Stillleben – die Geschichte der Malerei, Vanitas und die Meister des Genres

Das Stillleben ist das stillste Genre der Kunstgeschichte und zugleich eines ihrer einflussreichsten. Eine Anordnung aus Früchten, Blumen, Gefäßen und Alltagsgegenständen - mit solcher Präzision gemalt, dass die Dinge von innen heraus zu leuchten scheinen - hat uns einige der beliebtesten Motive der Malerei geschenkt: Caravaggios Fruchtkorb aus den späten 1590er-Jahren, die niederländischen Blumensträuße, Chardins Brot und Wasserglas, Cézannes Äpfel und Giorgio Morandis staubbedeckte Flaschen. Gerade deshalb eignet sich das Stillleben besonders gut als Poster und Bild für ein modernes Zuhause: Das Motiv ist ruhig, die Farbskala geschlossen und die Komposition dafür geschaffen, aus der Nähe betrachtet zu werden.

Diese Seite behandelt die gesamte Geschichte des Stilllebens - von den römischen Xenia-Mosaiken in Pompeji bis zur Pop-Art und zeitgenössischen Fotografie - und erläutert die Untergruppen, die Symbolsprache und die technischen Besonderheiten des Genres. Sie erfahren außerdem, wo sich die wichtigsten Werke befinden, welche Preise sie bei Auktionen erzielt haben, welche schwedischen Sammlungen Stillleben von internationalem Rang beherbergen und wie Sie ein Stilllebenmotiv für Ihr Zuhause auswählen und platzieren. Ziel ist es, die nützlichste schwedische Einführung in dieses Thema zu bieten.

Inhalt
↓ Was ist ein Stillleben?
↓ Die Geschichte des Stilllebens - von Pompeji bis Amsterdam
↓ Die wichtigsten Motivtypen des Stilllebens
↓ Technik, Licht und Komposition
↓ Von Cézanne bis Warhol - das Erbe des Stilllebens
↓ Stillleben im Zuhause - praktischer Leitfaden
↓ Zeitleiste
↓ Verwandte Kunstrichtungen und Künstler
↓ Häufige Fragen zum Stillleben

Was ist ein Stillleben?

Ein Stillleben ist ein Gemälde, eine Zeichnung oder eine Fotografie, deren Hauptmotiv leblose Gegenstände sind, die der Künstler selbst arrangiert hat. Das unterscheidet das Genre von der Landschaft, in der das Motiv bereits vorhanden ist, und vom Porträt, bei dem sich das Modell bewegt und altert. Im Stillleben bestimmt der Künstler alles: welche Dinge dabei sein dürfen, wie sie liegen, aus welcher Richtung das Licht fällt und wie lange die Anordnung bestehen bleibt.

Das Wort stammt aus dem Niederländischen stilleven, das um 1650 in Amsterdamer Nachlassverzeichnissen und Handelsinventaren aufzutauchen beginnt - also lange nachdem die Gemälde selbst bereits in industriellem Maßstab produziert worden waren. Das Französische wählte einen düstereren Begriff, nature morte (tote Natur), das Italienische natura morta und das Englische die niederländische Variante in Übersetzung. Der Unterschied in der Wortwahl ist nicht harmlos: Der niederländische Begriff betont die Stille, der französische die Vergänglichkeit. Beide Aspekte finden sich im Genre.

Dass das Stillleben lange Zeit als unterste Kategorie der Hochkultur galt, erklärt vieles von seiner späteren Sprengkraft. Als der Kunsttheoretiker André Félibien 1667 die Genrehierarchie der französischen Akademie formulierte, setzte er die Historienmalerei an die Spitze und das Stillleben ganz nach unten, mit der Begründung, es bilde lediglich tote Dinge ohne menschliches Handeln ab. Diese Rangordnung blieb in der Kunstausbildung über zwei Jahrhunderte bestehen und machte das Stillleben zu einem Genre, in dem Künstler relativ frei experimentieren konnten - kein Kritiker überwachte Apfelkörbe so genau wie Schlachtfelder.

Schnellinfo: Genre: Stillleben, vom niederländischen stilleven, in Inventaren um 1650 belegt. Französisch: nature morte. Erstes eigenständiges Stillleben in der westlichen Malerei: Caravaggios Fruchtkorb, etwa 1597–1600, in der Pinacoteca Ambrosiana in Mailand. Goldene Zeit: die Niederlande und Flandern etwa 1600–1700. Untergattungen: Vanitas, Blumenstillleben, ontbijtje (Frühstückstafel), banketje, pronkstilleven, Jagdstillleben und Trompe-l'œil. Höchster Auktionspreis für ein Stillleben: Cézannes Rideau, cruchon et compotier, 60,5 Millionen Dollar bei Sotheby's in New York 1999. Wichtigste schwedische Sammlung: das Nationalmuseum in Stockholm, unter anderem mit Jan Davidsz. de Heems Blumenstillleben mit Obstschale und Austern von 1665–1672. Akademische Rangordnung: Félibien ordnete das Genre 1667 an letzter Stelle von fünf ein.

Die Geschichte des Stilllebens – von Pompeji bis Amsterdam

Das Genre ist älter als sein Name. In den römischen Villen in Pompeji und Herculaneum, die beim Ausbruch des Vesuvs im Jahr 79 begraben wurden, finden sich Wandmalereien und Bodenmosaike mit Pfirsichen, Feigen, Glasschalen und Vögeln. Die Römer nannten sie xenia – Geschenke für den Gast – und sie erfüllten eine soziale Funktion: Der Gastgeber zeigte seine Großzügigkeit, indem er die Speisen malte, die er anbot. Die illusionistische Kunstfertigkeit war schon damals der eigentliche Zweck. Plinius der Ältere berichtet vom Wettstreit zwischen den Malern Zeuxis und Parrhasios, bei dem Zeuxis' Trauben Vögel dazu verleiteten, gegen die Wand zu fliegen.

Im Mittelalter verschwanden die eigenständigen Darstellungen von Gegenständen fast vollständig und überlebten als Details in religiösen Szenen: die Lilie bei der Jungfrau Maria, das Brot auf dem Abendmahlstisch, der Totenschädel am Fuß des Kreuzes. Erst im 16. Jahrhundert lösten sich die Gegenstände wieder daraus. Ein frühes und häufig zitiertes Beispiel ist Jacopo de' Barbaris Rebhuhn mit Eisenhandschuhen und Armbrustbolzen von 1504, heute in der Alten Pinakothek in München, das gewöhnlich als das erste datierte eigenständige Stillleben nördlich der Alpen gilt.

Der entscheidende Schritt erfolgte in Rom um die Wende zum 17. Jahrhundert. Caravaggios Fruchtkorb, irgendwann zwischen 1597 und 1600 für Kardinal Federico Borromeo gemalt und noch immer in der Pinacoteca Ambrosiana in Mailand, platziert einen geflochtenen Korb auf der Tischkante, sodass er in den Raum des Betrachters hineinragt. Die Blätter sind fleckig, ein Apfel ist wurmstichig, die Trauben beginnen zu schrumpfen. Indem Caravaggio sich weigerte zu idealisieren, verwandelte er einen trivialen Korb in ein Monument, und seine Arbeit mit scharfem Seitenlicht wurde für das gesamte Genre maßgeblich. Lesen Sie mehr über seine Methode auf der Seite über Caravaggio und Chiaroscuro.

Dennoch wurde das Stillleben in den Niederlanden zu einer Massenbewegung. Die junge Republik hatte ein wohlhabendes Bürgertum ohne höfische Tradition, eine protestantische Kirche, die keine Altarbilder in Auftrag gab, und ein Handelsimperium, das chinesisches Porzellan, türkische Teppiche, brasilianischen Zucker und ostindische Gewürze nach Hause brachte. Die Malerei wurde zu einer Handelsware, die auf Märkten verkauft wurde, und die Künstler spezialisierten sich extrem: Einer malte nur Blumen, ein anderer nur Fische, ein dritter nur Silber und Glas.

Die Spekulationswirtschaft ist in den Motiven unmittelbar sichtbar. Der Tulpenhandel trieb die Preise einzelner Zwiebeln auf mehrere Jahresgehälter, bevor der Markt im Februar 1637 zusammenbrach, und die bunten, geflammten Tulpen, die in den Sträußen immer wieder auftauchen, waren oft mit Viren infiziert und deshalb extrem teuer. Ambrosius Bosschaert der Ältere und Jan Brueghel der Ältere malten Sträuße, die in der Wirklichkeit niemals hätten existieren können, weil die Blumen darin in unterschiedlichen Monaten blühen – sie sind aus Studien zusammengestellt, die im Laufe eines ganzen Jahres angefertigt wurden.

Das Genre wurde auch zu einem der wenigen, in denen Künstlerinnen die Spitze erreichen konnten, da es keine Studien nach dem nackten Modell erforderte. Clara Peeters signierte 1611 ein Stillleben, das heute im Museo del Prado in Madrid hängt und auf dem sie ihr eigenes Spiegelbild mehrfach in den glänzenden Oberflächen des Pokals und der Zinnkanne malte. Rachel Ruysch arbeitete siebzig Jahre lang und erzielte zu Lebzeiten höhere Preise als viele ihrer männlichen Kollegen. Maria van Oosterwijcks Vanitas-Stillleben aus der Zeit um 1690 wurde vom Rijksmuseum erworben und 2025 in der Ehrengalerie des Museums, zwischen Rembrandt und Vermeer, platziert.

Im 18. Jahrhundert verlagerte sich der Schwerpunkt nach Frankreich und zu Jean-Siméon Chardin, der den prachtvollen Arrangements den Rücken kehrte und Kupferkessel, Brotkanten und ein Glas Wasser mit einer ernsthaften Zärtlichkeit malte, die ihresgleichen sucht. 1728 wurde er als „Maler von Tieren und Früchten“ in die französische Akademie aufgenommen – ein bescheidener Titel für jemanden, der 1757 eine Wohnung im Louvre erhielt und dort bis zu seinem Tod lebte. In Spanien entwickelte sich parallel das bodegón, in dem Juan Sánchez Cotán und Francisco de Zurbarán Quitten an Schnüren vor tiefschwarzem Hintergrund aufhängten und die Malerei beinahe meditativ machten.

Die wichtigsten Motivtypen des Stilllebens

Während des Goldenen Zeitalters wurde das Genre in klar voneinander abgegrenzte Untergruppen aufgeteilt, die die Käufer erkannten und unterschiedlich bewerteten. Diese Einteilung ist nach wie vor der nützlichste Schlüssel zum Lesen eines Stilllebens und erklärt auch, warum bestimmte Motive besser an eine bestimmte Wand im Haus passen als andere.

Vanitas – die Bildsprache der Vergänglichkeit

Das Vanitas-Stillleben ist der ernsthafteste Zweig des Genres und beruht auf den Worten des Predigers, dass alles Eitelkeit sei. Der Totenschädel ist das deutlichste Symbol, doch die gesamte Bildsprache ist codiert: Das erloschene Licht und der Rauch stehen für die Kürze des Lebens, die Sanduhr und die Taschenuhr für die Zeit, die Seifenblase für den Augenblick, die verwelkende Blume und die geschälte Zitrone dafür, dass auch das Schöne vergänglich ist. Bücher, Karten und Musikinstrumente stehen für die Gelehrsamkeit, die nicht mit ins Grab kommt.

Pieter Claesz’ Vanitas mit Spinario aus dem Jahr 1628 im Rijksmuseum in Amsterdam ist ein Lehrbuchbeispiel: ein umgestürzter Pokal, eine erloschene Lampe und ein Gipsabguss der antiken Spinario-Skulptur, übereinandergestapelt in einer braunen monochromen Farbskala, die das gesamte Bild zu einem langen Seufzer macht. Claesz arbeitete in Haarlem, wo sich das nahezu farblose monochrome banketje zu einer eigenen Spezialität entwickelte.

Blumenstillleben

Das Blumenstillleben ist der meistverkaufte Zweig des Genres – damals wie heute. Es entwickelte sich aus der botanischen Illustration und aus echter wissenschaftlicher Neugier: Viele Maler arbeiteten nach getrockneten Exemplaren und Beobachtungen in den neuen botanischen Gärten. Rachel Ruysch war die Tochter eines Anatomieprofessors mit einer eigenen naturkundlichen Sammlung, und ihre Insekten und Eidechsen lassen sich den jeweiligen Arten zuordnen. Der Zusammenhang zwischen Kunst und Naturwissenschaft war das Thema der Retrospektive Rachel Ruysch: Nature into Art, die nach ihrer Eröffnung in der Alten Pinakothek in München 35 ihrer Gemälde vom 12. April bis 27. Juli 2025 im Toledo Museum of Art und anschließend vom 23. August bis 7. Dezember 2025 im Museum of Fine Arts in Boston zeigte.

Wenn dich die botanische Seite des Genres besonders interessiert, findest du eine Vertiefung auf der Seite über botanische Kunst und Pflanzenillustration sowie entsprechende Motive im Sortiment unter Postern mit Blumenmotiven.

Frühstückstisch und Prunkstillleben

Das anspruchslose ontbijtje zeigt eine halb verzehrte Mahlzeit: ein Stück Hering, eine Brotkante, eine geschälte Zitrone, deren Schale spiralförmig über die Tischkante hängt. Das Gegenstück ist das Prunkstillleben, das Willem Kalf (1619–1693) mit chinesischen Porzellanschalen, Nautiluspokalen aus vergoldetem Silber, persischen Teppichen und einem einzigen klaren Licht, das das Glas vor der Dunkelheit zum Glühen bringt, zur Vollendung führte. Jan Davidsz. de Heem verband beide Traditionen, indem er Blumen, Früchte und Austern in dieselbe üppige Komposition einfügte.

Ein solcher de Heem befindet sich in Schweden. Blumenstillleben mit Obstschale und Austern, datiert auf 1665–1672, wurde mit Unterstützung der Freunde des Nationalmuseums für das Nationalmuseum in Stockholm erworben und zählt zu den bedeutendsten niederländischen Stillleben in skandinavischem Besitz. In derselben Sammlung befindet sich auch ein Blumenstillleben von Johan Johnsen (1653–1708), einem in Kiel geborenen Maler, der Ende der 1670er-Jahre nach Schweden kam und Tulpen, Dahlien und Pfingstrosen in einer blau-weißen Schale malte, bei der es sich entweder um chinesisches Exportporzellan oder Delfter Fayence handelt.

Trompe-l'œil und das getäuschte Auge

Der vierte Zweig treibt die Illusion auf die Spitze. Bei einem Trompe-l'œil werden die Gegenstände in natürlicher Größe und auf derselben Ebene wie der Betrachter gemalt, oft auf ein Brett genagelt oder hinter ein Band gesteckt, sodass das Auge für einen Augenblick glaubt, sie befänden sich tatsächlich dort. Die Form gab es in den Niederlanden, in der amerikanischen Tradition des 19. Jahrhunderts bei William Harnett und in einer ganz eigenen koreanischen Variante, Chaekgeori, bei der für den Hof mit Büchern und gelehrten Gegenständen gefüllte Regale gemalt wurden – ein Phänomen, über das wir im Artikel über die koreanische Bücherregalmalerei geschrieben haben.

"Man verwendet Farben, aber man malt mit dem Gefühl." – Jean-Siméon Chardin, wiedergegeben von Denis Diderot

Technik, Licht und Komposition

Ein Stillleben ist die einzige Gattung, in der der Künstler jede einzelne Variable kontrolliert, und deshalb ist sie zum Labor der Malerei geworden. Fast alle technischen Errungenschaften der europäischen Ölmalerei wurden zuerst an einem Tisch mit Früchten erprobt.

Das Licht als Dramaturgie

Die klassische Lösung ist ein einziges Licht, das schräg von oben links auf einen dunklen, unbestimmten Hintergrund fällt. Caravaggios Tenebrismus trieb den Kontrast auf die Spitze, und die niederländische Generation nach ihm milderte ihn zu einem kühleren Tageslicht aus einem Fenster ab. Die Wirkung ist dieselbe: Die Gegenstände heben sich aus der Dunkelheit und erhalten Volumen, während der Hintergrund aufhört, ein Raum zu sein, und zu einer Fläche wird. Das ist auch der Grund, warum Stilllebenmotive sich so gut als Drucke eignen – sie sind dafür geschaffen, in einem begrenzten Tonwertumfang zu funktionieren.

Lasurmalerei und die Schichten der Ölfarbe

Die Leuchtkraft, die eine Weintraube oder einen Silberkrug beinahe taktil erscheinen lässt, entsteht durch Lasurmalerei: dünne, durchscheinende Farbschichten, die über einen trockenen, helleren Unterton gelegt werden. Das Licht dringt durch die Schichten, wird vom hellen Grund reflektiert und kehrt gefärbt zurück, wodurch ein inneres Leuchten entsteht, das deckende Farbe nicht nachahmen kann. Ein einziges Kalf-Glas kann aus sechs oder sieben solchen Schichten bestehen, mit wochenlangen Trocknungszeiten zwischen den einzelnen Schichten. Die Technik erfordert, dass das Motiv monatelang unverändert bleibt – ein weiterer Grund dafür, dass gerade Gegenstände und nicht Menschen zu den Modellen dieses Labors wurden.

Die stillen Regeln der Komposition

Fast nahezu alle klassischen Stillleben beruhen auf demselben Grundprinzip: einer Diagonale, die den Blick durch das Bild führt, einem Gegenstand, der die Tischkante durchbricht und auf den Betrachter hinausragt, einem Höhenungleichgewicht, das die Anordnung lebendig macht, und einem Punkt gesättigter Farbe – eine Zitrone, eine rote Tulpe, eine Hummerschale –, zu dem das Auge immer wieder zurückkehrt. Cézanne brach bewusst mit der Logik der Perspektive, indem er die Obstschale in derselben Darstellung leicht von oben gesehen und die Tischkante direkt von vorn gesehen malte, wodurch der leichte Schwindel entsteht, der zum Ausgangspunkt für den Kubismus wurde.

Von Cézanne bis Warhol – das Erbe des Stilllebens

Cézanne und die moderne Form

Niemand hat mehr für den Stellenwert des Genres getan als Paul Cézanne. Vierzig Jahre lang malte er Äpfel, nicht weil Äpfel schön sind, sondern weil sie lange genug stillhalten, damit er untersuchen konnte, wie Farbe Form aufbaut. Dass der Markt ihm schließlich recht gab, zeigen die Zahlen: Rideau, cruchon et compotier, 1893–1894 gemalt, wurde 1999 bei Sotheby's in New York für 60,5 Millionen Dollar verkauft und war damit lange Zeit das teuerste Stillleben der Welt. Vincent van Goghs Sonnenblumen aus dem Jahr 1888 – im Grunde ein Blumenstrauß in einem Steinguttopf – hatte bereits 1987 bei Christie's 39,9 Millionen Dollar erzielt und gezeigt, dass das Genre die höchsten Preisniveaus erreichen konnte. Vertiefen Sie Ihr Wissen über beide auf den Seiten zu Paul Cézanne und Vincent van Gogh.

Collage, Flaschen und Suppendosen

Im Mai 1912 klebte Pablo Picasso ein Stück Wachstuch mit aufgedrucktem Rattanmuster auf eine ovale Leinwand und malte darum herum. Stillleben mit Rohrstuhl wurde die erste Collage der Kunstgeschichte – und das Motiv war bezeichnenderweise ein Café-Tisch mit einem Glas und einer Zeitung. Im selben Jahrzehnt machten Georges Braque, Juan Gris und später Henri Matisse das Stillleben zur Standardübung der Moderne.

Giorgio Morandi schlug die entgegengesetzte Richtung ein. Von seinem Atelier in der Via Fondazza in Bologna aus malte er jahrzehntelang fast ausschließlich dieselbe Handvoll Flaschen, Dosen und Schalen, staubig und manchmal mit mattem Weiß übermalt, in einer gedämpften Skala aus Grau, Ocker und Blassrosa. Sein Natura morta aus den 1940er-Jahren, ehemals in der Sammlung von Peggy und David Rockefeller, stellte im Mai 2018 bei Christie's in New York mit 4,33 Millionen Dollar den Auktionsrekord des Künstlers auf. Als Andy Warhol 1962 zweiunddreißig gemalte Campbell's-Suppendosen ausstellte, hatte sich der Kreis geschlossen: Der Alltagsgegenstand stand wieder im Mittelpunkt, nun jedoch als Massenware statt als Handelsgut. Mehr über diese Wendung erfahren Sie auf der Seite über Pop-Art.

Stillleben im Zuhause – praktischer Leitfaden

Stillleben gehören aus drei Gründen zu den dankbarsten Motivkreisen, mit denen man leben kann. Die Farbskala ist meist geschlossen und erdig, sodass die Motive mit den meisten Einrichtungen harmonieren. Die Komposition ist um ein klares Zentrum aufgebaut, weshalb das Bild auch in kleineren Formaten funktioniert. Und der Inhalt ist konkret, ohne aufdringlich zu sein – Früchte und Gefäße lösen nicht dieselben starken Reaktionen aus wie Porträts oder Figurenszenen.

Raum für Raum

Die Küche und der Essbereich sind die natürlichen Räume des Genres: Ein Frühstückstisch, eine Zitronenschale oder ein Weinglas im klassischen Stil verleiht dem Raum eine historische Grundlage, ohne museal zu wirken. Entdecken Sie die Auswahl unter Küchenbildern und Zitrus- und Früchtepostern. Im Wohnzimmer wirken die dunkleren Vanitas- und Prunkstillleben über einer Kommode oder einem Sofa am besten, wo der tiefe Hintergrund eine ganze Möbelgruppe tragen kann. Über dem Kamin, wo das Licht oft warm ist und von unten einfällt, kommt ein Motiv mit Gold- oder Kupfertönen besonders gut zur Geltung – unsere Empfehlungen haben wir im Ratgeber zu Postern über dem Kamin zusammengestellt. In einem Café oder Restaurant ist das Stillleben beinahe eine Abkürzung zur richtigen Atmosphäre, wie wir im Ratgeber zu Kunst für Cafés und Restaurants erläutern.

Rahmen, Format und Farbe

Klassische Stillleben profitieren von einem warm wirkenden Rahmen: Eiche, Walnuss oder eine dunkel gebeizte Leiste greift die braunen und goldenen Töne des Motivs auf. Ein schwarzer Rahmen passt zu den strengen spanischen Bodegones und zu Morandis gedämpften Arrangements, während ein weißer Rahmen dem Motiv selten gerecht wird, da er die Tiefe des dunklen Hintergrunds beschneidet. Ein Passepartout ist fast immer von Vorteil: Es gibt dem Auge eine Pause, bevor es auf die dichte Komposition trifft. Wenn Sie Stillleben mit anderen Epochen an derselben Wand kombinieren möchten, finden Sie eine Methode in unserem Ratgeber zur eklektischen Einrichtung.

Tipp: Hängen Sie ein dunkles Stillleben so auf, dass es seitlich beleuchtet wird, nicht direkt von vorn. Die Motive wurden für einfallendes Licht aus nur einer Richtung, von links, gemalt. Wenn Sie das Bild so platzieren, dass die Lichtquelle des Raumes aus derselben Richtung kommt, wird der ursprüngliche Effekt wiederhergestellt – die Gegenstände erhalten Volumen und der Hintergrund tritt zurück. Eine schräg vor dem Bild angebrachte Wandleuchte oder Stehlampe trägt mehr zur Wirkung bei als eine Deckenleuchte direkt darüber, die stattdessen Reflexionen im Glas erzeugt.

Zeitleiste

Im Jahr 79 – Der Ausbruch des Vesuvs bewahrt Xenia-Gemälde mit Früchten und Glasschalen in Pompeji und Herculaneum, die ältesten erhaltenen Beispiele des Genres.
1504 – Jacopo de' Barbari malt Rebhuhn mit Eisenhandschuhen und Armbrustbolzen, oft als das erste datierte eigenständige Stillleben nördlich der Alpen bezeichnet. Alte Pinakothek, München.
Um 1597–1600 – Caravaggio malt Früchtekorb für Kardinal Federico Borromeo. Pinacoteca Ambrosiana, Mailand.
1611 – Clara Peeters signiert ihr Stillleben mit vergoldetem Silberpokal und Trockenfrüchten, heute im Museo del Prado in Madrid.
1628 – Pieter Claesz malt Vanitas mit Spinario, heute im Rijksmuseum in Amsterdam.
Februar 1637 – Der Tulpenmarkt in den Niederlanden bricht zusammen; die bunten Tulpen leben in der Malerei als Statussymbol weiter.
1665–1672 – Jan Davidsz. de Heem malt Blumenstillleben mit Obstschale und Austern, das später vom Nationalmuseum in Stockholm erworben wird.
1667 – André Félibien ordnet das Stillleben an der untersten Stelle der Gattungshierarchie der französischen Akademie ein.
1728 – Jean-Siméon Chardin wird als Maler von Tieren und Früchten in die französische Akademie aufgenommen; 1757 erhält er eine Wohnung im Louvre.
1888 – Vincent van Gogh malt seine Serie Sonnenblumen in Arles.
1893–1894 – Paul Cézanne malt Rideau, cruchon et compotier, das 1999 für 60,5 Millionen Dollar verkauft wird.
Mai 1912 – Picassos Stillleben mit Rohrstuhl wird die erste Collage der Kunstgeschichte.
1962 – Andy Warhol stellt in Los Angeles zweiunddreißig Gemälde von Campbells Suppendosen aus.
Mai 2018 – Morandis Natura morta aus der Rockefeller-Sammlung erzielt bei Christie's mit 4,33 Millionen Dollar den Auktionsrekord des Künstlers.
2025 – Die Retrospektive Rachel Ruysch: Nature into Art wird vom 12. April bis zum 27. Juli in Toledo und vom 23. August bis zum 7. Dezember in Boston gezeigt; das Rijksmuseum rückt Maria van Oosterwijcks Vanitas ins Ehrengalerie.

Verwandte Kunstbewegungen und Künstler

Das Stillleben ist in mehrere Zusammenhänge zugleich eingebettet. Sein goldenes Zeitalter fällt mit dem holländischen Goldenen Zeitalter zusammen, in dem derselbe bürgerliche Markt auch die Genremalerei und das Interieurbild bei Johannes Vermeer hervorbrachte. Die Lichtbehandlung stammt aus dem Barock, und das naturwissenschaftliche Erbe teilt es mit der botanischen Kunst. Im weiteren Verlauf führt das Genre direkt zum Kubismus und weiter zur Pop-Art. Wenn du den vollständigen Überblick über Epochen, Bewegungen und Künstler sehen möchtest, findest du ihn in unserer Wissensdatenbank.

In Schweden hat das Genre eine eigene Tradition. Das Nationalmuseum bildet das internationale Fundament, während schwedische Maler des 20. Jahrhunderts dem Stillleben einen helleren und dekorativeren Ton verliehen: Einar Jolin (1890–1976) malte Orchideen und Blumenarrangements in einem naivistisch vereinfachten Stil, Vera Nilsson (1888–1979) und Ivar Arosenius (1878–1909) arbeiteten neben ihren bekannteren Motivkreisen auch mit Gegenstandsdarstellungen. Ein Teil dieses Erbes ist in unserer Auswahl an schwedischen Kunstwerken und in der umfassenderen Sammlung Kunstwerken bekannter Künstler vertreten. Einen orientierenden Überblick über die Definition des Genres bietet außerdem der Artikel über Stillleben auf Wikipedia, und die niederländischen Hauptwerke können in der Sammlung des Rijksmuseums studiert werden.

Häufige Fragen zu Stillleben

Wenn du die Ruhe des Genres nach Hause holen möchtest, beginnst du am einfachsten mit einem Motiv, das zu den vorhandenen Farben des Raumes passt - eine Obstschale für den Essbereich, ein Blumenstrauß für den Flur oder ein gedämpftes Vanitasmotiv über der Kommode. Die gesamte Auswahl klassischer Motive findest du unter Kunstwerke berühmter Künstler, wo vierhundert Jahre Stillleben mit Früchten, Blumen und stillem Licht darauf warten, bei dir einzuziehen.