich zum Betrachter hin aufrichtet, und durch Figuren, die uns oft den Rücken zukehren, als wäre der Raum wichtiger als das Gesicht.

Kurzinfos: Geboren am 27. Oktober 1885 in Sundsvall, gestorben am 24. März 1948 in Stockholm. Ausbildung an der Höheren Kunstgewerbeschule in Stockholm, ursprünglich als Textilkünstlerin. Ab 1909 Schülerin von Henri Matisse in Paris. Von 1911 bis 1937 mit dem Maler Isaac Grünewald verheiratet; ihr Sohn Iván Grünewald wurde 1911 geboren. Beteiligung an 106 Ausstellungen während einer etwa dreißigjährigen Schaffenszeit. Einziges weibliches Mitglied der Künstlergruppen De Unga und De Åtta. Ihr Hauptwerk Ateljéinteriör wurde 1916 gemalt und gehört seit 1953 zur Sammlung des Moderna Museet. Auktionsrekord: Iván i fåtöljen (1915) wurde bei Bukowskis für 10,8 Millionen Kronen zugeschlagen.

Ihre kunsthistorische Einordnung ist zweischichtig. Hjertén bezog ihre Farbenlehre aus dem französischen Fauvismus und aus Matisses Unterricht, doch ihre Bildstimmung ging eher in deutsche Richtung – hin zur Unruhe des Expressionismus, zum Kantigen und psychologisch Aufgeladenen. Diese Spannung macht sie schwer einzuordnen und leicht wiederzuerkennen. Mehr über die französischen Grundlagen erfahren Sie auf unserer Seite über den Fauvismus und über den deutschen Gegenpol auf unserer Seite über den Expressionismus.

Von Sundsvall in Matisses Atelier

Kindheit und Textilkunst

Hjertén wuchs in einer großbürgerlichen Familie in Sundsvall auf; ihr Vater war stellvertretender Richter. Ihre Mutter starb, als Sigrid noch klein war, und in Biografien wird ihre Kindheit als materiell abgesichert, aber emotional schwierig beschrieben. Sie zog nach Stockholm und erhielt ihre Ausbildung an der Höheren Kunstgewerbeschule, wo sie ihren Abschluss als Zeichenlehrerin und Textilkünstlerin machte. Diese Ausbildung ist keine Fußnote: Sie erklärt, warum sie die Leinwand in ihrer Malerei stets als Fläche behandelt, die rhythmisch mit Mustern, Wiederholungen und flächigen Farbfeldern gefüllt werden soll, und nicht als Fenster in die Tiefe.

Bevor sie ins Ausland reiste, arbeitete sie beruflich im Textilbereich. Sie war also schon vor ihrer Zeit als Malerin eine unabhängige, professionell ausgebildete Frau – ein ungewöhnlicher Ausgangspunkt im schwedischen Kunstleben um 1908. Die Kunstgewerbeschule vermittelte eine Arbeitsweise, die auf Komposition innerhalb einer vorgegebenen Fläche beruhte: Eine Bordüre muss sich schließen, ein Rapport muss aufgehen, eine Farbe muss neben einer anderen bestehen, ohne zu verschmutzen. Wenn sie einige Jahre später einen zinnoberroten Sessel vor eine graublaue Stadtsilhouette stellt, ist es diese Ausbildung, die sich darin zeigt, nicht ein spontaner Einfall.

Paris 1909 und die Académie Matisse

1909, im Alter von vierundzwanzig Jahren, reiste Hjertén nach Paris, um bei Henri Matisse zu studieren. Die Académie Matisse hatte im Jahr zuvor eröffnet und wurde während ihrer kurzen Existenz zu einem Zentrum für nordische Maler. Dort begegnete sie Isaac Grünewald, der vier Jahre jünger war und bereits zu diesem Kreis gehörte. Sie heirateten 1911, im selben Jahr, in dem ihr Sohn Iván geboren wurde.

Matisses Unterricht vermittelte ihr zwei Dinge, die sie nie wieder losließ. Das erste war der Grundsatz, dass die Farbe die tragende Konstruktion des Bildes ist und keine nachträgliche Verzierung einer Zeichnung. Das zweite war die Erlaubnis zur Vereinfachung: einen Arm zu einem Bogen werden zu lassen, ein Gesicht zu einer Maske, einen Fußboden zu einer einzigen roten Fläche. Unsere Informationsseite über Henri Matisse geht ausführlich auf seine Methode ein.

Was die Schülerin von ihrem Lehrer unterscheidet, zeigt sich bereits bei ihrer Rückkehr 1911. Während Matisse nach Ausgewogenheit und einer fast musikalischen Ruhe sucht, füllt Hjertén ihre Räume mit Unbehagen. Die Farbe jubelt, doch die Komposition bedrängt.

Hjerténs wichtigste Werke

Atelierinterieur (1916)

Atelierinterieur ist Hjerténs bekanntestes Gemälde und wurde 1953 vom Moderna Museet erworben. Das Bild zeigt die Wohnung und das Atelier der Familie am Stadsgården auf Södermalm in Stockholm, mit dem Hafenblick als satte blaue Fläche hinter den Figuren. Im Raum befinden sich die Künstlerin selbst, Grünewald und mehrere Gäste aus dem Kunstleben. Keiner von ihnen scheint mit einem anderen zu sprechen.

Es ist ein Gruppenbild ohne Gemeinschaft. Die Perspektive ist so aufgeklappt, dass sich der Boden zum Betrachter hin erhebt, die Figuren sind gestreckt und verdreht, und der blaue Hafen dringt als eigenständige Präsenz durch das Fenster herein. Das Werk ist zugleich ein Zeitdokument des sozialen Umfelds der schwedischen Moderne und ein Selbstporträt einer Frau, die mitten darin sitzt, ohne wirklich dazuzugehören.

Das Bild ist auch eines der wenigen in der schwedischen Kunstgeschichte, das eine Künstlerin in ihrem eigenen Arbeitsraum zeigt, umgeben von Kollegen, mit einem Zaun aus Farbe zwischen ihr und ihnen. Dass das Moderna Museet bis 1953 wartete, um es zu erwerben – siebenunddreißig Jahre nach seiner Entstehung und fünf Jahre nach dem Tod der Künstlerin –, sagt viel darüber aus, wie langsam die institutionelle Neubewertung in Schweden vor sich ging.

Der rote Rollladen (1916)

Der rote Rollladen, ebenfalls von 1916 und im Besitz des Moderna Museet, gilt als mutmaßliches Selbstporträt. Unter dem Einfluss des deutschen Expressionismus macht Hjertén hier einen entscheidenden Schritt weg vom Ideal des akademischen, idealisierten und ruhenden Aktes. Der Körper ist kein Studienobjekt, sondern eine Gestalt unter Druck, und der rote Vorhang dahinter wirkt eher als Ausdruck einer Stimmung denn als Requisite.

Dieses Motiv ist zu einem der meist reproduzierten Werke der schwedischen Moderne geworden und wird unter anderem als Poster im Museumsshop des Moderna Museet verkauft – ein Zeichen dafür, wie gut sich die kompakte, flächige Farbgebung für den Druck eignet.

Ansicht von Slussen (1919)

Während der Kriegsjahre und in den Jahren unmittelbar danach stellte Hjertén immer wieder die Viertel rund um Slussen dar – zunächst vom frühen Atelier am Kornhamnstorg aus, später von der Wohnung am Katarinavägen. Die Ansicht von Slussen aus dem Jahr 1919 befindet sich in der Sammlung des Moderna Museet und zeigt das geschäftige Treiben am Stadsgårdskajen: Kräne, Segelschiffe, Bewegung.

Die Stockholm-Motive sind Hjerténs zugänglichste Seite. Es sind Stadtansichten, aber sie sind von oben und schräg gemalt, wobei die Stadt wie ein Muster aus farbigen Blöcken erscheint. Wer verstehen möchte, wie ganz anders zeitgenössische schwedische Maler mit nordischem Licht umgehen, findet den Vergleich mit unserer Seite über Anders Zorn aufschlussreich.

Iván im Sessel (1915)

Das Gemälde zeigt den vierjährigen Sohn des Paares, Iván, in einem roten Sessel, dahinter Gamla stan und die Silhouette Stockholms. Das Werk war noch nie zuvor zum Verkauf angeboten worden, als es bei Bukowskis versteigert wurde und nach einem langen Bieterwettstreit für 10,8 Millionen Kronen den Zuschlag erhielt – ein neuer Rekord für die Künstlerin. Der bisherige Rekord wurde von Hamnbild – utsikt från ateljén mot Stadsgårdskajen (1914) gehalten, das für 7,6 Millionen Kronen verkauft wurde.

Hjertén malte nicht den Raum, in dem sie saß – sie malte die Spannung darin. Deshalb wirkt Ateljerinteriör auch hundert Jahre später noch beunruhigend. – Die Redaktion von Bozetto

Farbe, Perspektive und künstlerische Handschrift

Farbe als Konstruktion

Hjertén arbeitet mit wenigen, großen, ungebrochenen Farbflächen. Blau gegen Rot, Grün gegen Orange, oft ohne die abschwächenden Zwischentöne, auf denen die schwedische Landschaftsmalerei beruhte. Der Unterschied zu Grünewald ist deutlich: Seine Palette ist heißer und nach außen gerichtet, ihre oft kühler und geschlossener, mit einem dunkleren Unterton, der das Bild strafft, statt es auszuweiten.

Auch die Farbe trägt Psychologie in sich. Das Blau in den Hafenmotiven ist keine Wetterbeobachtung, sondern eine Temperatur. Das Rot im Rollo ist kein Stoff, sondern ein Zustand. Diese Technik geht unmittelbar auf die Begegnung mit Matisse und dem deutschen Expressionismus zurück und wird näher auf unserer Seite über den Modernismus beschrieben.

Die aufgerichtete Perspektive

Ein wiederkehrendes Stilmittel ist, den Boden oder die Straße zur Bildebene hin anzuheben, sodass der Raum fast auf den Betrachtenden hinunterzugleiten scheint. Dadurch kann man als Betrachtender nie stillstehen. In Ateljerinteriör wird dies mit Figuren in unterschiedlichen Größen kombiniert, sodass der Raum eher als Bühne denn als vermessener Ort erscheint. Das Stilmittel hat seinen Ursprung in ihrer textilen Ausbildung: zuerst die Fläche, dann die Tiefe.

Die Figur, das Fenster und der abgewandte Blick

Hjerténs Figuren wenden sich oft ab. Sie stehen an einem Fenster, betrachten eine Stadt, sind anwesend, aber unnahbar. Das Fenster kehrt als Kommentar des Bildes zu sich selbst wieder: Es gibt ein Draußen, farbenfroh und in Bewegung, und ein engeres Drinnen. In ihrer Malerei der 1930er-Jahre verschärft sich dies noch – die Mollstimmung und die Unruhe, die Kunsthistoriker in den Motiven feststellen, nehmen zu, und der Pinselstrich wird hektischer.

Die Jungen, die Acht und die schwedische Avantgarde

Die einzige Frau in den Gruppen

Nach ihrer Rückkehr 1911 wurde Hjertén zu einer führenden Persönlichkeit der schwedischen Avantgarde. Sie war das einzige weibliche Mitglied der progressiven Künstlergruppen De Unga und De Åtta, die Anfang der 1910er-Jahre in Stockholm auftraten, um sich vom Geschmack der Kunstakademie zu lösen. Außerdem schrieb sie in der Tagespresse zur Verteidigung der Moderne – ein ungewöhnlicher Schritt für eine junge Malerin im Schweden der 1910er-Jahre und ein frühes Zeichen dafür, dass sie sich als Künstlerin mit eigener Stimme verstand, nicht als Ehefrau in einem Künstlerpaar.

Die expressionistische Ausstellung in der Liljevalchs 1918

Die große expressionistische Ausstellung in der Liljevalchs Kunsthalle in Stockholm 1918, bei der Hjertén gemeinsam mit Grünewald und Leander Engström ausstellte, wurde zum meistbeachteten Ereignis des Durchbruchs der schwedischen Moderne. Die Reaktionen waren geteilt: Die kraftvolle Farbigkeit und Vereinfachung provozierten ein Publikum, das an die gedämpfte Farbpalette der Nationalromantik gewöhnt war. Vergleichen Sie gern unsere Seite zur Nationalromantik, um zu sehen, wogegen sie sich wandten.

In den 1920er-Jahren stand Hjertén oft im Schatten des weitaus bekannteren Isaac. Das Paar lebte zeitweise in Paris, und ihre Motive erweiterten sich um französische Stadtansichten, Landschaften und Porträts. Die Rolle als Künstlergattin war, wie mehrere Biografien feststellen, ein konkretes Hindernis für ihre eigene Karriere.

Die letzten Jahre und das Schweigen

1932 wurde Hjertén in das Konradsberg-Krankenhaus in Stockholm eingewiesen und erhielt die Diagnose Schizophrenie. Paradoxerweise fielen die Jahre um ihre Einweisung, etwa 1932–1934, mit einem Höhepunkt ihres Schaffens zusammen: Zeitweise malte sie ein Bild pro Tag, mit stark aufgeladenen Gefühlsausdrücken und einem Pinselstrich, der weitaus aufgewühlter ist als die disziplinierten Flächen der 1910er-Jahre. Diese späten Werke werden von Kunsthistorikern im Laufe der Zeit immer höher bewertet.

Die Ehe mit Grünewald wurde 1937 geschieden. Im Jahr zuvor, 1936, hatten die Depressionen sie dazu gebracht, ganz mit dem Malen aufzuhören. Ihre letzten Jahre verbrachte sie in einer Einrichtung in Stockholm. Sie starb am 24. März 1948 an den Folgen einer Lobotomie – eines Eingriffs, der damals in der schwedischen Psychiatrie routinemäßig vorgenommen wurde und heute als eines der schwerwiegendsten medizinischen Vergehen des 20. Jahrhunderts gilt.

Dass ihr produktives Leben zwölf Jahre vor ihrem Tod endete, ist ein entscheidender Grund dafür, dass ihre posthume Anerkennung auf sich warten ließ. Als die Geschichte der schwedischen Moderne in der Nachkriegszeit geschrieben wurde, war sie nicht mehr da, um sie mitzugestalten. Sie konnte nicht ausstellen, nicht schreiben, nicht ihren eigenen Platz in einer Erzählung behaupten, die von denen geformt wurde, die noch aktiv waren. Der Vergleich mit Grünewald ist aufschlussreich: Er war bis zu seinem Tod 1946 aktiv und in der Öffentlichkeit präsent, weshalb sein Name bereits im Kanon verankert war, während ihrer dort noch fehlte.

Bemerkenswert ist auch, wie die späten Werke lange Zeit gelesen wurden. Die Arbeiten aus den Jahren 1932–1934 wurden jahrzehntelang als Dokumente ihrer Erkrankung abgetan und nicht als Malerei betrachtet. Die heutige Forschung sieht es umgekehrt: Sie erkennt eine Künstlerin, die ihre eigene Formensprache bis an die Grenze des Zerbrechens treibt und damit vieles von dem vorwegnimmt, was später als informelle oder expressive Nachkriegsmalerei bezeichnet wurde.

Dies ist ein schwieriges Kapitel, und psychische Erkrankungen betreffen viele Menschen. Wer selbst Unterstützung braucht, kann sich an medizinisches Fachpersonal oder eine Organisation für psychische Gesundheit wenden.

Nachleben, Museumssammlungen und Marktwert

Wiedergutmachung

Der Wendepunkt kam 1964, als das Moderna Museet in Stockholm eine Retrospektive ihrer Malerei zeigte – sechzehn Jahre nach ihrem Tod. Seitdem hat sich ihre Stellung stetig gefestigt. Sowohl das Moderna Museet als auch das Nationalmuseum besitzen mehrere Werke in ihren Dauerausstellungen, und inzwischen gilt sie als selbstverständliche Hauptfigur der schwedischen Kunst der 1910er-Jahre und nicht mehr als Nebenfigur.

Ihr Leben ist auch im Schwedischen biografischen Lexikon für Frauen und unter skbl.se dokumentiert. Ihr Werkverzeichnis ist über das Moderna Museet durchsuchbar. Eine Übersicht auf Schwedisch gibt es außerdem auf Wikipedia.

Markt und aktuelle Ausstellungen

Auch der Auktionsmarkt hat nachgezogen. Der Rekordpreis von 10,8 Millionen Kronen für Iván i fåtöljen und die 7,6 Millionen Kronen, die Hamnbild erzielte, platzieren sie ganz oben in der schwedischen Malerei des 20. Jahrhunderts. Im Herbst 2026 ist sie außerdem in einem Museumskontext präsent: Das Nationalmuseum eröffnet am 24. September 2026 die Ausstellung Till havet!, die bis zum 7. Februar 2027 läuft und in der Hjertén zusammen mit Claude Monet, Edvard Munch und Anders Zorn zu sehen ist. Über die Ausstellung haben wir im Artikel Till havet! im Nationalmuseum 2026 geschrieben und über Hjerténs Stellenwert darin im Artikel Sigrid Hjertén – die Modernistin der Farbe, die Schweden erst spät verstand.

Sigrid Hjertén zu Hause – ein praktischer Leitfaden

Farbgestaltung, die mit einem Hjertén-Motiv harmoniert

Hjerténs Bilder bestehen aus wenigen, kräftigen Farbflächen. Deshalb wirken sie am besten vor einem ruhigen Hintergrund – kalkweiß, gebrochen weiß, hellgrau oder in einem gedeckten Graugrün. Hängt man ein sattes blaues Hafenmotiv an eine ebenso kräftig gestrichene Wand, beginnen die beiden miteinander zu konkurrieren, und das Bild verliert. Ein häufiger Fehler ist, die Wandfarbe auf das Motiv abzustimmen; besser funktioniert es umgekehrt. Halten Sie den Raum neutral und lassen Sie das Bild den Akzent setzen.

Wenn Sie die satte Farbe in der übrigen Einrichtung weiterführen möchten, greifen Sie eine der Nebenfarben des Motivs für ein Textil oder ein Detail auf – nicht die Hauptfarbe. Unsere Auswahl an Postern mit kräftigen Farben und blauen Postern liegt nahe an Hjerténs Farbpalette.

Eine praktische Beobachtung: Hjerténs Blau ist fast immer kühler als das Blau, das wir heute in nordischen Einrichtungen verwenden. Das bedeutet, dass ein solches Motiv in einem Raum mit warmen Holzarten und beigen Textilien Aufmerksamkeit auf sich zieht und dass der Kontrast meist besser wirkt als eine zurückhaltende Ton-in-Ton-Abstimmung. In Räumen mit Eiche, Leinen und weißpigmentierten Paneelen passen ihre Stadtmotive besonders gut, gerade weil sie sich nicht einfügen wollen.

Format, Rahmen und Platzierung

Da die Kompositionen großflächig und auf die Fläche ausgerichtet sind, vertragen sie – und brauchen oft – ein größeres Format. Bei 30x40 cm verliert ein Interieurmotiv mit vielen Figuren an Lesbarkeit, während 50x70 cm oder 70x100 cm den Farbfeldern den Raum geben, für den sie gemalt wurden. Ein schmaler Rahmen in Schwarz, Dunkelbraun oder unbehandeltem Holz stört am wenigsten; breite Goldrahmen verleihen dem Bild eine Salonästhetik, die weit von ihrer Absicht entfernt ist.

Tipp: Hängen Sie ein von Hjertén inspiriertes Motiv an eine Wand, auf die Tageslicht von der Seite fällt, nicht direkt von vorn. Das Seitenlicht hebt den Unterschied zwischen den benachbarten Farbfeldern hervor, während frontales Licht sie abflacht. Messen Sie so, dass die Bildmitte etwa 145–150 cm über dem Boden liegt – dann trifft die Farbe auf Augenhöhe einer stehenden Person, für die die Motive komponiert sind.

Eine umfassendere Betrachtung des Zusammenspiels von Motiven und Räumen finden Sie in unseren Artikeln Was Wände über Sie verraten und Anders Zorn 2026.

Zeitleiste

1885 – Sigrid Maria Hjertén wird am 27. Oktober in Sundsvall geboren.
Etwa 1904–1908 – Studium an der Höheren Kunstgewerbeschule in Stockholm; Abschluss als Zeichenlehrerin und Textilkünstlerin.
1909 – Reist nach Paris und wird Schülerin von Henri Matisse an der Académie Matisse.
1911 – Heiratet Isaac Grünewald; Sohn Iván wird geboren; das Paar kehrt nach Schweden zurück.
1912 – Tritt in Stockholm mit der Künstlergruppe De Åtta in Erscheinung, als einziges weibliches Mitglied der Gruppe.
1915 – Malt Iván im Sessel, das gut hundert Jahre später zu ihrem Auktionsrekord wird.
1916 – Das Jahr ihres Durchbruchs mit Atelierinterieur und Dem roten Rollo.
1918 – Nimmt an der viel beachteten expressionistischen Ausstellung in der Liljevalchs konsthall teil.
1919 – Malt Blick über Slussen, heute Teil der Sammlung des Moderna Museet.
1932 – Wird in die Klinik Konradsberg eingeliefert und erhält die Diagnose Schizophrenie; 1932–1934 eine intensive Schaffensphase.
1936 – Hört auf zu malen.
1937 – Die Ehe mit Grünewald wird aufgelöst.
1948 – Stirbt am 24. März in Stockholm an den Folgen einer Lobotomie.
1953 – Ateljéinteriör wird vom Moderna Museet erworben.
1964 – Das Moderna Museet zeigt eine Retrospektive ihres malerischen Werks.
2026 – In der Ausstellung „Till havet!“ des Nationalmuseums vertreten, 24. September 2026 – 7. Februar 2027.

Verwandte Künstler und Bewegungen

Hjertén lässt sich am besten im Zusammenhang verstehen. Henri Matisse war ihre Lehrerin und vermittelte ihr die Farbenlehre; der Fauvismus ist die von ihm angeführte Bewegung, die sie mit nach Hause brachte. Ihr Ehemann und Kollege Isaac Grünewald hat eine eigene Hintergrundseite zu seinen Werken, Bühnenbildern und zum Grünewald-Saal des Konzerthauses. Die emotionale Intensität ihrer Werke aus den 1910er- und 1930er-Jahren gehört hingegen zum Expressionismus, und ihr Generationsgenosse Nils Dardel zeigt einen ganz anderen Weg aus denselben Pariser Lehrjahren. Die gemeinsame Geschichte der ganzen Generation, von Hallins Kunsthandel 1909 bis Berlin 2026, finden Sie auf der Seite über De unga und De åtta. Auch das Malen Stockholms von den Höhen Söders aus hatte einen Vorläufer: Eugène Jansson, den Blaumaler, der zwei Jahrzehnte zuvor dieselben Ansichten über Riddarfjärden und Slussen in einfarbige symbolistische Nocturnes verwandelte.

Wer sehen möchte, wogegen sich die schwedische Moderne wandte, findet im Nationalromantismus und bei Anders Zorn die naheliegenden Vergleiche; den größeren Rahmen zeichnet die Seite über die Moderne. Alle Hintergrundseiten finden Sie in unserer Wissensdatenbank.

Häufig gestellte Fragen zu Sigrid Hjertén

Hjerténs Farbwelt – satt, kühl und kompromisslos – gehört auf eine Weise in schwedische Räume, wie es nur bei wenigen anderen Modernisten der Fall ist. Entdecken Sie unsere schwedischen Kunstwerke und die gesamte Auswahl an Kunstwerken berühmter Künstler mit Motiven aus derselben Tradition.